Films cultes - Cult Movies

FASTER PUSSYCAT KILL ! KILL ! (1965) - LE CULTE DE RUSS MEYER

2011-12-06T20:22:00.000-08:00

J’ai changé l’en-tête de ce blogue pour y placer la citation de Jean-Luc Godard (déjà discutée ici) au sujet des emprunts faits à des cinéastes par d’autres cinéastes. La raison ? C’est que je me rends compte que ce blogue, en plus d’être officiellement consacré aux films cultes, se donne aussi comme deuxième vocation de pointer du doigt les divers “emprunts” (ou, ahem, «hommages ») faits par de nombreux réalisateurs qui s’amusent à piller le cinéma des années 50s et 60s … Au fil des entrées, on a pu voir que Tarantino empruntait à Don Siegel (ici), Sam Fuller (ici) ou Leone (ici), qu’Eastwood empruntait à Boetticher (ici), que Cameron empruntait à une vieille série télé des années 60s (ici), etc (sans parler de la vague de re-makes de films des annees 70s (LAST HOUSE ON THE LEFT, THE CRAZIES, TEXAS CHAINSAW MASSACRE, etc) qui sévit à Hollywood depuis des années). Rien de mal la-dedans, dans la mesure où on ne se contente pas de copier ce qui a déjà été fait mais ou l’on s’en inspire pour l’adapter à sa propre vision, comme le font si bien Tarantino et Scorsese.

Cela étant dit, j’en profite pour parler justement de Russ Meyer, cinéaste plutôt obscur (et même longtemps dénigré dans certains milieux) mais dont l’œuvre a souvent servi d’inspiration à des cinéastes connus (parmi lesquels John Waters et, bien sûr, Quentin Tarantino, dont le film DEATHPROOF est un évident hommage à Meyer – un des personnages du film (Shanna (Jordan Ladd) porte même un T-Shirt orné d’une photo de FASTER PUSSYCAT KILL KILL.

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"FASTER PUSSYCAT KILL KILL !" is, beyond a doubt, the best movie ever made. It is possibly better than any film that will be made in the future." John Waters

Vous avez aimé voir les amazones cascadeuses de DEATHPROOF casser la gueule de Kurt Russell à la fin du film ? Vous avez aimé voir Uma Thurman tout démolir sur son passage afin d’assouvir sa vengeance dans KILL BILL ? Alors dépêchez-vous d’aller louer (ou télécharger) l’ancêtre de tous ces films : FASTER PUSSYCAT KILL ! KILL ! réalisé par Russ Meyer en 1965.

En fait, tout amateur de films « trash » mettant en vedette des actrices sans talent dont les proportions physiques donnent l’impression de regarder un film 3-D (!) SE DOIT de découvrir l’univers des films de Russ Meyer ! Cet ex-caméraman de combat durant la Deuxième guerre mondiale et talentueux photographe du magazine PLAYBOY fit fortune à Hollywood en lançant la mode des “nudies”, sortes de comédies légères axées sur l’exploitation d’érotisme (son premier film, THE IMMORAL MR TEAS (1959), tourné avec un budget de 24 000 $, rapporta plus d’un million de dollars). Fort de ce premier succès, Meyer, qui, en véritable auteur, agissait comme réalisateur, caméraman, monteur et producteur de ses films, en réalisa rapidement plusieurs autres (LORNA (1964), MOTOR PSYCHO (1965)) et mit tranquillement en place les éléments qui allaient constituer son style bien à lui (actrices choisies en fonctions de leurs poitrines Felliniesques, montage nerveux, dialogues outrageux et hilarants, personnages féminins forts et dominants, violence gratuite), culminant en ce chef-d’œuvre du cinéma Trash qu’est FASTER PUSSYCAT KILL KILL (1965).

Le film raconte l’histoire de trois danseuses de club : la leader Varla (interprétée par Tura Satana, plantureuse actrice de descendance japonaise et Cheyenne, dont la biographie, si on en croit le site wikipedia, comporte un épisode de vengeance ressemblant étrangement à celle du personnage de Uma Thurman dans KILL BILL !) et ses copines Rosi (interprétée par l’actrice Haji, de son vrai nom Barbarella Catton, qui, tenez-vous bien, est originaire de Québec !! Voir sur imbd) et Billie (Lori Williams). Ces amazones dansent la nuit dans des clubs minables et s’amusent le jour en s’adonnant à des courses de voitures dans le désert californien. Elles tombent un jour sur un jeune couple en bagnole, tuent le jeune homme, kidnappent la jeune fille et continuent leur route vers une maison isolée ou habitent un vieil homme en chaise roulante et ses deux fils. Elles espèrent s’emparer d’un gros montant d’argent qui serait en possession du bonhomme. Mais ce dernier a de son côté un plan tout aussi tordu …

Difficile de décrire ce film … Il faut VRAIMENT le voir pour le croire, et pour cela, heureusement, il y a Youtube !

L’extrait suivant comporte la séquence d’ouverture du film et en donne le ton : Un narrateur s’adresse directement à nous et nous souhaite la bienvenue : « Mesdames et messieurs, bienvenue dans le monde de la violence » … Suit la délirante séquence des trois donzelles dansant sous les encouragements de mecs ahuris, puis le générique au son de la pièce “FASTER PUSSYCAT” du groupe THE BOSTWEEDS tandis que défilent des images des filles au volant de leurs voitures de course ! A peine cinq minutes plus tard (vers 5:00), on a déjà droit à un “catfight » ! Yeah ! Du cinema trash comme on l'aime !

Tura Satana était adepte d’arts martiaux et exécutait ses propres scènes de combat (un peu comme la Zoe Bell de DEATHPROOF). Elle n’hésite pas à tuer quiconque se met sur son chemin, homme ou femme :

Autre extrait ici (avec sous-titres francais) :

Mais l’aspect le plus drôle du film (selon moi) demeure ses dialogues, parfois complètement hilarants ! Quelques extraits :

Lorsque le vieux rencontre les trois filles pour la première fois, il leur demande :

- Vous êtes des nudistes, ou bien vous n’avez rien à vous mettre sur le dos ? (Are you girls a bunch of nudists, or are you just short on clothes ?)

Plus tard, la blonde Billie se pâme devant le fils du vieux qui soulève des haltères.

- You Tarzan, me Jane ! lui lance-t-elle avec subtilité. "Why don't you drop that tree you're holding and let's grab a vine and swing a little ! ("Toi Tarzan, moi Jane ! Laisse tomber ce tronc d'arbre, attrapons une liane et allons nous amuser un peu ! ;)

Meyer réalisa par la suite d’autres films dans la même veine (VIXEN (1968), SUPERVIXENS (1974)) qui rapportèrent tellement d’argent que les producteurs Zanuck et Brown de 20th Century Fox offrirent à Meyer la chance de réaliser son premier film à gros budget (le film culte BEYOND THE VALLEY OF THE DOLLS, écrit par nul autre que le critique Roger Ebert !) qui fut un succès commercial mais non critique. Déçu de cette expérience, Meyer quitta le mainstream et retourna dans l’underground pour faire ce qu’il aimait le plus : des films à petits budgets sur lesquels il avait le contrôle total et qui firent sa fortune, puisqu’il en possédait tous les droits. Il mourut en 2004.

On peut voir sur Youtube un documentaire interessant sur la carriere de Russ Meyer (on y apercoit, entre autres, Danny Peary, auteur des livres CULT MOVIES) :

Scène délirante du film SUPERVIXENS (1974) comprenant les trois éléments essentiels au succès d’un film (selon Meyer) : Sexe, violence et humour (âmes sensibles et politically correct s’abstenir).

L’influence de Meyer perdure encore aujourd’hui. La preuve, le film Bitch Slap, sorti l’an dernier et mettant en vedette trois plantureuses amazones dignes des films de Russ Meyer (voir bande-annonce ci-dessous).

THE BRONX WARRIORS - LES GUERRIERS DU BRONX (1983)

2011-06-14T07:28:00.000-07:00

LES GUERRIERS DU BRONX (1983)

Le film culte THE WARRIORS (1979) de Walter Hill a donné naissance à une longue suite de copies mal foutues dont la plus drôle demeure le film culte de série Z appelé THE BRONX WARRIORS. (en français LES GUERRIERS DU BRONX - 1983) du réalisateur Enzo Castellari (dont Tarantino est apparemment un grand Fan ! On peut le voir lui rendre un vibrant hommage ici sur YOUTUBE) .

Synopsis : Dans un New-York apocalyptique, un policier infiltre les guerriers du Bronx, qui combattent divers gangs hétéroclites (gangs de joueurs de hockey, de patineurs à roulettes, de danseurs à claquettes (Hé oui !), etc.).

Points forts : Le personnage principal s’appelle Trash !! Enough said ? Et puis le film met en vedette un de mes acteurs fétiches : Vic Morrow, qui a déjà eu son heure de gloire (via sa performance exceptionnelle de délinquant dans son premier film Blackboard Jungle (1955) et comme vedette de la série COMBAT dans les années 60s) mais qui, en 1983, était un «has-been» réduit à jouer dans ce genre de film (mais, à en croire les propos de Castellari sur le commentaire accompagnant la version DVD, lui et Morrow étaient de bons amis, ce qui peut expliquer la participation de ce dernier à un autre film de Castellari assez amusant appelé THE GREAT WHITE (LA MORT AU LARGE - 1981), sorte de pastiche de JAWS. Pour ceux qui l’ignoraient, Vic Morrow est décédé sur le plateau du film TWILIGHT ZONE- THE MOVIE (1983), décapité par l’hélice d’un hélicoptère durant le tournage d’une scène particulièrement dangereuse ! La scène peut-être visionnée ici.

Film-culte parce que … Honnêtement, si ce n’était de la présence de Vic Morrow et de certains dialogues hilarants, le film LES GUERRIERS DU BRONX ne me fascinerait pas tant … MAIS c’est qu’il y a, presqu’au tout début du film, cette scène GÉNIALE, absurde et surréaliste où les membres du gang des Riders se retrouvent sur le bord d’une plage où gît un confrère assassiné. Et puis après ? me dites-vous. Ah mais attention : Cette séquence «dramatique» se déroule sous les yeux d’un gars qui n’a ABSOLUMENT RIEN À VOIR avec la scène et qui JOUE UN SOLO DE BATTERIE !! YEAH !! Du jamais vu ! (voir extrait ci-dessous).

J’essaie seulement de me mettre dans la tête du réalisateur qui se dit : «Hmmm, comment pourrais-je augmenter l’impact de cette scène ? Bon sang ! Mais c’est bien sûr ! On va ajouter UN GARS QUI JOUE DU DRUM !!» (Bon, en fait, pour être honnête avec vous, Castellari avoue sur le DVD que le jour où ils sont arrivés pour tourner la scène, ils ont aperçu ce mec en train de jouer de la batterie et qu’ils ont décidé de l’inclure dans la séquence (Bravo pour l’audace !), mais reste que l’effet demeure, disons, déstabilisant … :-) Sur l'excellent site NANARLAND.com, le film fait l'objet d'une amusante analyse ou l'on dénote un sous-thème possiblement gay (tous ces acteurs moustachus et ces habits de cuir suspects, etc.) et ou l'on s'extasie devant l'absurdité de la scène de "drum", décrite comme " une scène surréaliste, teintée de dadaïsme et complètement kitsch !" Nous sommes donc d'accord : c'est une scène unique en son genre (vous en connaissez d’autres comme ça ?) et cela suffit pour que je classe ce film parmi mes favoris …

Réplique mémorable :

Trash : «This could be a pile of shit out of somebody’s a**hole !»

AU SERVICE DU DIABLE/THE DEVIL'S NIGHTMARE (1971) et L'EURO-TRASH

2011-03-24T18:06:00.000-07:00

Je me dépêche d’écrire cette chronique pour vous parler de ce site fantastique qu’est LA CAVERNE DES INTROUVABLES (voir le blog roll à droite ou ici) que je viens de découvrir et qui permet de télécharger des versions françaises de films cultes ultra-rares (Attention : Les titres disponibles vont et viennent assez rapidement !) On y retrouve de nombreux films cultes faisant partie de la liste des films cultes de Danny Peary (le rarissime DEEP END de Jerzy Skolimowski y a été offert récemment, CISKO PIKE, DARK STAR, …) mais ils se spécialisent surtout dans les films et nanars de série B ou Z, les films Hammer et le cinéma bis des années 60 - 70s du genre LE MONSTRE AUX YEUX VERTS (avec Michel Lemoine), LE CAUCHEMAR DE DRACULA, LA CRÉATURE DES TÉNÈBRES, BATAILLE AU-DELA DES ÉTOILES et autres chefs-d’œuvres psychotroniques. (Pour une joyeuse analyse de ce genre de film, voir l’hilarante chronique LES NANARS DE L’AU-DELÀ de la talentueuse réalisatrice québécoise Izabel Grondin, ici). Pour revenir à LA CAVERNE DES INTROUVABLES, ils ont récemment mis la main sur la version française du film culte AU SERVICE DU DIABLE (THE DEVIL’S NIGHTMARE – 1971) du belge Jean Brismée, un des rares films d’épouvante Euro-Trash qui mérite d’être redécouvert.

Synopsis : Sept touristes sensés représenter les sept péchés capitaux (quoique ce n’est pas toujours évident !) passent la nuit dans le château du baron Von Rhoneberg (Jean Servais), dont la famille est marquée par une malédiction centenaire. Cette nuit là, une superbe et sinistre succube (la voluptueuse Erika Blanc) s’immisce dans le château et tue un par un les invités en fonction du péché qu’ils représentent (à la SEVEN).

AU SERVICE DU DIABLE fait partie de cette vague de films d’horreurs à petits budgets qui furent tournés à profusion en Europe dans les années 60s et 70s et que l’on a affublés du qualificatif d’EURO-TRASH, probablement parce qu’ils se caractérisent par des scénarios bâclés, des scènes de gore et de nudité gratuites et une post-synchronisation aussi nulle que le jeu des acteurs/actrices pataugeant dans ces sous-merdes. Au panthéon des artisans ayant réussi à se faire un semblant de nom dans ce genre cinématograpique on retrouve : le prolifique Jesus Franco (ex-collaborateur de Welles et Resnais comptant 192 titres à son actif sur imbd !!), dont la carrière avait pourtant bien commencé en 1961 avec L’HORRIBLE DR ORLOFF (mettant en vedette Howard Vernon, autre grande figure de l’Euro-Trash) mais qui allait vite sombrer dans des productions amateures mélangeant le XXX et l’horreur (MACISTE CONTRE LA REINE DES AMAZONES (1973) avec Lina Romay, JOURNAL INTIME D’UNE NYMPHOMANE (1971), etc); le réalisateur français Jean Rollin (LA VAMPIRE NUE – 1970 et autres films soporifiques); et les acteurs Michel Lemoine, Soledad Miranda (vedette du célèbre VAMPIROS LESBOS de Jesus Franco) et même Klaus Kinski (vedette en 1971 du film LES INSATISFAITES POUPÉES ÉROTIQUES DU DOCTEUR HITCHCOCK !! – C’était bien avant FITZCARRALDO ! ;-).

Même si AU SERVICE DU DIABLE comprend de nombreux éléments agaçants des films Euro-Trash (gore et nudité gratuites, longueurs, post-synchro pas très au point), le film se distingue par la qualité de la mise en scène (dont plusieurs amusantes trouvailles qui réjouiront les spectateurs attentifs) et son excellente trame sonore (thème principal envoûtant particulièrement mémorable d’Alessandro Alessandroni accompagné de la voix de la chanteuse Giulia, très prisée à l’époque). Les fans de l’Euro-Trash y retrouveront aussi deux figures emblématiques du cinémas Bis : l’hallucinant Daniel Emilfork (casting parfait de cet acteur au physique inquiétant pour le rôle de Satan) et la superbe actrice italienne Erika Blanc, alors au sommet de sa beauté. Contrairement à bien des « jolies starlettes » du cinéma Bis de l’époque (Edwige Fenech, Laura Gemser), Blanc possède un réel talent d’actrice et il faut la voir ici se transformer en horrible succube par le biais d’un maquillage discret (mais efficace) et de contorsions faciales la rendant méconnaissable ! 40 ans plus tard, l’effet demeure saisissant !

Au début du film, pendant que les invités font connaissance autour de la table à dîner, la superbe Erika Blanc fait une première apparition peu remarquée (à 4:27), puis une autre qui l'est un peu plus (à 6:46) :

À la manière du film SEVEN de Fincher, les invités du château meurent un après l’autre selon les sept péchés capitaux … Ici, la gourmandise (à 0:45), l'envie (à 5:42) et la luxure (à 10:00) (Remarquez l’habile changement de couleur de la robe de la succube au moment où tombe la lame de la guillotine (à 10:21) !) :

Thème musical d'AU SERVICE DU DIABLE, composé par Alessandro Alessandroni, fidèle collaborateur d'Ennio Morricone (entre autre sur DANGER DIABOLIK), dont on sent un peu l'influence ici :

Dans les années 70s, AU SERVICE DU DIABLE jouait en version française à la télé québécoise dans une version censurée qui ne comprenait PAS la scène ultra-gratuite de lesbianisme soft core (On peut voir la fin de cette scène au tout début du premier extrait ci-dessus). Les maniaques cinéphiles qui ont envoyé la version française du film sur LA CAVERNE DES INTROUVABLES (ici) sont allés jusqu’à remonter le film afin d’y inclure la fameuse séquence soft core ! La preuve : alors que tout le film est en français, cette scène repiquée ailleurs se déroule EN ANGLAIS !! ;-) Ha ! J’applaudis ce genre de fanatisme cinéphilique qui est à l’origine de ce site formidable qu’est LA CAVERNE DES INTROUVABLES ! Un autre miracle de l’internet … À vous de profiter de cette mine d’or !

P.S. Si vous n'êtes pas fort sur le téléchargement de films, THE DEVIL'S NIGHTMARE est aussi disponible en DVD (version anglaise) sur Amazon.com, ici.

C'EST ARRIVÉ PRÈS DE CHEZ-VOUS (1992)

2011-02-09T19:57:00.001-08:00

Le cinéma belge nous a offert son lot de films cultes au fil des années : BRUSSELS BY NIGHT (1983), TOTO LE HÉROS (1991) et plus récemment le méconnu (au Québec) DIKKENEK (2006) d’Olivier Van Hoofstadt, mais aucun ne m’a autant renversé que l’inoubliable C’EST ARRIVÉ PRÈS DE CHEZ-VOUS (1992) (en anglais MAN BITES DOG) de Rémy Belvaux et André Bonzel.

Synopsis : Une équipe de tournage (Belvaux et Bonzel) suit un tueur en série (inoubliable Benoit Poelvoorde) et l’écoute déblatérer sur sa technique, puis sur l’art, l’amour, les problèmes sociaux, etc.

C’EST ARRIVÉ PRÈS DE CHEZ-VOUS est le genre de film qui repose entièrement sur la performance de l’acteur principal, qui est de tous les plans. Belvaux et Bonzel peuvent donc s’estimer chanceux d’avoir pu compter sur le talent de leur pote Benoit Poelvoorde dont ce fut le premier film et qui, à l’époque, se destinait plutôt à une carrière de graphiste/dessinateur. Le film n’étant à l’origine qu’un court projet de fin d’année pour Belvaux et Bonzel (qui étudiaient alors à l’INSAS – L’Institut national supérieur des arts du spectacle en Belgique), Poelvoorde accepta d’aider ses amis en y jouant le rôle principal. Le résultat fut tellement bon qu’ils décidèrent de tourner des scènes additionnelles afin d’en faire un long métrage qui sera finalement présenté à la semaine de la critique au Festival de Cannes en 1992. Ce fut un succès inespéré, qui lança la carrière d’acteur de Poelvoorde (ASTÉRIX AUX JEUX OLYMPIQUES, COCO AVANT CHANEL ) mais, étrangement, pas celle des réalisateurs (Belvaux se cantonnera dans la pub, puis mourra en 2006; Bonzel deviendra caméraman/photographe).

On devine en regardant le film que la version courte ne comportait probablement que les séquences de meurtre et qu’on y a rajouté toutes les séquences où Benoit présente à l’équipe de tournage les membres de sa famille (joués par les vrais membres de la famille de Poelvoorde, dont sa mère qui n’avait aucune idée que son fils interprétait le rôle d’un tueur en série !!). Bien qu’elles permettent d’approfondir un peu le personnage principal, ces scènes détonnent avec le reste du film (quoique qu’elles augmentent l’effet de choc, puisque les réalisateurs nous font souvent le coup d’un smash cut qui nous fait abruptement passer d’une scène hilarante à une scène horrifiante ! Le spectateur n’a donc aucun répit et s’attend toujours au pire. Très efficace !). Parlant d’horreur, on n’oubliera pas de sitôt les scènes où Benoit tue devant nous une pauvre vieille en lui criant dans les oreilles afin de provoquer chez-elle une crise du cœur (« J’ai vu sur la table ses comprimés pour les gens qui souffrent du coeur, alors je lui ai foutu une trouille bleue, ce qui m'évite de gaspiller une balle ! »), ou celle où, AVEC LA COMPLICITÉ DE L’ÉQUIPE DE TOURNAGE, il tue un couple et leur enfant ! (Belle métaphore ici sur la responsabilité des médias). L’humour dont fait preuve Benoit durant ces séquences pénibles (“Hé, ça te rappelle pas Philippe Noiret dans LE VIEUX FUSIL ?” lance-t-il au caméraman en frappant la tête du père sur un lavabo) est probablement la seule chose qui les rende supportables.

L'art de sauver une balle ...

Sorti en 1992, C’EST ARRIVÉ PRÈS DE CHEZ-VOUS faisait partie de quelques films ultra-violents sortis à cette époque (RESERVOIR DOGS, BENNY'S VIDEO, HENRY PORTRAIT OF A SERIAL KILLER) qui provoquèrent un grand débat médiatique sur les limites de ce qui pouvait être montré à l’écran. Cela peut faire sourire aujourd’hui, quand on regarde où on en est rendu en matière de Torture Porn avec des films comme HOSTEL, le remake récent de I SPIT ON YOUR GRAVE, A L’INTERIEUR, MARTYRS, etc.). C’EST ARRIVÉ PRÈS DE CHEZ-VOUS fut probablement un précurseur de cette tendance, mais aucun de ces films récents ne comporte, à mon avis, un personnage central aussi attachant et mémorable que celui créé par Poelvoorde. Ce mec a une opinion sur tout !

Écoutons le parler ici des logements sociaux : “Les briques rouges, c’est la couleur du sang, c’est la couleur de la violence !”

Ou pontifier au sujet de l’amour … “L’amour traîne une odeur, un peu comme quand tu vas pisser …”

Une pleine tuerie, Ben aperçoit un pigeon, ce qui éveille sa fibre poétique : « Pigeon ! Oiseau à la grise robe, Dans l'enfer des villes À mon regard tu te dérobes, Tu es vraiment le plus agile. »

Et, pour terminer, une petite chanson (à 2:54) que vous ne pourrez plus vous enlever de la tête après l'avoir entendue :

DETOUR (1945)

2011-02-09T09:15:00.001-08:00

" J'ai dû me battre contre l'animal le plus dangereux au monde : une femme ... » Haskell

Un pianiste perdant et pessimiste aux tendances masochistes rencontre une femme fatale manipulatrice et sadique : Combinaison gagnante pour un autre film noir ayant atteint le statut de film culte : DETOUR de Edgar G. Ulmer.

Synopsis : Al Roberts est un pianiste talentueux mais sans grande ambition. Sa fiancée est une chanteuse qui décide d'aller tenter sa chance en Californie. Il la laisse partir puis décide d'aller la rejoindre en se tapant New York - Los Angeles sur le pouce. Il tombe éventuellement sur un bon samaritain nommé Haskell qui le fait monter dans sa voiture pour la dernière partie de son voyage. Ce dernier porte des marques d'égratignures sur sa main . "Ça, dit-il en riant, c'est un souvenir que m'a laissé la dernière auto-stoppeuse que j'ai embarquée !". Soudain, Haskell a un malaise et meurt subitement. Al a alors la mauvaise idée de prendre son identité, de voler sa voiture et, surtout, de faire monter à bord de celle-ci une jeune auto-stoppeuse. Devinez qui ?

Historique : L'univers du Film noir est constamment peuplé de couples mal assortis et immoraux que le destin réunit afin d'accomplir quelque sale besogne vouée à l'échec (On pense a Fred McMurray et Barbara Stanwyck dans DOUBLE INDEMNITY, ou John Dall et Peggy Cummins dans GUN CRAZY) mais on a rarement vu une relation aussi tordue que celle qui s'établit entre les deux protagonistes de DETOUR. Les couples des films susmentionnés ont au moins le mérite d'être mus par une forte attirance sexuelle (tout comme William Hurt et Kathleen Turner dans BODY HEAT), mais dans DETOUR, Al (Tom Neal) et Vera (Ann Savage) se DÉTESTENT dès les premières secondes de leur rencontre ! Ils n'ont AUCUNE chimie (Al refusera même les avances peu subtiles d'une Vera en état d'ébriété). Vera ne voit en Al qu'un paumé pas trop brillant dont elle espère profiter le plus longtemps possible en le faisant chanter, et Al est un faible qui conclut trop rapidement qu'il ne peut rien faire pour se sortir de ce mauvais pas . A l'entendre parler (c'est lui qui narre le film en Flashback), tout ce qui lui arrive est un mauvais coup du destin « qui, à n'importe quel moment, peut vous donner une jambette". Ce personnage pathétique se cache derrière sa philosophie fataliste et pessimiste pour ne pas assumer la responsabilité de la situation dans laquelle il s'est lui-même placé (Quelle idée il a de faire monter une auto-stoppeuse dans une voiture qu'il vient de voler ! Surtout APRES avoir vu les égratignures de Haskell ! ). Bref, il semble presque faire exprès (en bon masochiste auto-destructeur) pour se mettre dans le pétrin, qui arrive dans sa vie sous la forme de Vera, une des femmes fatales les plus sournoises et manipulatrices du film noir américain, superbement interprétée par Ann Savage (décédée l'an dernier, après avoir joué dans MY WINNIPEG du canadien Guy Maddin à l'âge de 86 ans). Quel excellent casting pour ce rôle de harpie !

Même le visage de Savage, lorsque vu de profil, rappelle celui d'un vautour, comme vous le pouvez le voir dans l'extrait ci-dessous (à 33:47 ). Cet extrait Youtube comprend le film AU COMPLET, offert dans une copie d'une stupéfiante clarté :

En fait, dans l'échange à 38:34), les couettes de cheveux de Savage lui donnent presque une allure démoniaque. Et cette façon qu'elle a de dévisager Al et de lui dire : "Shut up !" Le pauvre mec n'a aucune chance ...

Après avoir réalisé un seul film pour un grand studio (l'excellent THE BLACK CAT (1934), Edgar Ulmer choisit par la suite de travailler au sein de studios plus pauvres MAIS lui offrant une totale liberté créatrice. Dans le cas de DETOUR, on ne peut qu'admirer ce qu'il a pu accomplir avec un budget dérisoire et quelques malheureux décors. Comme quoi il suffit souvent d'une bonne histoire bien réalisée et de bons acteurs ...

(Côté réalisation, admirez le plan ci-dessous, débutant vers 3:40 : le travelling avant pour isoler l'acteur, l'eclairage qui change soudainement, le panoramique vers cette tasse de café soudainement devenue GIGANTESQUE (a 4:16) ! Belle façon de jouer avec la perspective ...)

Certains fans de DETOUR sont d'avis que tout le film n'est que le fruit de l'imagination délirante d'un homme coupable de meurtre (thèse valable, puisque l'on n'a droit qu'à SA version des faits). Est-il en train de nous mentir (ou de se mentir à lui-même) pour soulager sa conscience ? Serait-il en fait responsable de la mort de Haskell ? Visionnez le film (disponible au complet sur Youtube) et jugez-en vous-même ...

Anecdote : La vie privée de l'acteur Tom Neal fut encore plus mouvementée que celle de son personnage dans DETOUR. Ex champion de boxe et coureur de jupons, Neal cassa la gueule de l'acteur Franchot Tone et l'envoya a l'hôpital parce que ce dernier s'intéressait à sa copine (la starlet Barbara Payton). Des années plus tard, Neal fut trouvé coupable du meurtre de sa troisième épouse qu'il avait "accidentellement" tuée d'une balle dans la tête. Huit mois après sa sortie de prison, il mourut d'une crise cardiaque.

THE WILD SIDE (1995) - LE CULTE DE DONALD CAMMELL

2011-01-10T18:55:00.000-08:00

L'histoire du cinéma comporte de nombreux récits de conflits entre des réalisateurs voulant s'assurer que leur "vision" soit portée au grand écran sans aucune intervention des producteurs, et des producteurs qui veulent absolument que leur investissement rapporte et que le film soit donc le plus accessible possible pour le grand public.

Exemples célèbres : La version complète du film GREED (1925) d'Eric Von Stroheim durait près de 9 HEURES !! On comprendra que les producteurs en aient fait un remontage durant à peu près deux heures, histoire de rendre le projet plus commercial et abordable pour le grand public (malgré la peine que cela a pu causer à Von Stroheim). De façon moins spectaculaire (mais tout de même un sacrilège selon de nombreux cinéphiles), le film THE MAGNIFICIENT AMBERSONS (1942) de Orson Welles a lui aussi fait l'objet de remaniements (tournage d'une finale plus optimiste, scènes clés remontées).

Certes, les cinéastes en question se sont plaints du traitement réservé à leurs films, mais vous vous direz qu'aucun ne s'est enlevé la vie pour ça, n'est-ce pas ? C'est pourtant ce qui est arrivé au réalisateur Donald Cammell, qui s'est suicidé en 1996 suite (entre autres) à la déception d'avoir vu son film THE WILD SIDE complètement remonté par les producteurs du film de manière à le rendre plus commercial. Sa vision ainsi travestie, Cammell tomba en dépression et se tira une balle dans la tête. (Faut dire qu'à l'époque, la révolution DVD n'avait pas encore eu lieu et que la possibilité de sortir une Director's Cut d'un film n'existait pas).

Synopsis : Alex Lee (Anne Heche) travaille le jour comme comptable dans une banque et le soir comme call-girl à 1500 $ la nuit. Elle tombe un soir sur le criminel Bruno Buckingham (Christopher Walken, plus délirant que jamais) et sa vie ne sera plus jamais la même, surtout qu'elle sera du même coup séduite par la femme de Bruno (Joan Chen) et harcelée par (Steven Bauer), agent du FBI qui cherche à coincer Bruno depuis longtemps ...

Historique : Artiste peintre prodige et membre de la jeunesse londonienne branchée des Swinging Sixties, Donald Crammell est arrivé au cinéma un peu grâce à l'influence de sa famille plutôt bien "connectée" dans le milieu (son père entre autres, Charles Richard Cammell, était un poète et écrivain connu). Il put ainsi adapter son premier scénario (le film culte PERFORMANCE (1970), mettant en vedette Mick Jagger) au cinéma en faisant appel au talent du directeur photo déjà bien établi Nicholas Roeg (qui à l'époque avait déjà travaillé comme directeur photo pour Truffaut (FARENHEIT 451), John Schlesinger et Richard Lester (PETULIA). En fait, Cammell lui-même a insisté pour que Roeg agisse comme caméraman ET comme co-réalisateur du film. Comme le dit Cammell dans l'excellent documentaire ci-dessous (à partir de 5:32): "Comme ça, je pouvais me concentrer sur la direction des comédiens, alors que Nicolas, lui, pouvait se concentrer sur tout l'aspect technique du film".

Au montage, Cammell travailla longuement avec le monteur Anthony Gibbs, qui avait fait le montage nerveux et éclaté de nombreux films de Richard Lester (PETULIA, THE KNACK) et dont le style (coupes rapides, nombreux flashbacks et flash-forwards très prisés à l'époque) allait caractériser les futures réalisations de Cammell et même de Roeg (BAD TIMING, THE MAN WHO FELL TO EARTH, DON'T LOOK NOW). Malheureusement, PERFORMANCE reçut à l'époque un accueil désastreux.

Bande-annonce de PERFORMANCE (1970) :

Cammell ne put réaliser un autre film avant 1977 (l'excellent thriller d'horreur DEMON SEED, dans lequel Julie Christie devient prisonnière de sa propre maison par la faute d'un ordinateur maléfique (!). Ce fut encore une fois un échec commercial (mais le film est devenu film culte lui aussi - Voir la bande annonce ici).

Un peu comme Orson Welles l'avait fait à l'époque en s'associant au producteur de films de série Z Albert Zugsmith pour pouvoir réaliser un film noir de série B "à sa façon" (le superbe TOUCH OF EVIL), Cammell s'associa en 1994 à la boîte de production NU IMAGE (spécialisée dans les films d'action et les thrillers érotiques de série Z distribués directement sur vidéo - Voir les titres ici) pour réaliser lui aussi "à sa façon" un thriller appelé THE WILD SIDE (dont il avait écrit le scénario avec son épouse China Kong). Le problème, c'est que comme on l'avait fait pour le film de Welles, le film THE WILD SIDE a été considérablement remanié par les producteurs afin d'en éliminer tous les éléments jugés trop "créatifs" et compliqués . Comme le raconte le monteur du film Frank Mazzola et China Kong (co-productrice du film qui en a supervisé la reconstruction) dans l'extrait ci-dessous (à partir de 5:22) : « Le producteur nous a ordonnés de ne pas faire de plans trop courts, de prolonger les scènes de sexe, d'arriver à ces scènes plus rapidement, d'éliminer les dialogues trop longs et les scènes d'improvisation de Christopher Walken, d'enlever les flashbacks, etc. »

Bref, NU IMAGE ont voulu faire de THE WILD SIDE un banal thriller érotique, et ils y sont parvenus (dans la version de 1995).

Suite au suicide de Cammell (pas nécessairement causé par cet échec, comme un peut le constater dans le documentaire, mais par l'accumulation d'une suite d'évènements malheureux dans sa vie, dont l'échec d'un projet avec Marlon Brando), son épouse et le monteur Frank Mazzola ont eu l'excellente idée de remonter le film en fonction de la vision de Cammell, ce qui a donné la superbe version the THE WILD SIDE : THE DIRECTOR'S CUT sortie en 2000.

On peut y voir comment Cammell (un peu comme Welles avec TOUCH OF EVIL) utilise les éléments classiques des thrillers érotiques de série Z et les amène beaucoup plus loin : oui, l'intrigue est compliquée, mais elle est tellement bien racontée que l'on s'en fout un peu, oui, il y a des scènes de nudité (la célèbre scène entre Anne Heche et Joan Chen) mais elle ne sont pas du tout gratuites (en fait, les deux longues séquences de séduction qui les précèdent (au restaurant et dans la salle de bain) éliminent tout élément d'exploitation et rendent la scène d'amour tout à fait logique et crédible), et oui, on y met en scène un personnage stéréotypé de mafieux dangereux MAIS il est interprété par le délirant Christopher Walken à qui Cammell a permis de cabotiner comme jamais (peut-être un peu trop, mais qui s'en plaindra !). Il faut voir pour le croire la scène où Walken ordonne à son chauffeur (Steven Bauer) de se pencher et de se laisser prendre par derrière afin de prouver sa loyauté, et tout ça devant le regard amusé de Anne Heche ! (Voir le 2ème extrait ci-dessous)

Scènes clés du film THE WILD SIDE : DIRECTOR'S CUT.

Séquence d'improvisation inoubliable entre Christopher Walken, Anne Heche et Steven Bauer :

Bref, un thriller unique en son genre et à redécouvrir (via le Director's cut) !

En bonus : Excellente trame sonore de Jon Hassell (dans la version 1995) et de Ryuichi Sakamoto (dans la version 2000).

BLOOD FEAST (1963) - LE CULTE D'HERSCHELL GORDON LEWIS

2011-01-03T06:11:00.001-08:00

" I see filmmaking as a business and pity anyone who regards it as an art form." (Pour moi, le cinéma est une façon de faire de l'argent et j'ai pitié de ceux qui s'imaginent que c'est une forme d'art)
Hershell Gordon Lewis

Vous êtes fan de cinéma Gore ? Vous adorez les scènes d'horreur où de pauvres gens sont mutilés et dépecés sous vos yeux pendant de longues minutes (à la LAST HOUSE ON THE LEFT, SAW, FRIDAY THE 13TH, etc) ? Si c'est le cas, vous devez sans doute déjà connaître les films d'Hershell Gordon Lewis, le Godfather of Gore. Si non, cela manque à votre culture ! Courez vite louer (si vous pouvez les trouver) ces classiques du cinéma gore que sont 2000 MANIACS (1964) et BLOOD FEAST (1963).

BLOOD FEAST (1963) : En banlieue de Miami, un traiteur égyptien, affublé du nom très évocateur de Fuad Ramses, tue à la machette plusieurs de ses clientes et les coupe en morceaux. Il se sert ensuite de leurs membres lors de sacrifices sanglants exécutés devant une reproduction de la déesse "égyptienne" Ishtar (qui était en fait Babylonienne, mais bon ... qui se soucie de ce genre de détails ?) Le mec n'étant pas très discret, il éveille éventuellement les soupçons d'un détective qui met pas mal de temps à relier entre eux des indices pourtant bien évidents. L'ordure (on parle du traiteur ici) finira sa triste carrière de façon appropriée : dans un camion à déchets !

2000 MANIACS (1964) : Habile scénario ici avec revirement final digne d'un épisode de TWILIGHT ZONE. Dans un village du Sud des États-Unis, six touristes sont pris en otages et torturés de diverses façons fort ingénieuses dans le cadre des célébrations d'un évènement centenaire dont la nature ne nous sera révélée qu'à la fin du film.

Idole de John Waters, le réalisateur et scénariste Hershell Gordon Lewis était avant toute chose un homme d'affaires qui voyait dans le cinéma une façon amusante de faire de l'argent. Il commença d'ailleurs sa carrière de la même façon que Russ Meyer, c'est-à-dire en tournant des "nudies" (courts métrages pour adultes) dont les plus populaires furent ceux de la série Lucky Pierre. Quand la vogue des films de nudistes se mit à diminuer, il eut la bonne idée d'exploiter un autre genre que personne n'avait encore osé aborder : le cinéma Gore ! Comme il le dit lui-même dans le fascinant commentaire audio qui acompagne le DVD de BLOOD FEAST : " La censure de l'époque s'appliquait à la nudité et aux obscénités de langage, mais rien n'était mentionné au sujet du Gore, alors pourquoi ne pas l'exploiter ?! » Lewis et son fidèle producteur David Friedman réalisèrent donc BLOOD FEAST. Seul hic : contrairement à Russ Meyer, qui était un talentueux caméraman et monteur sachant comment donner du style et du rythme à ses films, Lewis était à cette époque un amateur n'ayant de toute évidence aucune notion de mise en scène ! BLOOD FEAST est donc une suite de séquences plus mal foutues les unes que les autres. Certes, les scènes de gore sont plutôt réussies, mais tout le reste du film est aussi pénible (et à la fois hilarant) à regarder qu'un film de Ed Wood ! On s'esclaffera entre autres devant le jeu des acteurs qui, plus souvent qu'autrement, lisent de façon trop évidente leurs répliques sur des "cue cards", ou en écoutant l'horrible trame sonore du film (orgue électrique joué par Lewis lui-même !), etc. Mais à quoi bon décrire tout cela, quand Youtube nous permet de le VOIR !

Séquence d'ouverture de BLOOD FEAST : Remarquez entre autres la durée du plan montrant le transistor ! A 4:50, on remarquera que l'acteur jouant le detective assis derrière le bureau lit carrément des répliques qu'il a écrites dans la paume de sa main ;) Comme le raconte Lewis sur le commentaire audio : "L'acteur qui devait jouer ce rôle ne s'est pas pointé, alors nous avons demandé à un membre de l'équipe de le remplacer. Comme il n'était pas acteur, nous lui avons dit qu'il n'avait qu'à CRIER ses répliques pour avoir l'air plus convaincant !"

La fameuse scène d'arrachage de langue de BLOOD FEAST. Comme l'a confié à Lewis un propriétaire de salle de cinéma du gettho noir de Englewood à Chicago : "Nous commençons la projection et comme d'habitude les jeunes s'amusent à briser les sièges et à balancer des projectiles sur l'écran. Puis arrive la scène d'arrachage de langue, et c'est le silence total : on ne voit plus dans la salle qu'une multitude de yeux blancs exhorbités !! "

Il y a étonnamment peu d'extraits de BLOOD FEAST sur Youtube, mais en voici un assez particulier (ci-dessous): une critique du film en hollandais qui s'attarde sur certains des aspects les plus loufoques du film (y compris ma scène favorite, à 3:25 : celle où le copain d'une des victimes, en état de choc, explique aux policiers l'horreur dont il a été témoin. Si certains des acteurs du film n'en font pas assez, on ne peut pas dire que ce soit le cas de ce mec dont la performance hystérique est un véritable morceau d'anthologie ! )

Lewis semble avoir appris de ses erreurs, car le film qu'il tourna ensuite, 2000 MANIACS, est beaucoup mieux fignolé sur le plan technique. L'acteur principal du film, Jeffrey Allen, offre entre autres une performance tout à fait correcte dans le rôle du maire de la ville. Contrairement à BLOOD FEAST, Lewis réussit ici à créer un réel suspense et on n'est pas près d'oublier ces images d'une foule de red necks riant à gorge déployée tandis qu'ils font subir les pires outrages à leurs innocentes victimes : descente en baril clouté, écartèlement à l'aide de chevaux, mutilation à coups de hache, etc. que l'on peut voir dans l'extrait ci-dessous, au son de l'excellente chanson thème du film, composée ET INTERPRÉTÉE par Lewis lui-même !! (pour sauver de l'argent, comme il le dit toujours ;)

Contre toute attente, les films de Lewis connurent un ÉNORME succès commercial et rapportèrent tellement d'argent que Lewis put en réaliser plusieurs autres, les meilleurs étant COLOUR ME BLOOD RED (1965) et THE GORE GORE GIRLS (1972).

Le cinéma de Lewis fait lui-même l'objet d'un culte (qui s'explique en partie du fait que ces films ont longtemps été impossibles à trouver. Un excellent coffret de ses trois premiers films vient enfin de sortir ici ) Chaque film est accompagné de commentaires audio fascinants et très instructifs de Lewis et son ex-collègue David Friedman.

Le cinéaste d'Ottawa Lee Demarbre, grand fan de Lewis et lui-même réalisateur de films gore (JESUS CHRIST VAMPIRE HUNTER (2001)) a rendu un vibrant hommage à Hershell Gordon Lewis en 2009 en réalisant SMASH CUT, dont l'intrigue est fortement inspirée du film GORE GORE GIRLS de Lewis. Demarbre nous fait le cadeau d'un casting de rêve qui comprend l'actrice porno Sasha Grey (qui jouait dans le GIRLFRIEND EXPERIENCE de Steven Soderbergh), David Hess (qui jouait l'un des tueurs dans la version 1973 de LAST HOUSE ON THE LEFT), Ray Sager (qui jouait le rôle titre dans le film WIZARD OF GORE de HG Lewis (1970) et une apparition caméo de Lewis lui-même (!!) dans le rôle d'un producteur de télévision (à 0:55, dans la bande-annonce de SMASH CUT, ci-dessous) !!

Toujours très actif à l'âge de 81 ans, Herschell Gordon Lewis, homme érudit qui détient une maîtrise en journalisme et qui a déjà été professeur de littérature avant de se lancer dans le cinéma d'exploitation et, par la suite, en marketing, est aujourd'hui un conférencier très en demande et l'idole de toute une nouvelle génération de cinéphiles qui découvrent ses "chefs-d'oeuvres" du cinéma gore qui avaient bien failli sombrer dans l'oubli ...

Lewis chante ici la chanson thème de 2000 MANIACS dans cette version interprétée par le groupe AMAZING PINK HOLES de Cleveland :

Entrevue avec Herschell Gordon Lewis :

LE MARTIEN DE NOEL (1971)

2010-12-13T04:20:00.000-08:00

C'est la saison des fêtes, synonyme du retour à la télé des sempiternels grands classiques de Noël qui peuvent être drôles (Le sapin a des boules) ou moins drôles (The Santa Clause). Les livres CULT MOVIES mentionnent quelques films de Noël qui, avec le temps, sont devenus des films cultes, comme les classiques It’s a Wonderful Life (1946 avec James Stewart) et Miracle on 34th street (avec Nathalie Wood), ou le moins connu mais excellent A Christmas Story (1983, de Bob Clark) et le très psychotronique Santa Claus conquers the Martians (1964 avec Pia Zadora). Dans le genre, le Québec n’est pas en reste car en 1971, des années avant que Rock Demers ne produise son premier «Contes pour tous» (La Guerre des Tuques en 1984), il nous offrait, en collaboration avec Roch Carrier, l’excellent conte pour enfant LE MARTIEN DE NOËL réalisé par Bernard Gosselin et mettant en vedette Paul Hébert, Paul Berval, Guy L’Écuyer et Marcel Sabourin dans le rôle du martien.

Synopsis : Dans le village de Ste-Melanie, pres de Joliette, deux enfants découvrent une soucoupe volante habitée par un mystérieux martien qui devient vite leur ami, avant de retourner chez lui.

Points forts : Ce film est un peu l’ancêtre du E.T. de Spielberg et on y retrouve des similarités étonnantes : dans les deux cas, les enfants sont longtemps les seuls à connaître l'existence du martien et évitent d’en parler aux adultes; dans le film de Spielberg, E.T. bouffait des Reeses’s Pieces, alors qu’ici, le martien bouffe des Smarties et en offre aux enfants jusqu’à ce qu’ils en soient littéralement recouverts (voir l'extrait ci-dessous) ! ... et je trouve que la séquence où un des enfants frotte une allumette géante qui, une fois allumée, la transporte dans le ciel constitue un moment aussi réussi que la séquence de la bicyclette qui s’envole avec les enfants dans E.T. (voir extraits YOUTUBE ci-dessous).

Le martien de Noel (V.F.)

Autres aspect intéressants : Apparition caméo de Reine Malo en annonceuse radio au tout début du film ! Étonnant de voir aussi des scènes ou des enfants d'à peine 12 ans volent un ski-doo qui ne leur appartient pas !! (Mais, bon, c'est pour une bonne cause !)

Réplique mémorable : Guy L'Ecuyer racontant ce qu'il a vu la veille : "J'ai vu un oeuf gros comme un avion se poser dans le village ! Pis la poule qui l'a pondu entre pas dans mon poulailler !"

THE ROCKY HORROR PICTURE SHOW (1975)

2010-10-27T19:38:00.000-07:00

"It started out as an affectionate hommage to late-night movies on TV, and ended up being an affectionately embraced late-night movie "…” (Le film était un hommage affectueux aux films présentés tard le soir à la télé, et il est lui-même devenu un film présenté tard le soir au cinéma et adoré des fans …) Jim Sharman, réalisateur du ROCKY HORROR PICTURE SHOW.

Comme l’Halloween nous tombe dessus dimanche soir prochain, comment un site consacré aux films cultes pourrait ne pas parler du ROCKY HORROR PICTURE SHOW, film culte historique qui a révolutionné le genre en donnant naissance au phénomène de participation de la foule lors de la projection d’un film …

Synopsis : Un couple de nouveaux mariés des plus coincés, Brad (Barry Bostwick) et Janet (Susan Sarandon) ont une panne de voiture un soir d’orage. Ils doivent marcher longuement pour trouver de l’aide et tombent sur le château du Dr Frank N’ Furter, l'auto-proclamé “Sweet Transvestite” de la Transylvanie transsexuelle (Tim Curry dans le rôle qui l’a rendu célèbre). Le hasard a voulu qu’ils arrivent au château alors que s’y déroule la convention Transylvanienne annuelle ! Commence alors une nuit mouvementée faite de numéros musicaux délirants, de chassés-croisés amoureux et de sexe débridé menant à une finale explosive et inattendue digne d’un de ces films de science-fiction de série B auxquels le film rend un vibrant hommage (La chanson du générique d’ouverture (Science-Fiction Double Feature) mentionne des titres mémorables de films de série B cultes comme The Day the Earth Stood Still, Tarantula, Day of the Triffids, King Kong, When Worlds Collide, Forbidden Planet, etc. Voir extrait ci-dessous)

Le ROCKY HORROR PICTURE SHOW a connu plusieurs incarnations : ce fut d’abord une comédie musicale écrite par le néo-zélandais Richard O’Brien (qui joue le bossu Riff Raff dans le film) et mise en scène par l’australien Jim Sharman. La première performance de la pièce a eu lieu en juin 1973 à Londres et ce fut un tel succès qu’un producteur américain, Lou Adler, réussit à convaincre la troupe de venir se produire à Los Angeles. Encore là, succès pendant 10 mois ! L’étape suivante était inévitable : présenter la pièce à Broadway. Mais surprise, c’est un flop désastreux ! Il semble que les New Yorkais trouvaient que le Rocky Horror Show faisait trop L.A. à leur goût … Entretemps, le metteur en scène Jim Sharman avait déjà tourné la version filmée de sa pièce (en insistant pour garder les comédiens principaux). On décide alors de présenter le film en salles malgré l’échec sur Broadway.

Le ROCKY HORROR PICTURE SHOW prend donc l’affiche le 26 septembre 1975 au fameux Waverley Theater de Greenwich Village et là, une chose curieuse se produit : le film n’attire pas les foules MAIS un groupe de fans se présente à CHACUNE des projections, en amenant à chaque fois des amis qui deviennent vite des convertis ! Lentement mais sûrement, les groupies se rencontrent au Waverley pour visionner le film et, à force de le voir si souvent, se mettent même à en répéter les répliques à l’unisson ! Bientôt, ils viennent voir le film déguisés comme leurs personnages favoris et se mettent à danser dans la salle et/ou sur la scène lorsqu’arrive le moment tant attendu de la danse du Time Warp ! Les propriétaires du Waverley sentent qu’ils tiennent quelque chose. Eux qui avaient déjà lancé le phénomène des Films de minuit en présentant à cette heure tardive des films cultes indépendants comme PINK FLAMINGOES, EL TOPO et NIGHT OF THE LIVING DEAD décident de programmer le ROCKY HORROR PICTURE SHOW à minuit à TOUS les soirs (ROCKY HORROR fut ainsi le premier film produit par un grand studio hollywoodien à devenir un Midnight Movie) . Malgré cette heure tardive, les fans font la file devant le Waverley ! Ca y est, le culte du ROCKY HORROR PICTURE SHOW est né !

Let's do the Time Warp again ! (Instructions données par Charles Gray) :

Cette année là, le film fait 3 millions de dollars en recettes et il reste 95 semaines à l'affiche au Waverley (un record !). À la fin des années 70s, la 20 Century Fox avait 200 copies du film en circulation partout aux États-Unis, rapportant 100 000 $ par semaine (plus de 5 millions $ par année, pour un total de 139 millions depuis sa sortie !). Du jamais vu pour un film à si petit budget (à peine un million) … Au fil des années, le phénomène a pris une ampleur internationale : des Newsletters et des fans club du ROCKY HORROR PICTURE SHOW ont été crées, des conventions de fans ont lieu un peu partout et le film fait maintenant partie des évènements traditionnellement associés à la soirée de l’Halloween.

La preuve : le ROCKY HORROR PICTURE SHOW a été présenté encore une fois cette année à l'Halloween au cinéma Rialto à Montréal (5723 avenue du parc) (voir détails ici ) et au cinéma Mayfair d’Ottawa.

Avis aux non initiés : ne vous habillez pas trop chic, vous risquez de vous faire passablement mouiller (ou pire encore !)

Vous apportez quoi ?
Du riz (pour la scène du mariage du début)
Pistolet à eau (pour la scène de la marche dans la pluie)
Briquet (pour la même scène et la chanson « There’s a light”)
Une toast rotie (que vous lancerez dans les airs lorsque Tim Curry propose un Toast (get it ? )
Un rouleau de papier de toilette (lorsque Brad crie :" Great Scott !")
(Autres conseils pour une soirée réussie ici)

Sweet transvestite from transsexual Transylvania :

Les cinéphiles s’amuseront à reconnaître tout le long du film les nombreuses références à des classiques du cinéma d’horreur (Frankenstein, bien sûr, mais aussi NIGHT OF THE HUNTER (les mots LOVE et HATE tatoués sur les jointures de Meat Loaf), BRIDE OF FRANKENSTEIN (les cheveux de Magenta), etc. et de nombreuses allusions à des grands studios hollywoodiens (ex : la tour métallique est une référence au logo des studios RKO, un des personnages féminins s’appelle Columbia et porte les cheveux courts tout comme la femme du logo des studios Columbia, etc)

Anecdote : Mon baptème personnel du film ROCKY HORROR s’est fait au défunt cinéma Séville à Montréal au début des années 80. Habitant à Québec, j’avais dû me rendre à Montréal car à cette époque, le film n’était JAMAIS présenté dans la vieille capitale (Un film présenté EN ANGLAIS à QUÉBEC dans les années 80s ??! Sacrilège ! ;-). Mais en 1987, j’ai eu la « chance » d’assister à la seule et unique projection du film au défunt cinéma Cartier de Québec. Le cinéma allait bientôt fermer ses portes et avait décidé de présenter exceptionnellement une version sous-titrée en français du ROCKY HORROR PICTURE SHOW lors de ses deux dernières soirées. Le premier soir, tout s’est bien déroulé : un petit groupe d’initiés a dansé et réagi aux moments propices et la majorité des spectateurs, enthousiastes mais ne connaissant pas trop le rituel associé au film, se promettait de revenir le lendemain. J’y retourne donc le lendemain accompagné d’une fille à qui j'avais conseillé de ne pas porter de vêtement chic (recommandation non suivie, malheureusement pour elle) et surprise : la file ce soir là est bizarrement remplie d’individus louches qui apparemment ont entendu parler du phénomène et se sont pointés avec tout ce qu’il faut pour faire de la casse !! Y a même un mec armé d’un chalumeau ! On rentre donc à reculons, on s’installe au balcon et avant même que le film commence on se fait garrocher des œufs (non cuits !). Cinq minutes plus tard, on est déjà tout dégoulinants de substances suspectes. Finalement le film commence et des crétins près de nous se mettent à remplir des CHAUDIÈRES d’eau et à garrocher le tout sur les spectateurs du dessous (chaudière y compris) ! D’autres se mettent à arracher des sièges ! Complètement dépassée par la tournure des évènements, la direction cesse la projection du film après seulement 20 minutes, rallume les lumières et demande à tout le monde de partir ! " GREAT SCOTT " !! Le cinéma Cartier n'aurait pas pu rêver d'un meilleur enterrement ...

L'EAU CHAUDE, L'EAU FRETTE (1976)

2010-10-22T05:52:00.000-07:00

André Forcier pris sur le vif lors du tournage du film LE VENT DU WYOMING (1994 - avec ici le directeur photo Georges Dufaux).

Surprise cette semaine : mon “sitemeter” (indicateur du nombre et de la provenance des visiteurs sur ce blogue), que je n’avais pas consulté depuis longtemps, m’apprend que ce blogue est maintenant majoritairement visité par des cinéphiles de la France (4 fois plus nombreux que les lecteurs du Québec, d'où il est pourtant rédigé !). Viennent ensuite les lecteurs du Québec, puis ceux de la Belgique (ce qui me rappelle qu’il faudrait bien que je parle un jour de l’excellent film culte belge C’EST ARRIVÉ PRÈS DE CHEZ-VOUS !). Autre fait surprenant : les articles les plus visités sont ceux consacrés au film culte québécois LA POMME, LA QUEUE ET LES PEPINS (sans doute parce que c’est un film pratiquement impossible à trouver, même au Québec), au film KISS ME DEADLY (hmmm ? Amateurs de Nouvelle Vague ?) et, en première position, l'article sur la série L’ODYSSÉE (Alors la vraiment je suis bouche bée ! Pourquoi tant d’intérêt pour cette série obscure ?). Intéressant tout ca ! Ca permet de réajuster le tir …

J'en profite donc pour parler cette semaine d'un réalisateur québécois culte, André Forcier, dont les films ont presque tous atteint le statut de films cultes au Québec mais ont peu circulé en France (moins, en tout cas, que ceux d'un Denys Arcand ou d'un Xavier Dolan). Lors de son récent passage à l'émission TOUT LE MONDE EN PARLE, le journaliste Louis-Bernard Robitaille, auteur du livre La conquête de Paris : la saga des artistes québécois en France, a comparé André Forcier à un Fellini ou un Kusturica, déclarant que les films de Forcier ne marchaient pas en France en raison de la langue qui y était parlée (joual québécois), précisant que les versions traduites ou sous-titrées de ses films avaient très bien marché dans des pays comme l'Allemagne ou l'Argentine.

Je me ferai plaisir en choisissant le film de Forcier que j'aime le plus, c'est-à-dire L'EAU CHAUDE, L'EAU FRETTE sorti en 1976.

Synopsis : C'est l'anniversaire de Polo (Jean Lapointe), propriétaire véreux d'un édifice à logements coin Rachel et St-Denis à Montréal. Polo fait de l'argent en louant des chambres à une panoplie de paumés de la pire espèce (la vieille Mlle Vanasse (Anne-Marie Ducharme) qui cherche à séduire le vieux M. Croteau (Albert Payette) en charge d'organiser la fête de Polo, la belle Carmen (Sophie Clément) qui habite avec sa jeune fille Francine (Louise Gagnon) malade du coeur et très délurée..., etc.). Polo fait aussi du prêt usurier auprès de désespérés dont il profite sans scrupules. S'ajoutent à cette faune bigarrée Ti-Guy (Rejean Audet), jeune délinquant et copain de Francine et surtout Julien le livreur (excellent Jean-Pierre Bergeron), amoureux transi de Carmen mais trop timide pour le lui déclarer. Incapable de voir Carmen s'attacher de plus en plus à Polo, Julien prépare une vengeance qu'il compte assouvir le soir de l'anniversaire de ce dernier ...

Si je préfère L'EAU CHAUDE L'EAU FRETTE aux autres films de Forcier, c'est probablement parce qu'il est plus ancré dans la réalité que tous ses autres films auxquels on a souvent reproché leur côté trop "surréaliste" (AU CLAIR DE LA LUNE), ou trop peuplé de personnages tellement déjantés et excentriques qu'ils rendent difficile toute identification de la part du spectateur (ex : LA COMTESSE DE BATON ROUGE, LE VENT DU WYOMING). L'EAU CHAUDE L'EAU FRETTE, au contraire, nous plonge de façon souvent très crue dans la triste réalité de personnages misérables et criant de vérité qui tentent tant bien que mal de trouver le bonheur malgré les épreuves que la vie leur a balancé (le handicap de Francine) et les limites imposées par leur condition sociale (Carmen, sans le sou, est réduite par Polo à payer son loyer "en nature »).

Bizarrement, le film de Forcier me rappelle un peu le film AFFREUX SALES ET MÉCHANTS d'Ettore Scola (sorti la même année) puisqu'on trace dans les deux cas le portrait d'une famille (réelle dans le film de Scola, composée de locataires dans celui de Forcier) où tout gravite autour du personnage qui détient le pouvoir suprême, c'est-à-dire l'argent (argent caché et que l'on essaie maladivement de trouver dans le film de Scola ou argent que l'on doit emprunter ou remettre à Polo dans le film de Forcier). Or là où Scola traçait un portrait dégradant de personnages sans scrupules et prêts à tout pour mettre la main sur de l'argent (même à tuer leur père !), Forcier, lui, met en scène des personnages qui, bien que misérables, n'en perdent pas pour autant leur humanité et parviennent à s'accrocher à des moments de bonheur passager qui suffiront, un temps, à les réconforter : Julien le livreur qui réussit enfin à convaincre Carmen à faire un tour avec lui sur son sidecar, M. Croteau qui, durant la fête, s'entête à réciter des poèmes devant un public hostile (- Mes amis, mes amis ! - On n'est pas tes amis ! ), la vieille dame (Mlle Vanasse) qui tente désespérément de séduire M. Croteau (- Croyez-vous que je devrais me donner à lui ?) et Francoise, la propriétaire du Snack Bar, qui bouffe constamment les chocolats qu'elle vend et qui, après la fête, remplit sa sacoche avec les restes de bouffe et part avec la tête de cochon sous le bras !! (voir extrait ci-dessous). Chacun trouve son bonheur là ou il le peut …

Forcier injecte une bonne dose d’humour au film (il faut voir Julien utiliser le pacemaker de Francine pour "booster" le moteur de son sidecar !) et fait une courte apparition caméo en client du snack bar accompagné de Carole Laure. On appréciera aussi la scène suivante durant laquelle Francine s'enferme dans une chambre et ou chacun des personnages essaie à sa facon de la convaincre de sortir :

Côté mise en scène, Forcier nous offre entre autres un plan-séquence audacieux et cru digne de Jean-Claude Lauzon (LEOLO) ou de Robin Aubert (A L'ORIGINE D'UN CRI), durant lequel Julien se branle en pensant à Carmen tandis que près de lui, Ti-Guy et Francine (qui ont à peine 14 ans) font l'amour sur des poches de patates !!

Du grand Forcier …

P.S. Et en bonus, on peut apercevoir durant la scène de la fête de Polo la future chroniqueuse artistique Francine Grimaldi (!) qui reprend un peu le rôle de fille facile qu'elle interprétait dans LA POMME, LA QUEUE ET LES PEPINS ....

BONUS : Images prises sur le vif du tournage du film LE VENT DU WYOMING par l'auteur de ce blogue qui est tombé par hasard sur Forcier et son équipe à l'oeuvre près de la rue Peel à Montréal (Hiver 1994). Forcier (au centre, avec tuque et écouteurs) tentait avec humour de contrôler le chaos inhérent à un tournage extérieur et sa bonne humeur était contagieuse.

THE SILENT PARTNER (1978)

2010-09-23T08:57:00.000-07:00

En 2007, Lions Gate a fait plaisir à de nombreux cinéphiles en offrant ENFIN en DVD une version potable du film canadien THE SILENT PARTNER, thriller culte des années 70s dont le scénario fort habile (gracieuseté de Curtis Hanson, alors à ses débuts, qui adapte ici un roman danois de Anders Bodelsen) n'est pas sans rappeler le CHARLEY VARRICK de Don Siegel (ici).

Synopsis : Miles Cullen (Elliot Gould) est un employé de banque timide et célibataire dont la vie routinière aurait besoin d'une bonne dose d'adrénaline. Cette dose lui tombe du ciel sous la forme de Harry Reikle, (Christopher Plummer, dans un contre emploi étonnant), voleur particulièrement sadique qui braque sa banque et réussit à prendre la fuite avec $ 2 000 dollars. Le hic, c'est que les journaux parlent le lendemain d'un vol de plus de $ 50 000 dollars ! C'est que Miles avait prévu le coup et s'est arrangé pour que la plus grande partie du magot "volé" se retrouve en fait dans un coffre bancaire personnel dont lui seul possède la clef ! Plan ingénieux et apparemment sans failles, si ce n'était de l'entêtement de Reikle qui est prêt à tout pour mettre la main sur l'argent qui lui a été si habilement subtilisé par Miles. Commence alors un dangereux jeu de chat et de souris entre les deux "partenaires", Miles se révélant un adversaire aussi redoutable que Reikle ...

Sur la couverture des livres CULT MOVIES de Danny Peary, ce dernier décrit les films cultes à l'aide de quatre qualificatifs : THE CLASSICS (les classiques), THE SLEEPERS (les films qui sont passés inaperçus), THE WEIRD (les films étranges) et THE WONDERFUL (les films merveilleux). Je crois qu'aucun film ne définit mieux le concept de "sleeper film" que THE SILENT PARTNER, film canadien qui, à sa sortie en 1978, est passé complètement inaperçu (malgré d'excellentes critiques, dont celle de Roger Ebert, ici) mais qui, au fil des années, a tranquillement trouvé son public (voir tous les commentaires élogieux sur le site imbd).

Pas surprenant, remarquez, puisque le film bénéficie d'un scénario bien ficelé qui ne comprend pas d'incohérences flagrantes, ce qui est trop souvent le cas dans ces "thrillers" modernes trop axés sur l'action et la surenchère d'effets spéciaux au détriment de la logique. Dans THE SILENT PARTNER, tout se tient et les personnages agissent probablement de la même façon que le ferait le spectateur moyen. L'effet est accru du fait que le protagoniste principal (Elliot Gould) est un Monsieur-tout-le-monde anonyme avec lequel il est facile de s'identifier et qui se retrouve tout d'un coup impliqué dans des évènements extraordinaires dont il parvient ingénieusement à tirer profit. (Intéressant débat moral et éthique ici, puisqu'on se retrouve à vouloir le voir triompher alors qu'il est en fait lui-même un voleur (comme dans CHARLEY VARRICK) ! Ce genre de personnage à la morale "élastique" reviendra souvent dans les autres films de Curtis Hanson (L.A. CONFIDENTIAL, BAD INFLUENCE, etc..).

Autres éléments intéressants : le film ayant été financé par le programme de crédits d'impôt canadien, on y retrouve des éléments typiquement canadiens qui peuvent faire sourire aujourd'hui (tournage principalement effectué au Centre Eaton de Toronto, drapeau canadien visible dans plusieurs séquences, excellente trame sonore du jazzman canadien Oscar Peterson (!), et présence dans les rôles secondaires d'un très jeune John Candy (rôle presque muet) et de la superbe actrice québécoise Céline Lomez dont le personnage connaît une fin particulièrement atroce (voir extrait ci-dessous).

Le succès du film repose essentiellement sur le duel d'acteur Gould/Plummer, les deux offrant des performances inoubliables, Gould étant moins maniéré qu'à l'habitude et Plummer composant un personnage de psychopathe tout à fait crédible et terrifiant. On appréciera entre autres la scène où Plummer, dont on n'aperçoit que les yeux à travers la fente de la porte de l'appartement de Gould, prévient ce dernier qu'il ne reculera devant rien pour atteindre son objectif.

Tout apprenti scénariste pourrait tirer des leçons de ce film sur la façon de créer des personnages secondaires intéressants : le personnage joué par Susannah York, entre autres, en est un bel exemple. Elle n'apporte rien au développement de l'intrigue (sinon qu'un "love interest" vite oublié dès qu'apparaît le personnage de Céline Lomez) MAIS Hanson en fait quand même un personnage crédible de dépendante affective complètement paumée qui couche avec son patron marié tout en démontrant un intérêt marqué pour le mystérieux Miles. Ce dernier, à mesure qu'il déjoue les pièges de Plummer, devient de moins en moins timide et de plus en plus audacieux, son personnage faisant ainsi montre d'une réelle évolution psychologique tout le long du film. Le film est rempli de moments qui n'avancent nullement l'intrigue mais qui mettent à jour des aspects amusants de certains personnages (voir la scène du mariage de John Candy avec la voluptueuse blonde nouvellement engagée à la banque. Il faut voir le regard complice que s'échangent alors Gould et un autre employé de la banque que Gould a surpris plus tôt en train de s'envoyer la future mariée !! Trop drôle !)

Bref, un film remarquable à tous points de vue, plein de revirements inattendus et que l'on peut maintenant redécouvrir en DVD (malgré une pochette plutôt mal foutue qui n'a rien à voir avec le film et sur laquelle on retrouve une grossière erreur ! (Ils ont écrit Suzanne York au lieu de Suzannah York !! Faut le faire quand même ! Voir pochette ici).

Avertissement : bizarrement, le film comporte une scène gore qui détonne complètement avec le reste du film et qui risque de choquer certaines âmes sensibles (voir ci-dessous la scène où Christopher Plummer tue Céline Lomez d'une façon horrible MAIS, il faut bien l'avouer, très originale !) Excusez pour la mauvaise qualité de l'image, mais comme je n'ai pu trouver aucun extrait du film sur l'internet, j'ai dû fouiller dans mon vieux stock de cassettes VHS pour retrouver cette vieille copie égratignée présentée jadis au MIDNIGHT MOVIE de CFCF-12 !

TWO-LANE BLACKTOP/THE VANISHING POINT (1971)

2010-09-02T21:35:00.001-07:00

" If I'm not grounded pretty soon, I'm gonna go into orbit ..." Warren Oates dans TWO-LANE BLACKTOP

De nombreux films cultes le deviennent en raison du mystère/légendes urbaines qui circulent à leur sujet (ex : Dans quelle mesure les scènes de torture et de viol du film CANNIBAL HOLOCAUST sont-elles truquées, tellement elles semblent vraies ? Comment David Lynch a-t-il réalisé les effets spéciaux du bébé-monstre de ERASERHEAD (secret qu’il n’a encore jamais dévoilé) ? La pègre a-t-elle vraiment financé des films cultes hyper lucratifs comme DEEP THROAT et THE TEXAS CHAINSAW MASSACRE ? (Réponse : OUI !) etc.).

D’autres le deviennent parce qu’ils sortent en salles à un moment formidablement opportun et que toute une génération de spectateurs s’identifient allègrement aux personnages principaux (on pense tout de suite à EASY RIDER ou à THE GRADUATE, à la fois films cultes ET grands succès commerciaux de la fin des années 60). Dans la même veine et à la même époque, on retrouve aussi ces deux films cultes existentialistes moins connus que sont VANISHING POINT (1971) (v.f. POINT LIMITE ZERO) et TWO-LANE BLACKTOP (1971) (v.f. MACADAM A DEUX VOIES), véritables hommages au culte que vouent les américains à l’automobile.

Synopsis : Dans VANISHING POINT, un vétéran du Vietnam appelé Kowalski (Barry Newman) décide sur un coup de tête qu'il va conduire sa Dodge Challenger 1970 de Denver à San Francisco en un temps record, faisant fi des lois et de la police qui est vite à ses trousses. Sur la route, il rencontre divers représentants de la contre-culture hippie de l'époque qui, d'une manière ou d'une autre, lui viennent en aide, le tout au son d'une excellente trame sonore des années 70s. TWO-LANE BLACKTOP est un film à l'image de ses deux protagonistes : peu bavard et dénué d'émotion. En fait, on pousse la symbolique existentialiste jusqu'à ne pas donner de noms aux personnages principaux ! Ainsi, le Conducteur (le chanteur James Taylor) et le Mécanicien (Dennis Wilson, ex-batteur des Beach Boys) ne vivent que pour rafistoler leur Chevrolet 55 et participer à des courses de hot-rods. Sur la route, ils rencontrent l'excentrique et verbomoteur Warren Oates au volant de sa GTO. Ce dernier leur propose une course à laquelle ils participent sans grand enthousiaste, jusqu'à ce qu'ils y perdent tout intérêt et qu'ils retournent à leur seule et véritable passion : les courses de hot-rods.

Points forts : VANISHING POINT possède quelque chose qui fait terriblement défaut à TWO-LANE BLACKTOP, soit une trame sonore entraînante faite de grands succès de l'époque (on les retrouve presque tous sur YOUTUBE). Et puis il est beaucoup plus facile de s'identifier au sympathique rebelle qu’est le Kowalski de VANISHING POINT qu'aux deux anonymes protagonistes de TWO-LANE BLACKTOP qui vivent dans leur bulle et se foutent complètement des gens qu'ils rencontrent sur la route (dont une jeune hippie (la Fille) qui entre et sort de leur voiture au gré de ses humeurs et à laquelle ils ne prêtent aucune attention). Je comprends que le réalisateur Monty Hellman cherchait à illustrer le vide existentiel de ces deux fous de la vitesse, mais si ce n'était de la vibrante performance de Warren Oates en conducteur complètement déjanté, ce film serait d'un ennui Antonioniesque (à moins d'être un fou des bagnoles, ce que je ne suis pas ...). Dommage que le réalisateur ait choisi au montage de retirer les scènes qui nous en apprenaient plus sur les motivations des personnages (comme il l'avoue dans le commentaire qui accompagne le film). La version CRITERION du film offre un livret comportant l'excellent scénario original complet qui nous donne une meilleure idée de ce que ce film aurait pu être ...

Films cultes (pour moi) parce qu' ils sont des exemples de films aux scénarios minimalistes comme on n'en fait plus aujourd'hui, vestiges d'une autre époque où on pouvait tourner, avec peu de moyens et un scénario approximatif, un Road Movie de qualité. VANISHING POINT bénéficie entre autres du travail du talentueux directeur photo John A. Alonzo, dont les superbes images donnent carrément le goût d'aller se perdre en voiture sur les routes désertiques du Névada. Et, malgré ses défauts, TWO-LANE BLACKTOP comporte une des finales les plus hallucinantes (pour ne pas dire complètement pétée et psychédélique) qui soit, donnant tout son sens à ce qu'on appelait à l'époque un HEAD Movie, soit un film à voir sous l'effet de substances illicites ... (voir extrait ci-dessous). Et puis il y a la performance exceptionnelle de Warren Oates, qui porte le film sur ses épaules ... « Those satisfactions are permanent ! »

Citation : TWOLANE BLACKTOP : Warren Oates, exprimant sa quête existentielle comme lui seul peut le faire :
« If I'm not grounded pretty soon, I'm gonna go into orbit ! »
(Si je ne me pose pas quelque part bientôt, je vais partir en orbite !)

Une des nombreuses pieces musicales de VANISHING POINT disponible sur YOUTUBE :

Warren Oates (TWO-LANE BLACKTOP) : " Just colour me gone, Baby !" (3:44)

Finale psychedelique de TWO-LANE BLACKTOP (vers 3:12): "Those satisfactions are permanent ..."

SECONDS (1966)

2010-07-27T21:16:00.000-07:00

Recommencer votre vie à zéro, dans un environnement différent, dans un CORPS différent (comme celui de Rock Hudson, par exemple), ça vous dirait ? Et que seriez-vous prêt à sacrifier pour cette seconde chance ? C’est le genre de question que pose le film culte SECONDS de John Frankenheimer.

Synopsis : Arthur Hamilton (John Randolph) est un banquier de 50 ans qui semble tout avoir pour être heureux : belle situation, demeure cossue, épouse attentionnée, fille bien mariée, etc. Mais les premières images du film nous le montre pourtant triste, déprimé et incapable de faire l’amour avec sa femme tellement leur relation est devenue routinière. C’est pourquoi il ne peut résister à l’offre qui lui est faite par " la Compagnie ", une organisation qui, moyennant une forte somme d’argent, propose à Arthur de simuler sa propre mort (via un incendie rendant son "cadavre" méconnaissable) pour le faire renaître (via la chirurgie plastique) à une toute nouvelle vie et dans un nouveau corps (Rock Hudson). Mais pourra-t-il enfin trouver le bonheur ?

Points forts : Il faut reconnaître le courage de Frankenheimer d’avoir osé porter à l’écran un récit si déprimant et peu commercial, et de l’avoir fait de façon aussi captivante. Le ton est donné dès le générique d’ouverture : partition musicale d’épouvante (à l’orgue d’église) de Jerry Goldsmith, images distortionnées, abondance (surabondance ?) de caméra à l’épaule (et même, des années avant Aronofsky, recours à la snorricam (caméra attachée sur l’acteur) pour provoquer cet effet de flottement si déstabilisant), bref, tout l’aspect visuel et sonore du film illustre à merveille le vide intérieur du personnage principal et sa sensation d’isolement face au monde qui l’entoure. Sensation qui disparaît complètement dès qu’il rencontre le directeur de la Compagnie (un vieillard !) qui lui offre une nouvelle vie. Tout semble rentrer dans l’ordre lorsqu’il réapparaît sous les traits de Rock Hudson et qu’il commence sa nouvelle vie d’artiste peintre célibataire (portant le nom de Tony Wilson) entouré d’amis branchés. Mais la lune de miel ne dure pas longtemps ...

Tranquillement, Arthur/Tony se met à regretter son ancienne vie, ce que de nombreux critiques n’ont pas compris à l’époque de la sortie du film. "Le film ne réussit pas à expliquer pourquoi Arthur/Tony devient si désenchanté de sa nouvelle vie " pouvait-on lire. Mais a-t-on besoin d’une telle explication ? Il me semble que le message est pourtant bien clair : à quoi cela sert-il de changer notre environnement ou notre corps (via la chirurgie plastique, le gym, etc) quand c’est notre âme qui est malade ! Et puis l’explication est subtilement (trop subtilement peut-être ?) donnée dans le film durant cette superbe scène où Arthur/Tony rend visite à son ex-épouse qui le croit mort. Se faisant passer pour un ex-ami de son "défunt mari", il la questionne à son sujet. Elle lui répond que son ex-mari (Arthur) " a passé sa vie à travailler si dur pour obtenir ce qu’on lui avait appris a desirer que, quand il l'a obtenu, il est devenu de plus en plus confus et triste. En fait, il était mort bien avant qu’il ne meure dans cet incendie."

Cette révélation bouleverse Arthur/Tony, qui comprend soudainement ce qui n’allait pas dans sa première vie (et qui ne va toujours pas dans sa seconde vie). Il en discute avec le directeur de la compagnie :

Tony : - Je sais que je n'avais pas le droit d'entrer en contact avec mon ex-femme, mais il fallait que je comprenne ce qui n'avait pas marché ... Toutes ces années que j'ai perdues à obtenir ces choses que les gens prétendaient être si importantes ... Des choses ! pas des êtres humains ... ou un sens à ma vie ... DES CHOSES !
Directeur : - J'espérais que vous puissiez réaliser votre rêve dans votre nouvelle vie ...
Tony : - Je crois que je n'ai jamais eu de rêve ...
Directeur : - C'est sûrement là que se trouve l'explication ...

Ce triste constat mène à une séquence finale inoubliable de cynisme et de cruauté.

Générique de SECONDS (concu par Saul Bass) dont certaines images seront réutilisées des années plus tard par Martin Scorsese pour le générique de CAPE FEAR :

Citation : Le directeur de la compagnie cherchant à convaincre Arthur du bienfait de l’opération :

Directeur - Vous ne manquerez à personne.
Arthur - Il y a ma femme !
Directeur - Vraiment ? Et qu'êtes-vous à ses yeux maintenant ?
Arthur - (soupir) ... Nous nous entendons ... Sans plus ... mais il y a ma fille.
Directeur - Vraiment ?
Arthur - En fait, nous ne la voyons plus vraiment depuis qu'elle est mariée ...
Directeur - Tout ce que vous énumerez, qu'est-ce que ça représente maintenant ? Rien du tout !
Arthur - (soupir) Je n'y avais jamais réfléchi ...

Bande annonce de SECONDS :

THE BOONDOCK SAINTS (1999)

2010-06-22T09:08:00.000-07:00

« Il faut trois choses pour faire un bon film : une bonne histoire, une bonne histoire et une bonne histoire. »
Jean Gabin

Entièrement d’accord avec cette citation et il semble que ce soit ce que Troy Duffy, obscur barman et musicien/scénariste amateur de Boston, a réussi à écrire en 1997, car son scénario de film (THE BOONDOCK SAINTS), relatant les exploits d'un duo de frères irlandais assoiffés de justice et décrit comme une espèce de « PULP FICTION with soul » suscita un vif intérêt de la part de Harvey Weinstein de Miramax (celui-là même qui avait justement produit le PULP FICTION de Tarantino). Weinstein offrit a Duffy une entente extraordinaire : 300 000 $ pour le scénario de BOONDOCK SAINTS, un budget de 15 millions et la possibilité pour Duffy de réaliser lui-même le film et d’en composer la trame sonore avec son groupe musical. Une entente fantastique, vous pensez ? Du genre qui ne survient qu’une fois dans une vie ? Et qu’aucun jeune réalisateur ne chercherait à bousiller ?

Hé bien c’est pourtant ce qu’a réussi à faire Troy Duffy ! Un documentaire intitulé OVERNIGHT a été réalisé sur les coulisses du tournage du film THE BOONDOCK SAINTS et pourrait servir de leçon à tout jeune réalisateur sur ce qu’il ne faut PAS faire si l’on espère avoir une longue et fructueuse carrière au cinéma.

Première erreur de Duffy : AVANT MÊME D’AVOIR TOURNÉ QUOI QUE CE SOIT, Duffy recrute deux de ses potes pour qu’ils commencent à tourner un documentaire entièrement consacré au génie créatif de Duffy et de son groupe musical qui, comme il le dit dans l’extrait ci-dessous (à 6:18) : “possède plus de potentiel créatif que tout autre groupe dans l’histoire de cette ville. » (!!) (En guise de comparaison, imaginez ce qu’on aurait dit ici si Xavier Dolan avait commencé à tourner un documentaire sur son génie créatif avant même d’avoir tourné une seule scène de son premier film !)

Seconde erreur : il adopte une attitude conflictuelle lors de ses conversations avec les différents producteurs (voir ci-dessous à 6:15), s’attirant les foudres d’une haute gestionnaire de chez Miramax (Meryl Poster). Résultat : Harvey Weinstein laisse tomber le projet. Duffy se retrouve sans producteur et le projet de film est interrompu.

Finalement, une compagnie indépendante, Franchise Film, accepte de financer le film avec une fraction du budget que lui offrait Miramax. Duffy accepte et le tournage commence, mais Duffy continue d’agir avec son équipe de façon outrageuse (ci-dessous, à 7:00).

Autre erreur : Duffy, non satisfait de tourner son premier film, veut profiter de cette opportunité pour lancer la carrière de son groupe musical. Une entente est signée avec Atlantic Records, entente dont bénéficieront potentiellement les membres du groupe mais PAS les deux potes responsables du documentaire, qui ont pourtant mis beaucoup de temps et d’argent dans les projets de Duffy. Dans la scène qui suit, ils tentent tous de s’expliquer mais la rancœur accumulée provoque une engueulade (à 4:00).

Au printemps 1999, BOONDOCK SAINTS est présenté au festival de Cannes. Sur place, Duffy ne peut s’empêcher de pavaner devant la caméra : “Je crois que nous avons réalisé le meilleur film indépendant jamais tourné ! » (à 0:33). Pourtant, AUCUNE offre n’est faite à Duffy pour la distribution de son film. (La présence de Weinstein au festival (voir à 4 :57) y serait-elle pour quelque chose ?)

Duffy est invité à prendre la parole devant un groupe d'étudiants en cinéma. Même dans ce contexte anodin, il adopte une attitude conflictuelle (voir ci-dessous, au tout début de l’extrait).

Finalement, l’album du groupe ne vendra que 690 copies et le film BOONDOCK SAINTS ne sera pas distribué en salles. Comme le dit une femme oeuvrant dans le domaine (à 3:41, extrait précédent) : “Dès que Harvey Weinstein a laissé tombé ce film, aucun studio majeur n’allait oser le reprendre à sa place. Duffy s’est tiré dans le pied, et Weinstein s’est fait un devoir de lui démontrer que de la même façon qu’il a pu le sortir de l’anonymat et lui donner sa chance, il pouvait tout aussi rapidement mettre un terme à sa carrière …”

DANS CE CONTEXTE, (et en gardant à l’esprit que le documentaire a été tourné et monté par deux personnes qui détestent Duffy !), force est d’admirer la détermination dont a fait preuve Duffy tout le long de ce combat entre David et Goliath. Oui, Duffy est baveux, oui, il a une grande gueule et se comporte en « bully », mais reste qu’il a quand même réussi à réaliser comme il le voulait un film qui, depuis sa sortie en DVD, fait l’objet d’un véritable culte, entre autres au Canada et au japon (surtout auprès d’un jeune public qui retrouve dans BOONDOCK SAINTS un film d’action à la Tarantino mais dépourvu des longues scènes de dialogues tarantinesques dont ils ne sont pas nécessairement friands).

En fait, malgré quelques scènes franchement exagérées (la scène où un mec armé jusqu’aux dents tire A BOUT PORTANT sur les trois héros sans jamais vraiment les atteindre ! - Voir extrait ci-dessous) et des emprunts trop évidents à Tarantino (les deux frères qui récitent une prière avant de tuer leurs victimes, comme le faisait Samuel Jackson dans PULP FICTION), BOONDOCK SAINTS demeure un très bon film d’action défilant à un rythme d’enfer et non dépourvu de style (voir la scène géniale ci-dessous où le détective campé par Willem Dafoe relate sa version des faits et se retrouve lui-même en plein milieu de l’action).

"OK, here's what happened ..." (à partir de 2:37)

Dommage pour Troy Duffy, qui n’a même pas été foutu par la suite de profiter du succès inespéré de son film, son contrat n’ayant pas fait de lui l’un des bénéficiaires des profits du film !! Il n’a pas su gérer la chance qui s’offrait à lui … Le documentaire OVERNIGHT se termine par cette citation très pertinente d’Albert Goldman : « Le succès ne change pas vraiment un homme. Le succès a plutôt l’effet d’un sérum de vérité qui révèle la véritable personnalité d’un individu … »

IL ETAIT UNE FOIS DANS L'EST (1974)

2010-06-02T20:08:00.000-07:00

André Brassard est surtout connu comme homme de théâtre ayant mis en scène la plupart des pièces de l’écrivain et dramaturge Michel Tremblay (Les Belles-Sœurs, La Duchesse de Langeais, Hosanna, Albertine en cinq temps, etc.). Ce qu’on oublie souvent, c’est que ces deux grands maîtres ont déjà uni leurs talents afin de réaliser ce film culte inoubliable qu’est IL ÉTAIT UNE FOIS DANS L’EST (1974).

Synopsis : Quelque part dans l’Est de Montréal, Germaine (Manda Parent), pauvre femme qui n’a « jamais rien gagné de sa vie », remporte un million de timbres GOLD STAR et invite ses amies chez-elle pour fêter ça. Ailleurs, Hosanna (Jean Archambault) prépare avec fébrilité son grand retour sur la scène du bar de travesti le plus hot de la Maine, Pierrette (Michelle Rossignol) boit pour oublier le départ de Johnny, Maurice (Denis Drouin) multiplie les combines pour “faire la piasse”, Hélène (Denis Filiatrault) quitte sa job de waitress, Lise (Frédérique Collin) cherche par tous les moyens à se faire avorter et Sandra (André Montmorency) prépare une cruelle vengeance dont Hosanna sera la victime …

Le film étant un amalgame de plusieurs pièces de théâtre de Michel Tremblay ayant toutes déjà été mises en scène par Brassard (Les Belles-Sœurs, La Duchesse de Langeais, Hosanna), on ne sera pas surpris de constater que la force du film réside dans l’excellente direction d’acteurs qui, dans bien des cas, reprennent ici le rôle qu’ils avaient interprété moult fois au théâtre. Ce qui surprend, c’est le talent de Brassard comme réalisateur, car rappelons qu’il en était là à SON PREMIER FILM ! (Il n’avait avant cela réalisé que le court métrage Françoise Durocher waitress). Force est d’admirer l’audace dont il fit preuve en s’attaquant à un film aux intrigues et aux personnages si nombreux, ce qui complique passablement les choses au moment du montage final, mais Brassard relève le défi avec brio, brossant un tableau fascinant de personnages paumés, désespérés et pas toujours sympathiques, mais qu’il observe sans les juger. Les trois intrigues principales culminent en une apothéose explosive, le film se terminant sur une note tragique.

Hélène la waitress (Denise Filiatrault) rend son tablier à sa facon …

Caméo explosif de Rita Lafontaine qui vole le show le temps d’un plan-séquence pour balancer quelques vérités à sa soeur Carmen (Sophie Clement)

Séquence très (trop ?) théâtrale qui détonne un peu avec le reste du film et qui en révèle les origines.

Ose Hanna ! La Maine se déchaîne ...

BLACK SABBATH - LES TROIS VISAGES DE LA PEUR - I TRE VOLTI DELLA PAURA (1963) de Mario Bava

2010-05-31T09:37:00.000-07:00

“ I’m a BIG Mario Bava fan. He was one of my first heroes. My use of colour is totally stolen from Bava, even though I know I’ll never be as good as him …” Quentin Tarantino

En plus de se déclarer un fan de Mario Bava dans la citation ci-dessus, Tarantino a déjà dit que la structure éclatée de PULP FICTION (et ses nombreuses intrigues entremêlées) lui avait été inspirée par le film d’anthologie BLACK SABBATH/LES TROIS VISAGES DE LA PEUR réalisé par Bava en 1963. « Je voulais faire avec le film noir ce que Bava a fait à cette époque avec le cinéma d’horreur. » dit-il. Noble intention de sa part, quoiqu’il faut préciser que, contrairement à PULP FICTION, les trois récits d’horreur racontés dans BLACK SABBATH/LES TROIS VISAGES DE LA PEUR ne sont pas du tout reliés entre eux et constituent chacun un court métrage en soi.

Le films d’anthologie étaient très populaires dans les années 60, en particulier en Europe, avec des titres comme L’AMOUR A VINGT ANS (1962 - regroupant de courts films de Truffaut, Wajda, Ophuls, etc.), BOCCACCIO 70 (1962 - Sketchs de Fellini, Visconti et De Sica) et, dans le domaine du cinéma fantastique, l’excellent HISTOIRES EXTRAORDINAIRES (1968), comportant trois récits inspirés d’Edgar Allan Poe.

Aux États-unis, des séries d’anthologie comme TWILIGHT ZONE, THE OUTER LIMITS (AU-DELA DU RÉEL), ALFRED HITCHCOCK PRESENTS et THRILLER (cette dernière animée par nul autre que Boris Karloff) connaissaient un grand succès. Il était donc inévitable qu’une compagnie de production de films exploite le filon, et la première à le faire fut l’American International Pictures (AIP) pour laquelle Roger Corman tourna TALES OF TERROR (1962) (comportant trois récits de Poe adaptés par Richard Matheson). AIP suivit ce succès par THE RAVEN (1963) mettant en vedette Vincent Price, Jack Nicholson (alors âgé de 26 ans !) et Boris Karloff. Karloff venait de signer un contrat avec AIP pour tourner avec eux plusieurs films d’horreur, et le succès de TALES OF TERROR amena AIP à songer à répéter l’expérience en recrutant les services du talentueux réalisateur italien Mario Bava (qui avait réalisé la même année l’excellent « giallo » italien THE GIRL WHO KNEW TOO MUCH, que AIP avait distribué aux États-Unis). Karloff fut engagé pour jouer un vampire (la seule fois dans sa carrière) dans l’un des trois récits de BLACK SABBATH (le WURDALAK, les deux autres récits s’intitulant LE TÉLÉPHONE et LA GOUTTE D’EAU) et l’ensemble du film fut tourné aux studios Cinecitta à Rome.

Pour se différencier des autres films d’anthologie de AIP, Bava adapta des récits d’épouvante peu connus dont on ne peut vraiment retracer les origines (quoique LE WURDALAK comporte des éléments du conte LA PEUR de Guy de Maupassant). Comme ce fut souvent le cas a cette époque, une version du film fut tournée en italien par Bava (appelons cela la “director’s cut », qui correspond VRAIMENT à la vision du réalisateur) et une autre fut remontée (nouvelle trame sonore de Les Baxter remplacant celle de Roberto Nicolosi et ajouts d’introductions de chaque récits faites par Boris Karloff) et distribuée aux États-Unis par AIP. Pendant des années, c’est malheureusement cette version tronquée et CENSURÉE qui a été diffusée chez-nous. Heureusement, Anchor Bay a récemment sorti une magnifique copie du film en DVD (ici) offerte en version originale italienne avec sous-titres anglais ! C’est la seule version qui rend vraiment hommage à ce grand classique de l’horreur qu'est BLACK SABBATH …

L’histoire la plus mémorable de BLACK SABBATH/LES TROIS VISAGES DE LA PEUR demeure sans doutes LE WURDALAK, mais ce n’est pas tant en raison du récit (Un vieux vampire (Karloff) retourne dans sa famille avec l’intention d’en contaminer chacun des membres) qu'en raison de l’étonnante efficacité de la mise en scène de Bava qui, comme toujours, réussit à accomplir beaucoup avec peu de moyens. Il faut rappeler que Bava était peintre de formation et talenteux directeur photo : dans LE WURDALAK, il parvient à créer, au seul moyen des éclairages et de la couleur, un climat de terreur à la limite du supportable. Jugez-en vous même, en regardant la scène suivante ou, à partir de 2:50, Karloff revient chez-lui après une longue absence, chacun des membres de sa famille se demandant s’il est devenu un vampire :

Scène graphique censurée dans la version américaine du film (ci-dessus, à 8:46) : Karloff, baigné des éclairages oranges et rouges chers à Bava, nous montre ce qu’il cache dans son sac !

Moment de terreur inoubliable : après avoir été kidnappé par son grand-père vampire, le petit Ivan revient à la maison en suppliant sa mère de le laisser entrer (au tout debut de l'extrait).

Pour la première fois dans le cinéma d’horreur (et cinq ans avant NIGHT OF THE LIVING DEAD), le Mal triomphe (a 7:40) !

Dans LA GOUTTE D’EAU, une infirmière vole la bague d’une morte et est hantée par le fantôme de cette dernière. Dans ce récit presqu’entièrement muet, Bava démontre une fois de plus son étonnante capacité à susciter l’angoisse par l’image et les sons (qui sont ici allègrement amplifiés).

Dans LE TÉLÉPHONE, une jeune femme est terrifiée par des appels téléphoniques menaçants et demande à son amie de la réconforter. Un sous-thème de la version originale italienne suggérait clairement une relation lesbienne entre les deux principales protagonistes, mais ce sous-thème fut complètement éliminé de la version américaine (Ah ! la censure américaine des années 60 !) au détriment de toute logique, l’explication finale au sujet de l’origine des appels téléphoniques perdant alors tout son sens !

Revirement final italien de IL TELEFONO (voir le contenu de la lettre a 2:55):

Revirement final americain de THE TELEPHONE (voir le contenu completement different de la lettre a 2:15):

THE BRIDE OF FRANKENSTEIN (1935)

2010-05-25T19:27:00.000-07:00

" I drink to a new world of Gods and Monsters !"
Dr Praetorius dans THE BRIDE OF FRANKENSTEIN

Le cinéaste américain James Whale est surtout connu pour ces films cultes que sont FRANKENSTEIN (1931), THE INVISIBLE MAN (1933) et THE BRIDE OF FRANKENSTEIN (1935), tous des classiques du cinéma fantastique (y compris le toujours introuvable THE OLD DARK HOUSE (1932)).

THE BRIDE OF FRANKENSTEIN demeure son oeuvre la plus achevée et bien qu’étant une espèce de “suite” à son FRANKENSTEIN réalisé quatre ans plus tôt, THE BRIDE OF FRANKENSTEIN est une oeuvre parfaitement autonome et en tous points supérieure au premier film de la série.

Quatre années séparent les deux oeuvres, et c’est peut-être ce qui en explique les différences. A cette époque des débuts du cinéma sonore, qui sait quels avancements technologiques ont pu, en l’espace de quatre années, permettre à Whale d’aller jusqu’au bout de sa vision dans THE BRIDE OF FRANKENSTEIN, mais reste que la différence entre les deux films est frappante : la mise en scène de FRANKENSTEIN est statique et théâtrale (peut-être en raison des contraintes techniques de l’époque ?), alors que celle de THE BRIDE est audacieuse, captivante et caractérisée par une surenchère expressionniste qui impressionne encore aujourd’hui. On n’a qu’a regarder les séquences de “création de monstre” des deux films pour s’en rendre compte : celle de FRANKENSTEIN (un long plan séquence nous montre la plateforme monter et descendre, a partir de 2:22) :

Et celle de THE BRIDE OF FRANKENSTEIN (a partir de 4:30) : délirante cacophonie sonore et visuelle appuyée par un montage nerveux et efficace.

Apres le succès du premier FRANKENSTEIN, Whale a obtenu carte blanche pour faire ce qu’il voulait dans THE BRIDE OF FRANKENSTEIN. Il en a profité pour injecter au film une bonne dose d’humour noir (ce qui faisait terriblement défaut au premier film) par le biais du personnage passablement excentrique du Docteur Praetorius, individu capable de prendre un copieux repas dans une crypte remplie de morts et d’ossements humains (voir ci-dessous, a partir de 6:43) :

Il se permet aussi cette séquence qui n’avance en rien le récit mais qui constitue un amusant intermède comique, alors que Praetorius montre à Henry Frankenstein où il en est lui-même rendu en matière de “création de la vie” (a partir de 1:00) :

Plus que jamais, Whale nous présente le monstre comme un martyr victime de l’ignorance des gens qui l’entourent. Dans la scène inoubliable qui suit (a partir de 6:00), le monstre trouve un peu de répit et de compassion auprès d’un vieil aveugle :

La femme de Frankenstein n’apparaît qu’à la toute fin du film. Le maquillage créé par Jack Pierce est génial et a fait de cette créature une icône du cinéma fantastique (malgré que ce n’ait été là que sa seule (et très brève) apparition à l’écran): l’actrice Elsa Lanchester, sous la direction de Whale, lui donne vie à coups de grognements, de mouvements saccadés de la tête, et de cris stridents qu’elle pousse lorsque le monstre lui touche la main (ci-dessous, a partir de 1:40) : rejet ultime d’un monstre face à un autre, qui mènera au geste final auto-destructeur et libérateur.

Jean-Marie Sabatier, critique de cinéma francais, décrit mieux que je ne saurais le faire l’impact de l’apparition à l’écran d’Elsa lanchester dans le rôle de la Femme de Frankenstein : “1935, c’est la naissance et la mort d’Elsa Lanchester : elle disparait, et elle n’est plus que la Femme de Frankenstein, l’espace d’une brève apparition, fulgurante, inoubliable, défiant l’abime des possibles, bravant le temps et la mémoire … et il suffit d’un cri pour la précipiter dans le Néant, pour la rendre à la nuit d’où elle a surgi …”

Tout cinéphile ayant apprécié l'oeuvre de James Whale visionnera avec plaisir l'excellent film GODS AND MONSTERS (1998) de Bill Condon, relatant les dernières années tourmentées de ce cinéaste exceptionnel (interprété par Ian McKellen).

NIGHT OF THE LIVING DEAD (1968)

2010-04-27T09:22:00.000-07:00

"Le silence dans la salle était total. Le film avait cessé d'être joyeusement épeurant, et il était devenu carrément terrifiant. Près de moi, une jeune spectatrice âgée d'environ 9 ans était immobile dans son siège et pleurait ..." Roger Ebert

George Romero, le réalisateur de NIGHT OF THE LIVING DEAD, premier film de la célèbre franchise des films de morts-vivants et jalon important dans l'histoire du cinéma d'horreur, n'avait jamais prévu de faire carrière à Hollywood. En 1968, Romero roulait déjà très bien sa bosse depuis des années à Pittsburgh comme réalisateur de films industriels et de commerciaux pour la télé. Dix ans plus tôt, il avait eu la chance de travailler comme machiniste sur le plateau de NORTH BY NORTHWEST de Hitchcock et qui sait si cette expérience n'a pas fait germer en lui l'idée de tourner un jour son propre film de fiction ? Reste qu'en 1968, ayant accès à tout l'équipement nécessaire pour mener à bien une telle entreprise, il écrivit une ébauche du scénario de ce qui allait devenir NIGHT OF THE LIVING DEAD.

Romero était depuis toujours un grand admirateur des fameuses bandes dessinées d'horreur E.C. Comics, éventuellement bannies aux Etats-unis en raison de leur contenu ultra-violent (Il leur rendra un vibrant hommage dans son film CREEPSHOW en 1982). Ce n'est donc pas un hasard si la trame de LA NUIT DES MORTS-VIVANTS rappelle celle de nombreux TALES FROM THE CRYPT des E.C. Comics : un groupe de gens ordinaires font face à une menace horrible contre laquelle ils ne peuvent rien.

Romero réussit à convaincre une dizaine de ses amis à investir 600$ chacun dans son projet de film, recruta des acteurs amateurs parmi sa propre compagnie de production, trouva une maison pratiquement abandonnée et y tourna son film en une trentaine de jours (répartis sur neuf mois !). Le film une fois terminé, Romero se dépêcha d'en apporter une copie à Columbia Pictures, qui décidèrent qu'ils n'étaient pas intéressés à distribuer un film en noir et blanc. Il alla alors frapper à la porte des studios American International Pictures (qui produisaient depuis des années des films d'horreur à petit budget comme I WAS A TEENAGE WEREWOLF, ATTACK OF THE FIFTY-FOOT WOMAN, I MARRIED A MONSTER FROM OUTER SPACE, etc.) et ceux-ci lui demandèrent de modifier la fin de son film afin de le rendre moins pessimiste. Romero refusa. C'est finalement la compagnie Walter Reade (propriétaire de nombreuses salles de cinéma aux Etats-Unis) qui osa distribuer le film de Romero. Le succès ne fut pas instantané, mais des critiques comme celles de Roger Ebert (ici) contribuèrent à faire connaitre le film (même si c'était pour en condamner les excès !). Le bouche à oreille fit le reste, et NIGHT OF THE LIVING DEAD devint non seulement un très populaire "film de minuit" qui tint l'affiche pendant DEUX ANNEES à New York, mais reussit même l'exploit d'être présenté au Musée d'art moderne de NY !!

Pourtant, le film est LOIN d'être parfait et comporte d'irritantes erreurs techniques (faux raccords, post-synchro défaillante, séquences de nuit ou apparait la lumiere du jour, etc) qui rappellent les productions minables du fameux Ed Wood (réalisateur du navet culte PLAN 9 FROM OUTER SPACE). Comment alors en expliquer le succès ? Dans sa critique du film, Roger Ebert donne des éléments de réponse. Il faut d'abord préciser qu'il a vu le film en 1969 dans une salle ou se trouvaient des enfants laissés à eux-mêmes par des parents incroyablement insouciants ! Au tout début, comme le raconte Ebert, la salle semblait apprécier les "spooky thrills" ("amusants frissons") des premières minutes du film, alors que Barbara (Judith O'Dea) est poursuivie par un mort-vivant dans un cimetière :

Elle se cache dans une maison abandonnée, puis fait la rencontre de Ben (Duane jones), qui barricade la maison. Comme le raconte Ebert, le film devient alors "dull and talky" (ennuyant et bourré de dialogues). C'est le moment du film durant lequel on est en mesure de remarquer ses nombreux défauts :

Par exemple, dans l'extrait suivant, à 2:17 exactement, vous pouvez apercevoir juste derrière l'actrice un des poteaux (et le fil électrique) sur lequel repose l'équipement d'éclairage !

Cas classique ici de mauvais raccord dû au non-respect de l'axe qu'il ne faut pas traverser avec la caméra lorsque l'on filme une conversation entre deux personnages. L'effet est particulièrement déstabilisant à partir de 3:00 : elle le regarde dans les yeux comme si elle était assise à sa droite, mais le plan suivant, il se tourne vers elle comme si elle était à sa gauche !! ;)

Ici, à 3:45, la lumière du jour surgit ... en pleine scène nocturne !!!

On cesse toutefois de remarquer les défauts du film lorsqu'il bascule soudainement dans l'horreur absolue dans la scène ci-dessous, où les morts-vivants se battent entre eux afin de dévorer les restes calcinés du jeune couple d'amoureux (à partir de 1:25) ! Romero a l'intelligence ici de laisser tomber la musique "en canne" entendue depuis le début du film. Il la remplace par une tonalité électronique terriblement efficace. Les gros plans se succèdent, les sons de mastication sont amplifiés, les zombies se délectent d'intestins, de foie et de chair humaine et on fait allègrement éclater un des derniers tabous au cinéma : le cannibalisme. On comprend alors ce qu'Ebert voulait dire lorsqu'il décrivait la réaction des pauvres enfants en état de choc devant un tel spectacle !

A partir de ce moment, le spectateur n'a d'autre choix que d'embarquer complètement (ou de quitter la salle !) et de devenir témoin d'un véritable cauchemar où rien ne se déroulera comme il l'aurait prévu (surtout pour les spectateurs de l'époque, habitués jusqu'alors à voir les héros toujours triompher du mal). Le revirement final, particulièrement pessimiste et ironique, demeure encore aujourd'hui très audacieux.

Les critiques de l'époque s'amusèrent à voir dans le film une métaphore de l'Amérique de 1968 qui "se dévore elle-même en raisons des tensions suscitées par la guerre du Viet-Nam et l'émancipation des noirs" (puisque le héros du film est un noir), ce qui a toujours fait rire Romero. Il rappelle à tous que l'acteur noir Duane Jones a été choisi non pas en raison de la couleur de sa peau, mais simplement parce qu'il avait été le meilleur durant les auditions.

Le succès du film fut tel que Romero a pu par la suite obtenir facilement tout le financement désiré pour tourner de nombreuses suites au film (dont l'excellent DAWN OF THE DEAD (1978) qui a fait l'objet d'un remake en 2004 réalisé par Zack Snyder (réalisateur de 300). Le film culte de Romero THE CRAZIES (1972) a lui aussi récemment fait l'objet d'un excellent remake.

Pour ce qui est de NIGHT OF THE LIVING DEAD, recherchez la version DVD distribuée par ELITE Entertainment (ici), qui nous offre ENFIN une version du film d'une étonnante qualité visuelle ! Je dis cela parce que NIGHT OF THE LIVING DEAD n'a longtemps été disponible que dans la version floue que vous pouvez voir dans les extraits ci-dessus (pris sur Youtube). Ce grand classique de l'horreur reçoit enfin le traitement qu'il mérite.

PINK FLAMINGOS (1973) - LE CULTE DE JOHN WATERS

2010-04-17T12:24:00.000-07:00

"To me, bad taste is what entertainment is all about. If someone vomits watching one of my films, it's like getting a standing ovation."
John Waters

Après avoir parlé de FASTER PUSSYCAT KILL KILL dans le dernier article en mentionnant la fascination que voue le cinéaste John Waters pour ce film, il était logique de poursuivre dans la même veine "trash" en parlant de l'oeuvre de Waters lui-même.

Admirateur de Russ Meyer et de Herschell Gordon Lewis (réalisateur du cultissime film gore BLOOD FEAST), Waters commença dès son adolescence à imiter ses réalisateurs fétiches en réalisant des productions amateurs 8mm et 16mm tournées à Baltimore, sa ville natale. En 1968, lors du tournage de EAT YOUR MAKE-UP, il offre un rôle à un travesti obèse de Baltimore se faisant appeler Divine. C'est le début d'une longue et fructueuse association qui nous donnera ces grands classiques du cinéma underground que sont MULTIPLE MANIACS (1970), FEMALE TROUBLE (1974), DESPERATE LIVING (1977) et surtout PINK FLAMINGOS (1973), son chef-d'oeuvre culte tourné avec un budget de 12 000 $ et ayant depuis rapporté des millions (a l'image du NIGHT OF THE LIVING DEAD de George Romero).

PINK FLAMINGOS : Divine la travesti vit dans une caravane minable avec sa mère Edie, une vieille folle obsédée par les oeufs, et son fils Crackers. Divine est reconnue comme étant « la personne la plus dégueulasse au monde", ce qui rend fous de jalousie le couple Raymond (David Lochary) et Connie Marble (Mink Stole), qui croient mériter ce titre puisqu'ils sont pornographes, vendent de l'héroine dans des écoles élémentaires et kidnappent des jeunes filles pour les offrir à leur serviteur, qui s'empressent de les mettre enceintes. Tout le long du film, Divine et le couple Marbles se surpassent en actes abominables afin de remporter le titre convoité de "personne la plus degueulasse ». Dans une finale inoubliable, Divine conserve son titre en mangeant devant la caméra des excrements de chien !

Difficile d'expliquer le succès phénoménal de PINK FLAMINGOS quand on regarde le film aujourd'hui : mal foutu, mal joué et pas particulièrement drôle, le film a bien mal vieilli ... Russ Meyer, idole de Waters, faisait peut-être du cinéma trash, mais du moins avait-il le merite de nous présenter des actrices fort agréables à regarder ! Waters, lui, nous présente "the filthiest people alive » (les gens les plus dégueulasses au monde), et le public de l'époque a quand même suivi. Peut-être Waters a-t-il bénéficié de l'effet de nouveauté, étant certainement le premier cinéaste américain à aller aussi loin dans la présentation à l'écran de comportements abominables et d'images répugnantes.

Et puis il faut se remettre dans le contexte de l'époque : PINK FLAMINGOS est sorti en salle dans les années 70s, époque psychédélique ouverte à tous les excès. Le film a tenu l'affiche au Elgin Theater de Chelsea à New York pendant 48 semaines ! Il faut dire que le propriétaire de l'Elgin, Ben Barenholtz, a eu l'idée géniale d'inclure le film à son programme de films de minuit (suite au succès qu'avait eu le film EL TOPO présenté à la même heure pendant des mois), s'assurant ainsi la présence de la clientèle visée par le film. Le succès fut tel que Barenholtz répéta l'experience des projections de minuit avec des films comme ERASERHEAD et, bien sûr, THE ROCKY HORROR PICTURE SHOW, lançant ainsi le phénomène des films de minuit (MIDNIGHT MOVIES).

Une chose est sure : en notre époque de political correctness, le cinéma de Waters serait impossible a promouvoir. Jugez-en vous-même en visionnant les quelques extraits qui suivent :

Divine remporte le titre de personne la plus dégueulasse au monde :

Divine déambule dans les rues de Baltimore au son de la chanson THE GIRL CAN'T HELP IT :

Entrevue hilarante avec John Waters au LATE SHOW de David Letterman en 1986. Signe d'une autre époque : à 6:00 Waters montre à Letterman une chaise électrique miniature sur laquelle il suggère de placer les poupées Barbie et Ken lorsqu'elles ne sont pas gentilles !! Il en rajoute en faisant allusion aux Rosenberg (!), couple de juifs américains reconnus coupables d'espionnage dans les années 50 et condamnés à la chaise électrique. Ce genre d'humour ne passerait certainement plus à la télé aujourd'hui ...

Waters est un des rares réalisateurs underground a avoir fait le saut avec succès dans le cinéma commercial, réalisant des films bien reçus comme HAIRSPRAY (1988), CRY-BABY (1990 - avec Johnny Depp), SERIAL MOM (1994 - avec Kathleen Turner) et CECIL B. DEMENTED (2000 - avec Melanie Griffith). Il s'y moque allegrement de la classe moyenne américaine.

Détail amusant : Tarantino a probablement déjà visionné CECIL B. DEMENTED qui, neuf ans avant INGLORIOUS BASTERDS, comporte une scène où des cinéphiles terroristes organisent une attaque dans une salle de cinéma !

Citation favorite (Divine dans PINK FLAMINGOS) : "Connie Marble, you stand convicted of assholism !"

LES AMOURS IMAGINAIRES de Xavier Dolan (2010)

2010-03-18T15:34:00.000-07:00

Sortie en DVD cette semaine du film LES AMOURS IMAGINAIRES de Xavier Dolan, relatant les déboires amoureux de Marie (Monia Chokri) et Francis (Xavier Dolan), tous deux amoureux de Nicolas (Niels Schneider).

Sujet moins “heavy” que le film précédent de Dolan, voire superficiel et donc moins captivant (pour moi), et encore plus de scènes au ralenti, comme pour étirer la sauce ... Belle forme, peu de fond, dans un style qui plaira sans doute au public cible (i.e. jeune et vivant les "amours imaginaires" propres à la vingtaine, qui est aussi l’âge des interviewés livrant des "témoignages" faisant le tour des scénarios d’amours imaginaires les plus communs : amour à distance, amour non réciproque, dépendance affective extrême, etc.) Grave point faible du film : le mauvais casting de Monia Chokri, BEAUCOUP trop vieille pour son rôle, ce qui m’a dérangé tout le long du film (on se demande constamment ce qu’une fille de son âge fiche avec ces deux jeunots, surtout lorsqu’ils vont jouer à la cachette sur le Mont-Royal !!)... Vers la fin du film, dans la scène où elle baragouine nerveusement des excuses à Nicolas (Niels Schneider) pour expliquer la lettre d’amour qu’elle lui a envoyée, elle a carrément l’air d’avoir dix ans de plus que lui (sinon 15) !! Désolé mais ça ne passe pas du tout ... Dommage ...

On appréciera (ou non) le commentaire audio du duo Dolan-Chokri qui accompagne le DVD. Si en partant vous trouvez Dolan prétentieux, ce commentaire n’améliorera pas les choses, même si Dolan est très conscient d’être perçu comme tel et qu’il tente dès le début de se moquer de cette perception du public en disant, alors qu’apparaît la citation d’ouverture d'Alfred de Musset : - Est-ce que tu trouves ça prétentieux Monia ? Elle répond oui et ils rigolent. Auto-dérision sympathique et prometteuse, SAUF QUE, comme le dit Dolan lui-même vers la fin du commentaire (en parlant du thème de son film) : "Chassez le naturel et il revient au galop" et ce n’est pas long que l’on entend Chokri et Dolan se moquer allègrement de commentaires du public qui, bien sûr, n’a rien compris ! Quelques extraits :

Dolan, imitant sur un ton condescendant un commentaire du public : - Ca c’t’un plan à la Wong Kar Wai ! C’est tu ton influence, Wong Kar Wai ? (Ils rigolent)

Dolan : - Les gens m’ont dit "C’est pas réaliste ton film", mais c’est très réaliste, marde !

Dolan : - La pièce de violoncelle, c’est joué par Pieter Wispelwey et non pas Yo-Yo Ma, comme l’a dit un blogueur ! (rires)

Chokri (imitant le public) – Heille, ça fume donc bin dans ce film là !! (rires)

En réponse à ce dernier commentaire, on ne sait plus si Dolan est vraiment sérieux ou sarcastique lorsqu’il dit que toute la fumée de cigarette dans le film "symbolise le côté vaporeux du film, la façon dont tout s’envole en fumée ..." (??!)

Chassez le naturel ...

Le commentaire audio a du moins le mérite d’expliquer certaines des motivations pas toujours claires des personnages, surtout celui (volontairement ?) peu défini de Niels Schneider qui, dans son rôle symbolique d’objet de désir convoité (on se demande bien pourquoi !) par Dolan et Chokri, n’a pas grand-chose à dire (ou à marmonner, dans son cas).

********

Dolan a ses inconditionnels et ses détracteurs, majoritairement dans la vingtaine et adeptes des médias sociaux (blogues, Twitter, Facebook, Youtube, etc) où ils s’affrontent régulièrement lors de joutes "verbales" passionnées. Dans le genre, rien ne vaut l’hilarant site CINÉCRUCHE.COM qui rassemble les "critiques" de films les plus loufoques provenant du grand public. Allez lire celles de J’AI TUÉ MA MÈRE (ici) et des AMOURS IMAGINAIRES (ici) ! Trop drôle !
C’est pas mal la même chose sur Youtube, ou d’autres vont encore plus loin : en cette époque où il est plus que jamais facile pour un amateur de tourner un petit film avec des potes (ou de remonter sur un logiciel du genre imovies des images prises sur l’Internet), on a vu apparaître sur Youtube des "critiques" de films originales prenant la forme de parodie qui peut être :

Sanglante et se moquant des principaux travers du film J'AI TUE MA MERE (excès de ralenti, citations obscures de poètes obscurs, non-pertinence de la trame sonore, etc):

Méchante mais bien réalisée :

Bete et méchante :

Intéressant comme phénomène ... Le public se manifeste et s’exprime de plus en plus et de toutes sortes de façon sur les médias sociaux, et un bouche à oreille virtuel négatif aura tôt fait de démolir les chances de succès d’un film au box-office. On a vu récemment ici au Québec à quelle vitesse les mauvaises critiques (officielles et sur les médias sociaux) d’un film comme LE POIL DE LA BÊTE ont eu un impact sur le nombre d’entrées en salle. Désespérés, les producteurs du film ont tenté dans ce cas particulier de jeter de la poudre aux yeux au public éventuel en ajoutant à l’affiche du film des extraits de critiques positives provenant ... des médias sociaux !! Mais le public n’a pas été dupe, et la manœuvre a tout de suite été dénoncée sur le populaire blogue LA CLIQUE DU PLATEAU . À l’ère du virtuel, il est de plus en plus difficile de "passer un sapin" au public.

Les producteurs n’ont qu’à bien se tenir ...

THE TALL T (1957) - LE CULTE DE BUDD BOETTICHER

2010-03-08T19:06:00.000-08:00

“ The nice thing about the deaths in my movies was that somebody cared, even the guy who did the killing.” Budd Boetticher

Un des grands plaisirs pour un cinéphile qui se croyait averti, c’est de découvrir l’existence d’un cinéaste dont il ignorait l’existence et de partir à la découverte de sa filmographie. C’est ce qui m’est arrivé ces dernières années avec le réalisateur Budd Boetticher, dont je ne savais strictement rien jusqu’à ce que j’aperçoive son nom dans la liste des films cultes du premier volume de la série des livres CULT MOVIES.

On y mentionnait un western intitulé THE TALL T. Tiens donc ? Un western culte qui n’était PAS réalisé par John Ford (comme THE SEARCHERS, MY DARLING CLEMENTINE), Sergio Leone (ONCE UPON A TIME IN THE WEST), Sam Peckinpah (THE WILD BUNCH), Anthony Mann (MAN OF THE WEST), ou Howard Hawks (RIO BRAVO) mais par un réalisateur dont je n’avais jamais entendu parler ?? Mais qui était donc ce Budd Boetticher, admiré aujourd’hui (comme j’allais le découvrir) par des cinéastes comme Godard, Scorsese, Tarantino et Eastwood ?

Budd Boetticher était un de ces réalisateurs/aventuriers de la trempe de Sam Fuller (voir article ici), Robert Aldrich et autres durs-à-cuire arrivés au cinéma un peu par hasard. Dans le cas de Boetticher, le parcours fut particulièrement surprenant : il fut adopté à la naissance par un riche paternel âgé de 50 ans. Enfant unique et privilégié, tourmenté par ses camarades de classe, il se mit à la boxe pour pouvoir se défendre et devint un athlète accompli jusqu’au jour où une blessure au genou le força à limiter ses activités. La famille partit alors en voyage au Mexique où un évènement allait changer sa vie : il assista à une corrida et devint obsédé par l’idée d’apprendre les rudiments du métier de matador, ce qu’il fit avec beaucoup de talent et de courage. (Cette partie de sa vie allait inspirer le scénario de son premier succès au cinéma : le film THE BULLFIGHTER AND THE LADY (1951) mettant en vedette Robert Stack dans le rôle de Boetticher). L’entrée dans le monde du cinéma se fit tout à fait par hasard, alors que le producteur Hal Roach pensa de recommander Boetticher au réalisateur Robert Mamoulian qui cherchait un assistant pouvant montrer à l’acteur Tyrone Power comment tenir une cape de matador pour le film BLOOD AND SAND (1941). Fort de ce succès, Boetticher gravit ensuite tous les échelons, pour finalement devenir réalisateur de films de série B plus ou moins mémorables. C’est sa rencontre avec l’excellent scénariste Burt Kennedy qui allait tout changer : ce dernier lui écrivit des scénarios dignes de son talent (SEVEN MEN FROM NOW (1956), THE TALL T (1957), RIDE LONESOME (1959), COMANCHE STATION (1960), que Boetticher réalisa en y ajoutant sa touche bien personnelle d’humour et de considérations philosophiques sur le bien, le mal et les conséquences de nos actions.

C’est ce qui différencie les westerns de Boetticher de la majorite des autres westerns de serie B qui se faisaient à l’époque : les protagonistes, qu’ils correspondent au cliché des bons (l’omniprésent Randolph Scott, symbole même de la rectitude morale) ou des "mechants", demeurent des personnages complexes qui prennent souvent le temps de se remettre en question.

C'est le cas de l'excellent THE TALL T (1957) (Ne vous laissez pas décourager par les 15 premieres minutes du film qui comportent les pires éléments des westerns de l'époque : musique ringarde et humour à la Walt Disney ! Le récit démarre vraiment 20 minutes plus tard - voir l'extrait Youtube no. 3). Randolph Scott et un couple de nouveaux mariés sont kidnappés par trois truands (menés par Pat Boone). Dans le dialogue qui suit (3:32 à 5:18), le truand est présenté sous un jour étonnamment sympathique : il a les mêmes aspirations que Scott (s'acheter une terre et du bétail), mais a simplement choisi une façon différente d'atteindre son objectif.

Frank : - Un homme devrait avoir quelque chose qui lui appartient et dont il peut être fier
Brennan : - Et tu crois que c'est comme ça que tu vas l'obtenir ?
Frank : - parfois on n'a pas le choix ...
Brennan : - Vraiment ?

Dans le même extrait, à 7:00, revirement intéressant : Dans l'univers de Boetticher, même les truands ont un "code de l'honneur" et Frank, dégoûté de voir le nouveau marié offrir son épouse en rançon afin de sauver sa peau, n'hésite pas une seconde à le tuer ! ("I got sick of him, way down deep inside ..."). Brennan le confronte à nouveau sur ce choix:

Brennan : - Oui, ce qu'il a fait était mal, mais tu crois que c'était mieux de ta part de prétendre que tu marchais dans sa combine pour ensuite le tuer ?
Frank : - Si tu ne vois pas la différence entre les deux, je ne te l'expliquerai pas ...

Même lorsqu'il est question d'amour, Brennan a des leçons de morale à donner ! ;-) Dans la scène suivante (0:00 à 1:49), il confronte sans ménagement la nouvelle mariée sur ses choix jusqu'à ce qu'elle admette qu'elle a épousé son salaud de mari uniquement pour ne pas finir toute seule ... Constatant sa grande vulnérabilité, Brennan profite de la situation, histoire de bien lui montrer que "parfois, il faut cesser d'attendre que les choses nous tombent du ciel et il faut aller les chercher " !! (Sacré Brennan ! Incroyable ce mec ... ;-)

Le même genre de dilemme moral est présenté dans le film COMANCHE STATION (1960). Tout le long du film, un jeune cowboy (Richard Rust) se questionne à savoir s'il doit prendre pour modele l'honorable Randolph Scott ou le truand (Claude Akins) avec qui il voyage depuis quelque temps. Son choix sera fait en fonction de ce qu'il "ressent à l'intérieur de lui comme étant la bonne chose à faire" ("... what feels good inside"), consideration plutot inhabituelle pour un western, et qui ne sera pas sans conséquence (SPOILER : séquence ci-dessous, à 8:15)

On peut voir comment Clint Eastwood, fan de Boetticher, a pu être influencé par son oeuvre. Son film UNFORGIVEN comprend une séquence digne de Boetticher où le jeune partenaire d’Eastwood (Jaimz Woolvet), qui vient de tuer un homme pour la première fois de sa vie, se met à pleurer. Eastwood lui dit alors, à la manière d’un Randolph Scott, la fameuse réplique « It’s a hell of a thing, killing a man … You take away all he’s got, and all he’s ever gonna have”, résumant ainsi toute la philosophie des westerns de Boetticher : on ne peut échapper aux conséquences de nos actes et a leur impact sur nos vies.

Mort en 2001, Boetticher se moquait un peu des westerns modernes. Il avait dit en entrevue (après avoir vu UNFORGIVEN, sorti en 1992) : “Mais qu’est-ce que c’est que ça ? Les hommes de cette époque étaient des gens ignorants, sans éducation. Jamais un seul d’entre eux n’aurait dit une réplique du genre : “Ma mère était une prostituée qui a connu un homme qui lui a lancé de l’acide en plein visage et c’est depuis ce jour que je déteste l’humanité …” Voyons donc ! Ils ne pensaient pas comme ça ! ” En effet, les cowboys du Far-West n’étaient certainement pas des âmes tourmentées prenant plaisir à s’auto-psychanalyser. Ils étaient plutôt semblables aux héros des films de Boetticher : laconiques, humbles et désireux de faire “ce qu’ils ressentaient comme étant la bonne chose à faire.”

Un peu comme Boetticher d’ailleurs qui, après avoir réalisé d’excellents westerns, fit ensuite cavalier seul et passa le reste de sa vie à se consacrer au seul projet qui lui tenait vraiment à cœur : réaliser un documentaire sur la vie de son ami matador Carlos Arruza (ARRUZA (1972), projet de longue haleine qui allait lui coûter sa fortune, son mariage et sa santé.

Un coffret des meilleurs films de Boetticher est paru l'an dernier, agrémenté de présentations et commentaires de Clint Eastwood, Martin Scorsese et Taylord Hackford (voir ici).

Le coffret comprend un excellent documentaire (que l'on pouvait visionner sur Youtube jusqu'à tout récemment) sur la vie de Budd Boetticher, dans lequel Clint Eastwood (accompagné de Quentin Tarantino) avoue carrément avoir piqué des idées à Boetticher. L'extrait n'est plus disponible, mais le court documentaire ci-dessous donne un bon aperçu de la carrière de Boetticher.

Boetticher étant admiré à l’époque par les critiques des CAHIERS DU CINÉMA, il était inévitable que Godard y fasse allusion dans un de ses films. Dans A BOUT DE SOUFFLE, Belmondo et Jean Seberg vont dans un cinéma parisien. Quand ils en ressortent (à 1:03) , on peut lire le titre du film sur la marquise : WESTBOUND réalisé par Budd Boetticher en 1959.

LES VOIX CULTES

2010-01-29T06:09:00.000-08:00

Dans l'article sur le culte de JERRY LEWIS (ici), j'ai affiché l'extrait suivant en précisant que le comédien qui faisait le doublage (particulièrement démentiel dans ce cas-ci) s'appelait Michel Roux :

Il est possible que cette voix vous ait semblé familière ? Pas étonnant, car pendant plus de 40 ans, Michel Roux a prêté sa voix bien distincte a de nombreux acteurs americains, dont Jack Nicholson dans EASY RIDER et Elvis Presley dans FUN IN ACAPULCO. Maitre du doublage de film, Michel Roux était d'abord et avant tout un comédien et metteur en scene bien connu en France. Le voici d'ailleurs sur les planches (l'homme de droite, en tuxedo) :

Ca vous rappelle quelqu'un, cette voix ? Cela devrait, surtout si vous avez deja vu un seul épisode de la série télé AMICALEMENT VOTRE (THE PERSUADERS). He oui, la voix de Roux etait celle de Tony Curtis :

Voir extrait d'AMICALEMENT VOTRE en cliquant ici.

Vous pouvez consulter la voxographie (liste des films auxquels il a prete sa voix) de Michel Roux ici.

Roux est décédé en 2007. On se souviendra surtout de sa performance vocale dans la peau de l'inspecteur Clouseau (Peter Sellers) dans la série des films de la PANTHÈRE ROSE :

Et ma préférée : sa version bien à lui (et meilleure que l'original, selon moi) de la voix du psychiatre Fritz Wolfgang Sigismund Fassbinder (Peter Sellers) dans QUOI DE NEUF PUSSYCAT ? (1965) : "Immonde amalgame de chair putride, putride, putride ..."

D'autres comediens ont atteint le statut de voix culte au fil des années, les plus connus etant :

MARC DE GEORGI (Voix de Robert Redford dans TROIS JOURS DU CONDOR, Tony Musante dans L'INCIDENT, etc.) Voxographie ici.

HENRY DJANIK (Voix de Telly Savalas dans KOJAK, Anthony Quinn, ...). Voxographie ici.

Montage de quelques-unes de ses performances ici.

... et une replique memorable d'Henry Djanik dans la version francaise de IT'S A MAD MAD MAD MAD WORLD (1963) :

Autres voix cultes :

Le comédien québécois (et fils d'Olivier Guimond) Richard Darbois, qui double souvent Harrison Ford (entre autres dans BLADE RUNNER). (Voxographie ici)

George Aminel : Sylvestre le chat, Darth Vador, Charlton Heston dans LA PLANETE DES SINGES

René Arrieu : Lee Marvin (POINT BLANK, DIRTY DOZEN) , Fernando Rey (FRENCH CONNECTION), Jason Robards (IL ETAIT UNE FOIS DANS L'OUEST, LES HOMMES DU PRÉSIDENT), le Dr Heywood dans 2001 L'ODYSEE DE L'ESPACE, Oliver Reed dans LES DIABLES, Terence Stamp dans SUPERMAN 2, Peter Graves dans Y A-T-IL UN PILOTE DANS L'AVION ?

René Bériard : Le Dr Smith (Jonathan Harris) dans PERDUS DANS L'ESPACE, Alfred dans BATMAN

Jacques Thebault : Voix de Patrick McGoohan dans LE PRISONNIER, voix de Roy Scheider dans LES DENTS DE LA MER, voix de Steve McQueen dans BULLIT. (Voxographie ici).

Mel Hondo : La voix officielle de Eddie Murphy dans tous ses films.

Jacques Dynham : Voix de Jerry Lewis dans presque tous ses films.

Claude Bertrand : Voix de Eli Wallach dans LE BON, LA BRUTE ET LE TRUAND, voix de Roger Moore (LE SAINT, JAMES BOND et AMICALEMENT VOTRE)

Marc Cassot : Paul Newman dans la majorité de ses films.

Jean-Claude Michel : Voix de Sean Connery dans la majorité de ses films, Charlton Heston dans SOLEIL VERT, Clint Eastwood dans DIRTY HARRY.

Dominique Paturel : voix de David Vincent (Roy Thinnes) dans la serie LES ENVAHISSEURS, Leslie Nielsen dans Y A-T-IL UN PILOTE DANS L'AVION ? Lee Majors dans L'HOMME DE SIX MILLIONS et surtout J.R. (Larry Hagman) dans la serie DALLAS.

Anecdote au sujet de Dominique Paturel : Il est toujours un peu surprenant de voir des comediens talentueux comme Dominique Paturel prêter leurs voix à des films de série Z (mais, bon, j'imagine que ca permet d'arrondir les fins de mois ...). Etonnant donc d'entendre la voix si familière de cet excellent comedien dans un film de troisieme ordre (ci-dessous) aux dialogues particulièrement mémorables (Oreilles sensibles s'abstenir !) :

Vous pouvez consulter une liste TRES complete des voix connues du doublage ICI.

L'AVATAR DE CAMERON N'EST PAS CELUI QU'ON CROIT

2010-01-26T09:16:00.000-08:00

Je viens tout juste de voir AVATAR (version 3- D). Impressionnant visuellement, mais pour ce qui est du scénario, disons que si un avatar est la reproduction de ce qui existe déjà sous une autre forme, alors le film de Cameron en est lui-même tout un !

Je n'apprendrai rien à personne en disant que le scénario rappelle beaucoup DANCES WITH WOLVES (tellement de critiques l'ont déjà dit, et avec raison), mais le hic, c'est qu'il rappelle aussi des moments clés de films comme PLANET OF THE APES (scène ou Scully est capturé par un groupe de Na'vis à chevaux), STARSHIP TROOPERS (bassin d'eau où flotte l'avatar de Na'vi rappelant celui dans lequel on « réparait» Caspar Van Dien), mais surtout un épisode complet de la série culte THE OUTER LIMITS/AU-DELA DU REEL (l'épisode THE CHAMELEON - 1964) dont Cameron doit être un fan, puisque son film TERMINATOR s'inspirait lui aussi de deux épisodes de la célèbre série (SOLDIER et DEMON WITH A GLASS HAND), dont j'ai déjà parlé ici.

Ce qui est bien avec l'internet, c'est que grâce à Youtube, il est possible de vous montrer où il a piqué ses idées :(Mise à jour novembre 2010 : je viens de me rendre compte que MGM, qui détient les droits de la série OUTER LIMITS, en a retiré tous les extraits qui se trouvaient sur youtube !! Merde, tout mon article reposait la-dessus ... Mais rien ne vous empêche de louer l'épisode THE CHAMELEON pour constater ou Cameron a trouvé son inspiration pour AVATAR)

Dans THE CHAMELEON, Robert Duvall joue le rôle d'un agent américain qui doit infiltrer un groupe d'extra-terrestres. Pour ce faire, on le transforme en extra-terrestre (Tiens donc ! ;)

Details du processus de transformation a 2:10, puis transformation a partir de 7:00 :

Tout comme dans le film de Cameron, les extra-terrestres du CHAMELEON savent très bien que Duvall est un avatar et en viennent à sympathiser avec lui (a partir de 7:14) : "It's a good impersonation Earthman, but we know who you are, the way one of your dogs can tell a cat ..."

Dans AVATAR, le commandant sent que Scully est en train de changer de camp et il le sort de son sommeil pour lui rappeler quelle est sa véritable mission; dans THE CHAMELEON, l'agent du gouvernement constate la même chose et envoie un signal sonore à Duvall pour lui rappeler qu'il a une mission à accomplir (a 6:10):

Finalement, tout comme Jake Scully dans AVATAR, Duvall choisit de se rallier aux extra-terrestres et part avec eux (a partir de 1:00):

Sacré Cameron ! Il croit peut-être que personne ne se souvient d'une vieille série des années 60s ! L'ecrivain Harlan Ellison, lui, s'en est souvenu assez pour poursuivre Cameron (et gagner sa cause) afin d'obtenir la reconnaissance de la paternité des idées que Cameron avait piquées dans les deux épisodes de OUTER LIMITS qu'Ellison avait écrits (SOLDIER et DEMON WTH A GLASS HAND).

Dans l'épisode SOLDIER, deux soldats du futur sont transportés dans le passé (donc notre présent, dans ce cas-ci 1964). À 4:18, le soldat apparaît soudainement en pleine ville, comme Schwarznegger dans TERMINATOR :

Il fallait trouver une motivation pour le combat entre Kyle Reese (Michael Biehn) et le Terminator. Cameron la prendra dans l'épisode DEMON WITH A GLASS HAND. Elle sera la même que le personnage de Trent (Robert Culp), qui détient entre ses mains la survie de la race humaine et doit la protéger coûte que coûte. (Seule différence, dans GLASS HAND, Trent est un androide qui protège la race humaine, alors que dans TERMINATOR, l'androide (Arnold) veut l'exterminer (en tuant Sarah Connors).

Explications donnees par "LA MAIN DE VERRE" a 3:48 (Je vois que l'extrait n'y est plus, mais il y en a un autre ici Voir a 4:00)
:

* Il se peut que l'édifice du dernier extrait vous dise quelque chose : c'est le fameux Bradbury Building de Los Angeles, ou a été filmée, entre autres, la finale de BLADE RUNNER !

LE CULTE DE JERRY LEWIS

2010-01-21T09:19:00.001-08:00

“ Your films were just about a guy going nuts for two hours !”
David Letterman (en entrevue avec Jerry Lewis)

Les Français et les Américains sont célèbres pour leurs désaccords à propos de deux sujets importants : la pertinence de l’intervention armée en Irak … et le génie de Jerry Lewis !

On peut en effet se demander ce qui a amené les français à remettre la Légion d’honneur à Jerry Lewis EN 2006 (!!), quarante ans après qu’il ait réalisé ses films les plus mémorables (THE BELLBOY (1960), THE LADIES MAN (1961), THE ERRAND BOY (1961), THE NUTTY PROFESSOR (1963), THE PATSY (1964), THE FAMILY JEWELS (1965) et THE BIG MOUTH (1967) et à une époque où il n’était plus considéré aux États-Unis que comme un « has been » relégué à l’animation de téléthons.

Il faut toutefois admettre que les français avaient déjà salué le talent de Lewis bien avant 2006. Dans les années 60, les critiques des CAHIERS DU CINÉMA admiraient le fait que, à l’instar de cinéastes comme Hitchcock ou Welles, Lewis avait le contrôle total de tous les aspects de ses films (production, réalisation, scénario, interprétation), ce qui selon eux faisait de Lewis un véritable auteur (terme très prisé par LES CAHIERS à l’époque). D’accord avec eux sur ce point, mais peut-on vraiment parler de génie comique ??

Je dirais plutôt que Lewis a fait le lien entre l’époque révolue des comiques du muet (Chaplin, Keaton, Laurel et Hardy, qui ont bien sûr influencé Lewis, Lewis ayant admis recemment (sur un des bonus du DVD du NUTTY PROFESSOR) qu'il faisait lire certains de ses scenarios par nul autre que Stan Laurel !), et celle des comiques d’aujourd’hui, presque tous venus au monde grâce à leur association à l’émission SATURDAY NIGHT LIVE (qui a débuté en 1975, rappelons-le) : Chevy Chase (dont les mimiques et les films (la série des NATIONAL LAMPOON) rappellent beaucoup Lewis), Belushi, Myers, etc. et Eddie Murphy, qui ira même jusqu’à faire un re-make (passablement vulgaire !) du NUTTY PROFESSOR en 1996). Les gens qui n’étaient pas de ce monde avant l’arrivée en ondes de SATURDAY NIGHT LIVE ne le savent probablement pas, mais avant cette émission phare qui allait lancer la carrière de nombreux comédiens au cinéma, les seuls films comiques présentés à la télé (je parle de l’époque préhistorique où les magnétoscopes VHS n’existaient pas encore !) étaient ceux de Walt Disney ou de Jerry Lewis ! (La seule autre option à cette époque étant les films de Louis De Funès ou des Charlots ! Triste époque …)

Bref, pendant des années, Jerry Lewis a régné comme seul et unique “clown du cinéma” (le seul lui étant comparable étant Woody Allen qui, à ses débuts, écrivait et réalisait des comédies délirantes (TAKE THE MONEY AND RUN et BANANAS) bourrées de gags visuels rappelant Lewis. L'héritier de Lewis aujourd'hui serait bien sûr Jim Carrey (qui, à ses débuts (en 1983) dans une obscure série appelée BUFFALO BILL, interprétait un imitateur de Jerry Lewis !). Bien que certains des films de Lewis aient plutôt mal vieilli et souffrent souvent de scénarios décousus ou de longueurs (ex : THE BIG MOUTH), on retrouve dans chacun d’eux une ou deux séquences d’anthologie pouvant encore faire rire ou susciter l’admiration. En voici quelques-unes :

Le générique très jazzé et complètement démentiel de THE BIG MOUTH (JERRY LA GRANDE GUEULE). L’utilisation de la musique est ici poussée jusqu’à l’absurde : à la fin du générique (1:49), on croit que la musique va nécessairement s'arreter, mais elle continue de plus belle ! À 2:19, on se dit que ca y est, mais non : ça continue toujours ! Meme chose a 2:47 ! ;-)) Du jamais vu !

Avant de devenir lui-même réalisateur, Lewis avait joué dans des films réalisés par un certain Frank Tashlin qui avait fait carrière dans le monde des dessins animés pour la Warner Bros. Cette influence se fera sentir tout le long de la carrière de Lewis, entre autres dans des gags visuels ou Lewis prend soudainement des caracteristiques physiques très "cartoonesques" :

The Nutty professor (1963) :

The Big Mouth (1967) :

Deux séquences d’anthologie du chef-d’œuvre de Lewis (THE NUTTY PROFESSOR): La séquence de transformation (plutot troublante pour une comedie et accompagnee d'une excellente trame sonore). Puis, à 3:27 : Utilisation remarquable de la caméra subjective durant un plan séquence particulièrement audacieux pour l’époque :

Délire surréaliste dans THE BIG MOUTH : A chaque fois qu’ils aperçoivent Jerry (sosie d’un criminel qu’ils croyaient avoir assassiné), les truands tombent en état de choc !

Le premier (dans l'extrait du bateau, plus haut), puis le deuxieme ici :

(Buddy Lester) :

Et le troisième (Charlie Callas, doublé ici par le comédien français Michel Roux) :

Ma séquence favorite (Lewis et Buddy Lester dans THE LADIES MAN) : On se demande combien de fois ils ont dû reprendre la scène avant de pouffer de rire :

“A guy going nuts for two hours …” (The Nutty Professor)

The Bellboy :

DAUGHTERS OF DARKNESS/LE ROUGE AUX LEVRES (1971)

2010-01-12T09:23:00.000-08:00

" Your husband dreams of making out of you what every man dreams of making out of every woman : a slave, a thing, an object of pleasure ..." Comtesse Bathory

Un film de vampire mettant en vedette l'ex-animatrice de BLA BLA BLA, ça vous dirait ? Oui oui, ça existe (si vous pouvez le trouver) et ce n'est pas mal du tout !

Synopsis : Un couple de nouveaux mariés (Danielle Ouimet et John Karlen) en voyage de noces s'arrêtent un soir au gigantesque Hôtel des Thermes d'Ostende en Belgique. En ce début d'hiver, l'hôtel est complètement désert et le couple ne compte y séjourner qu'une seule nuit, mais leurs plans changeront avec l'arrivée de la mystérieuse comtesse Elizabeth Bathory (Delphine Seyrig) et de sa superbe compagne Ilona (Andrea Rau). En quelques jours, la présence de plus en plus envahissante de la comtesse aura un effet cathartique sur les nouveaux mariés qui se découvreront chacun sous un tout autre jour ...

Historique : En plus d'être un film culte très original tant dans sa forme que dans son récit, LE ROUGE AUX LEVRES est d'un intérêt particulier pour le public québécois en raison de la présence de Danielle Ouimet, ex-actrice recyclée depuis en animatrice de talk shows de toutes sortes (dont sept ans à la barre de l'émission BLA BLA BLA). En 1971, forte du succès du film soft-porn VALÉRIE (1969) dont elle était la vedette, Ouimet se rendit à Cannes pour la presentation du film hors competition (hé oui ! VALÉRIE a été présenté au Festival de Cannes !! Autre époque ... ;) et "en l'espace de 15 minutes", comme elle le révèle dans l'entrevue faisant partie des extras du DVD, elle fut engagée par le producteur du film LE ROUGE AUX LEVRES qui demeure, selon elle, "le meilleur film dans lequel elle ait jamais joué. » On la croit sur parole, quand on regarde les autres titres faisant partie de sa courte filmographie (ex : L'INITIATION (1970), Y A TOUJOURS MOYEN DE MOYENNER (1973), ...). Compte tenu qu'elle en était à ses débuts à l'époque du ROUGE AUX LEVRES et qu'elle jouait en ANGLAIS en présence d'acteurs beaucoup plus chevronnés, on peut dire qu'elle s'en tire très bien. Ouimet dit beaucoup de bien en entrevue de Delphine Seyrig qui, apparemment, l'a protégé plus d'une fois du tempérament excessif du réalisateur Harry Kumel.

Ce dernier fait preuve à la réalisation d'un grand sens visuel, aidé en cela par les superbes images du directeur photo Eduard Van Der Enden. Ils ont su exploiter au maximum le potentiel terrifiant de l'Hôtel des Thermes qui, après l'hôtel Overlook du SHINING, est probablement l'hôtel le plus sinistre jamais filmé. Kumel était un grand admirateur de Joseph Von Sternberg et il lui rend un peu hommage en filmant Delphine Seyrig de la même façon que Sternberg filmait Marlene Dietrich à l'époque (ex : la première apparition de Seyrig sortant de sa limousine et où elle est éclairée de sorte que l'on ne voie que sa bouche, ses yeux demeurant dans l'obscurité, sans parler des nombreux plans où elle est filmée en flou, etc.). Il est étonnant qu'un réalisateur aussi talentueux que Kumel n'ait pas connu une plus grande carrière, tellement son style semble avoir influencé plusieurs autres cinéastes. Par exemple, Kumel innove dans DAUGHTERS OF DARKNESS en ayant plusieurs fois recours au fondu au rouge, choix très inhabituel qui sera repris par Bergman dans son CRIS ET CHUCHOTEMENTS un an plus tard. Et la séquence tournée à Bruges durant laquelle Stefan et Valérie aperçoivent des ambulanciers transportant le cadavre d'une jeune fille assassinée rappelle énormément une séquence semblable tournée à Venise par Nicolas Roeg dans DON'T LOOK NOW trois ans plus tard. Kumel et son scénariste Pierre Drouot renouvellent le genre en limitant les effets gore (pourtant très populaires à l'époque dans les films d'horreur de la Hammer Films) et en mettant plutôt l'accent sur l'ambiance, qui, à mesure que le film progresse, devient de plus en plus perverse, le jeune marié se révélant être une brute sadique et infidèle dont l'épouse s'affranchira tranquillement, pour être ensuite facilement séduite par la comtesse (sous-thème legerement féministe ici). Le rythme plutôt lent du film fait en sorte que les scènes de violence soudaine ont un impact accru auprès du spectateur (i.e. scène où le mari bat sa femme à coups de ceinture, scène où celui-ci attire sous la douche une vampire qui craint l'eau courante, etc.).

Ajoutons aux nombreuses qualités du film la performance exceptionnelle de Delphine Seyrig (qui, à l'origine, ne voulait pas jouer dans le film mais en fut convaincue par son mari Alain Resnais) en comtesse vampire à la voix rauque tout droit sortie des années 30s (et bénéficiant d'une garde-robe d'époque bien fournie), l'excellente trame sonore de François de Roubaix, et le plan final, qui réussit à rendre un effet propre aux toiles du peintre Magritte : une scène nocturne qui, après un léger panoramique vers le haut, révèle une lumière diurne ...

Bande-annonce de DAUGHTERS OF DARKNESS :

Film culte (pour moi) car il me surprend par sa grande invention visuelle, en particulier dans le choix des couleurs, le rouge étant, bien sûr, le leitmotiv du film. En fait, LE ROUGE AUX LEVRES/DAUGHTERS OF DARKNESS fait partie de la liste des films cultes du livre CULT MOVIES 2 de Danny Peary - Volume 2 (ici).

LA POMME, LA QUEUE ET LES PEPINS (1974) ou "l'exploitation d'érotisme"

2009-12-26T08:00:00.000-08:00

Les années 70s nous ont donné un grand nombre de comédies psychotroniques mal foutues caractérisées par « l’exploitation d’érotisme” (comme on pouvait le lire dans le TV Hebdo) et l’humour grivois. Les italiens nous ont ainsi offert la série de films de la Toubib (LA TOUBIB AUX GRANDES MANŒUVRES (1978), d’une amusante vulgarité - voir ici et l'extrait ci-dessous), et les français, eux, nous ont donné la série des films de MON CURÉ (MON CURÉ CHEZ LES THAILANDAISES, MON CURÉ CHEZ LES NUDISTES) - (Voir a ce sujet l'excellent site nanarland, ici). Mais le Québec n’est pas en reste ! Un homme ici a réussi, à lui seul, à donner au cinéma québécois ses œuvres “comiques” les plus vulgaires, les plus aberrantes de mauvais goût, et cet homme s’appelle Claude Fournier.

Dans un Québec en pleine révolution tranquille et sexuelle, Fournier a eu l'idée d’exploiter le filon en offrant au bon peuple ce que la religion catholique lui interdisait depuis trop longtemps : du sexe !! C’est probablement la seule raison qui explique l’étonnante popularité de ces navets aux scénarios débiles (et techniquement horribles) que sont LES DEUX FEMMES EN OR (1970), LES CHATS BOTTÉS (1971) et LA POMME, LA QUEUE ET LES PÉPINS (1974). Tous sont devenus des films cultes depuis (les deux derniers étant particulièrement difficiles à dénicher même dans les clubs vidéos les plus spécialisés).

Au fil des années, de nouvelles générations de jeunes cinéphiles québécois se sont approprié des extraits de ces petits chefs-d’œuvre pour les faire connaître à un nouveau public. Au début des années 90s, alors que le phénomène du Scratch-Vidéo (montage d’extraits de films et d’émissions de TV, voir ici) prenait de l’ampleur à Montréal, des soirées Scratch-Vidéo organisées dans des bars de Montréal par le collectif de Scratch-vidéastes NOS AMIS LA TV (qui comprenait Patrick Masbourian, André Lavoie (maintenant réalisateur de l’émission INFOMAN), Jean-François Boucher, François Chicoine et Dany Lavoie) ont permis la présentation publique de scratch-vidéos comportant de nombreux extraits du film culte LA POMME, LA QUEUE ET LES PÉPINS. Encore aujourd’hui, alors que le phénomène Scratch-Vidéo a été remplacé par les soirées TOTAL CRAP au Club Soda (organisées par Simon Lacroix et Pascal Pilote, voir ici), les montages qui y sont présentés rendent souvent hommage à ce classique du cinéma psychotronique québécois (un peu comme on le fait avec la version québécoise du film culte SLAP SHOT/LANCER FRAPPÉ). Plus récemment, dans le cadre de l’émission ICI LOUIS-JOSÉ HOUDE, Louis-José Houde a rendu hommage au film LA POMME, LA QUEUE ET LES PÉPINS en en diffusant des extraits juteux devant un public médusé.

Aux malheureux qui ne connaissent toujours pas ce monument de notre cinématographie nationale dans lequel on retrouve des comediens aussi connus que Janine Sutto, Gaetan Labreche, Rene Caron, Paul Buissonneau, etc., j’offre les extraits suivants (précisons que l'"histoire" du film, dans la mesure ou on peut appeler cela une histoire, tourne autour des difficultés érectiles du personnage appelé Martial (Donald Lautrec) :

Ti-Bé (Roméo Pérusse) et Adrienne (Janine Sutto) discutent du problème de Martial :

Compte tenu de la mauvaise qualite sonore du film (et pour le benefice de nos amis francais qui auraient de la difficulte avec l'accent quebecois), je retranscris ici les phrases cultes des differents extraits :

- Maudites bines qui veulent pas descendre ! C’est drôle, les nouvelles bines sont paquetées la tête en bas. Tu pètes pas, tu rotes avec ça. ... Y’est gras c’ui-là !

- Les bines, les cretons, la tête en fromage, c'est encore sauvage. Avec quoi tu penses qu’on fait peur aux anglais depuis 300 ans ??

*****************

Maurice (Réal Béland) en a long à dire sur le télé québécoise. Il en parle avec sa femme (Thérèse Morange) :

- Moi j'donnerais 100$ par mois pour avoir un cable qui nous montrerait rien que du cul ... du monde qui fourre, des plottes !
Pas ces ostis de tapettes là !

- St-Joseph !! Pognes-toi au moins un saint qu’y a une queue ! Pas un gars qui fait faire ça par les oiseaux ! J’pense que lui y était meilleur sur le rabot que su’a drille !

*************

Réal Béland et Roméo Pérusse se défoulent en jouant au billard. La serveuse en tenue légère n’est nulle autre que Francine Grimaldi !!

- Le Bell y m'font assez lever avec leur ciboire de tarif de nuit ! Qui c’est qui se sert du téléphone après minuit ?? C'est rien que les ostis de drogués, les call-girls pis les maniaques qui cherchent d'la peau.

- Si ça mettait moins avant de se marier, tabarnak, ça se mettrait peut-être plus après !

- T’as mauvaise haleine ! J’pense que tu manges d’la marde en cachette !!

EN BONUS : Pour les nostalgiques des comédies italiennes présentées jadis à l'antenne de la légendaire station CKTM - 13 de Trois-Rivières, voici l'inoubliable scène de flatulence du classique LA TOUBIB AUX GRANDES MANOEUVRES (le délire débute à 2:15) :

LE CULTE DU DIRECTEUR PHOTO EN GENERAL, ET DE CONRAD HALL EN PARTICULIER

2009-12-15T19:51:00.000-08:00

Il fut un temps où, à l'exception des gens oeuvrant dans l'industrie du cinéma et des cinéphiles les plus avertis, peu de gens portaient attention aux noms de techniciens (directeurs photo, monteurs, etc.) défilant au générique d'ouverture des films. Mais depuis la révolution DVD, l'ajout de suppléments de toutes sortes (entrevues avec les techniciens, commentaires du réalisateur et autres "making of ") a permis à bon nombre d'artisans de l'industrie de sortir de l'ombre et de voir leur contribution enfin reconnue à leur juste valeur (et autrement que par une hypothétique nomination aux oscars).

Certains techniciens et artisans ont même ainsi atteint le statut de super star dans leur domaine respectif (Tom Savini pour les effets spéciaux gore des films de zombie à la DAWN OF THE DEAD, la monteuse Thelma Schoonmaker pour son association avec Martin Scorsese, etc). Depuis une vingtaine d'années, les directeurs photos ont bénéficié de cet engouement, jusqu'à voir un magazine américain leur être entièrement consacré (l'excellent (mais très technique) AMERICAN CINEMATOGRAPHER). Au fil des années, on y a tracé le portrait des "maîtres de la lumière" que sont Gordon Willis (directeur photo du PARRAIN et fidèle collaborateur de Woody Allen), Vittorio Storaro (APOCALYPSE NOW), Roger Deakins (FARGO, NO COUNTRY FOR OLD MEN), etc. En 1992, un excellent documentaire (VISIONS OF LIGHT) leur a même été consacré.

Pas surprenant, donc, de constater que certains directeurs photos font l'objet d'un véritable culte auprès des cinéphiles. C'est le cas du légendaire Conrad L. Hall, qui s'est particulièrement illustré par son perfectionnisme et son audace, repoussant constamment les conventions afin de révolutionner la façon de raconter une histoire et de mettre en image la vision du réalisateur.

CONRAD HALL (1926 - 2003)

"Sometimes I would dare Conrad Hall to try something unconventional. He would ALWAYS do it !" (Parfois je mettais Conrad Hall au défi d'essayer quelque chose de non conventionnel. Il le faisait TOUJOURS !) Gerd Oswald (Realisateur - The Outer Limits)

Fils de James Horman Hall (ex-pilote durant la Première Guerre mondiale qui allait ensuite écrire le classique roman MUTINY ON THE BOUNTY adapté au cinéma en 1962 et sur lequel son fils Conrad travailla comme caméraman), Conrad Hall connut une enfance idyllique à Tahiti, où s'étaient installés ses parents. Des années plus tard, il fréquenta l'University of South California, d'abord en journalisme, puis en cinéma. Diplôme en main mais sans emploi, il fonda avec deux autres diplômés une petite compagnie de production et, pour leur premier film, ils choisirent de laisser au hasard le soin de décider qui serait réalisateur, producteur et caméraman en écrivant ces mots sur trois papiers qu'ils déposèrent dans un chapeau. Hall tira du chapeau le papier sur lequel était écrit "caméraman », et, comme on dit en anglais ... the rest is history !

Au cours d'une carrière échelonnée sur plus de 40 ans (dont dix années sabbatiques (1977 à 1987) durant lesquelles Hall fit fortune en tournant des commerciaux avec son collègue Haskell Wexler), le génie de Hall fut récompensé par trois oscars (BUTCH CASSIDY AND THE SUNDANCE KID (1969), AMERICAN BEAUTY (2000)et un oscar posthume pour ROAD TO PERDITION (2003) et sept nominations (IN COLD BLOOD, THE PROFESSIONALS, SEARCHING FOR BOBBY FISHER, MARATHON MAN, DAY OF THE LOCUST, MORITURI, TEQUILA SUNRISE). Durant sa carrière, Hall se distingua par son audace et son enthousiasme contagieux, se montrant toujours prêt à expérimenter des techniques rarement utilisées auparavant (scènes entièrement tournées au téléobjectif dans ELECTRA GLIDE IN BLUE (1973), utilisation de la lumière ambiante et sous exposition dans les scènes de bar du sous-estimé FAT CITY (1972) de John Houston, scène entièrement visuelle de l'assassinat de Paul Newman tournée le soir et sous la pluie battante dans ROAD TO PERDITION) (2003), en cherchant à chaque fois "l'accident magique », i.e. l'élément visuel additionnel (et parfois accidentel, puisque Hall aimait bien improviser avec ce qui se présentait devant lui) qui augmentera l'impact d'une scène, comme le plan célèbre des "larmes" reflétées sur le visage de Robert Blake dans IN COLD BLOOD (voir extrait ci-dessous).

Les "larmes" de Robert Blake dans IN COLD BLOOD (1967) - (a partir de 1:12) :

Dans le documentaire VISIONS OF LIGHT (1993), Conrad Hall raconte la conception de cette image inoubliable (a partir de 3:10)

Pour le film FAT CITY (1972), Conrad Hall, qui désirait donner au film un look hyper réaliste, choisit d'utiliser le plus souvent possible la lumière ambiante et filma à leur insu des non acteurs (dans la séquence d'ouverture ci-dessous), histoire de capturer des images bien réelles "... of life going down the drain" (la grande misère), ce qui est le thème du film

Dans l'épisode THE FORMS OF THINGS UNKNOWN de la série THE OUTER LIMITS, le réalisateur allemand Gerd Oswald et Conrad Hall nous en mettent plein la vue en matière de délire visuel expressionniste (dont un plan très "Bergmanien" à 1:51):

FILMOGRAPHIE SELECTIVE DE CONRAD HALL :

- Episodes de la serie THE OUTER LIMITS (AU-DELA DU REEL) (1964)
- MORITURI (1965)
- INCUBUS (1966)
- COOL HAND LUKE (1967)
- HELL IN THE PACIFIC (1968)
- TELL THEM WILLIE BOY IS HERE (1969)
- BUTCH CASSIDY AND THE SUNDANCE KID (1969)
- FAT CITY (1972)
- ELECTRA GLIDE IN BLUE (1973)
- THE DAY OF THE LOCUST (1975)
- MARATHON MAN (1976)
- BLACK WIDOW (1987)
- TEQUILA SUNRISE (1988)
- CLASS ACTION (1991)
- JENNIFER EIGHT (1992)
- IN SEARCH OF BOBBY FISHER (1993)
- LOVE AFFAIR (1994)
- A CIVIL ACTION (1998)
- AMERICAN BEAUTY (1999)
- ROAD TO PERDITION (2003)

COME AND SEE (1985)

2009-11-16T19:13:00.000-08:00

Il y a les films de guerre d'Hollywood, et puis il y a ce chef-d'oeuvre inoubliable qu'est COME AND SEE, réalisé par le cinéaste russe Elem Klimov.

Projet longtemps retardé (censure soviétique oblige), puis enfin réalisé en pleine periode de GLASTNOST, COME AND SEE est un film coup de poing que tout cinéphile se doit de voir une fois dans sa vie. Le film relate les horreurs commises par les nazis en biélorussie vers la fin de la Deuxième Guerre mondiale. Tout le récit est axé sur les expériences vécues par Fliora (performance stupéfiante d'Aleksei Kravchenko), jeune résistant russe d'à peine 16 ans qui sera complètement anéanti par ce dont il sera témoin ...

En entrevue sur le matériel bonus de l'excellent DVD de Kino Video, Klimov raconte qu'il tenait à faire un film qui serait à la fois hyper-realiste et teinté de touches poétiques. Projet audacieux, casse-gueule même, mais parfaitement réussi. Les nombreux (et parfois époustouflants !) plans séquences tournés en steadycam donnent effectivement au film un cachet de "cinéma vérité" rendant certaines séquences quasi-insupportables (voir la séquence de la grange en feu, ci-dessous). Heureusement, entre les passages horrifiants, Klimov prend le temps de poser sa caméra sur les visages innocents de Fliora et de son amie Glasha, sur une cigogne qui déambule de facon incongrue en pleine forêt, sur une vache victime de balles perdues, etc.

Un film à voir absolument (bien qu'il soit difficile à trouver.) Voir chez KINO VIDEO)

Gros plans de Glasha et Fliora (vers 7:30) dans des compositions rappelant beaucoup Kubrick :

et, toujours dans l'extrait ci-dessus, superbe utilisation de la bande sonore pour illustrer le choc du bombardement (vers 12:53).

Plan séquence d'une redoutable efficacité dans l'extrait ci-dessous ! Regardez bien les images à partir de 5:25 : Glasha court, regarde derrière elle et, en quelques secondes, réalise ce qui s'est produit ... L'horreur suggérée à la dérobée ... prouvant une fois de plus que, bien souvent au cinema, LESS IS MORE ...

Suit le plan surréaliste (à 6:30, ci-dessus) où Fliora et Glasha pataugent dans les marécages pendant ce qui semble être une éternité ... tandis que la bande sonore explose en une déroutante cacophonie.

Séquence de la grange (âmes sensibles s'abstenir) :

Film culte (pour moi) car je ne peux pas oublier l'impact initial de ce film que j'ai découvert par hasard lors de sa projection à l'antenne de ce qui s'appelait a l'époque Radio-Québec. Le film était en fait déjà commencé, et je suis tombé sur la séquence du bombardement. "Mais qu'est-ce que c'est que ce film GÉNIAL ? " me suis-je dit alors, visionnant le reste avec stupeur, rivé devant mon téléviseur ...

LISTE DES FILMS CULTES

2009-11-07T09:28:00.000-08:00

La liste des films cultes faisant partie des volumes 1, 2 et 3 des livres CULT MOVIES de DANNY PEARY se trouve ici.

CULT MOVIES 1 (1981)

Aguirre, the Wrath of God (1972)
All About Eve (1950)
Andy Warhol’s Bad / Bad (1977)
Badlands (1974)
Beauty and the Beast (1946)
Bedtime for Bonzo (1951)
Behind the Green Door (1972)
Beyond the Valley of the Dolls (1970)
Billy Jack (1971)
Black Sunday (1960)
Brood, The (1979)
Burn! (1970)
Cage aux Folles, La (1979)
Caged Heat (1974)
Casablanca (1942)
Citizen Kane (1941)
Conqueror Worm, The / Witchfinder General, The (1968)
Dance, Girl, Dance (1940)
Deep End (1971)
Detour (1946)
Duck Soup (1933)
El Topo (1971)
Emmanuelle (1974)
Enter the Dragon (1973)
Eraserhead (1978)
Fantasia (1940)
Forbidden Planet (1956)
Force of Evil (1948)
42nd Street (1933)
Freaks (1932)
Girl Can’t Help It, The (1956)
Greetings (1968)
Gun Crazy / Deadly is the Female (1949)
Halloween (1978)
Hard Day’s Night, A (1964)
Harder They Come, The (1973)
Harold and Maude (1971)
Honeymoon Killers, The (1970)
House of Wax (1953)
I Married a Monster from Outer Space (1958)
I Walked With a Zombie (1943)
Invasion of the Body Snatchers (1956)
It’s a Gift (1934)
It’s a Wonderful Life (1946)
Jason and the Argonauts (1963)
Johnny Guitar (1954)
Killing, The (1956)
King Kong (1933)
King of Hearts (1967)
Kiss Me Deadly (1955)
Land of the Pharaohs (1955)
Laura (1944)
Little Shop of Horrors, The (1960)
Lola Montés / Sins of Lola Montés, The (1955) (1955)
Long Goodbye, The (1973)
Mad Max (1979)
Maltese Falcon, The (1941)
Man of the West (1958)
Night of the Living Dead (1968)
Nutty Professor, The (1963)
Once Upon a Time in the West (1969)
Out of the Past (1947)
Outrageous! (1977)
Pandora’s Box / Lulu (1929)
Peeping Tom (1960)
Performance (1970)
Petulia (1968)
Pink Flamingos (1973)
Plan 9 from Outer Space (1956)
Pretty Poison (1968)
Producers, The (1968)
Rain People, The (1969)
Rebel Without a Cause (1955)
Red Shoes, The (1948)
Reefer Madness / Tell Your Children / Burning Question, The / Dope Addict / Doped Youth / Love Madness (1936)
Rio Bravo (1959)
Rock ‘N Roll High School (1979)
Rocky Horror Picture Show, The (1975)
Scarlet Empress, The (1934)
Searchers, The (1956)
Shock Corridor (1963)
Shooting, The (1967)
Singin’ in the Rain (1952)
Sunset Boulevard (1950)
Sylvia Scarlett (1936)
Tall T, The (1957)
Targets (1968)
Tarzan and His Mate (1934)
Texas Chain Saw Massacre, The (1974)
Top Hat (1935)
Trash (1970)
Two For the Road (1967)
Two-Lane Blacktop (1971)
2001: A Space Odyssey (1968)
Up in Smoke (1978)
Vertigo (1958)
Warriors, The (1979)
Where’s Poppa? (1970)
Wild Bunch, The (1969)
Wizard of Oz, The (1939)

CULT MOVIES 2 (1983)

Altered States (1980)
American Friend, The (1977)
Barbarella (1968)
Basket Case (1982)
Beat the Devil (1954)
Bedazzled (1967)
Big Heat, The (1953)
Blood Feast (1963)
Blood Money (1933)
Boy and His Dog, A (1975)
Breathless (1960)
Bride of Frankenstein, The (1935)
Children of Paradise (1954)
Clockwork Orange, A (1971)
Cutter’s Way (1981)
Dark Star (1975)
Daughters of Darkness (1971)
First Nudie Musical, The (1976)
Godzilla, King of the Monsters (1956)
Great Texas Dynamite Chase, The (1977)
High School Confidential (1958)
His Girl Friday (1940)
Last Tango in Paris (1973)
Man Who Fell to Earth, The (1976)
Marnie (1964)
Massacre at Central High (1976)
Mommie Dearest (1981)
Monty Python and the Holy Grail (1974)
Morgan! / Morgan (A Suitable Case for Treatment) (1966)
Ms. 45 / Angel of Vengeance (1981)
My Darling Clementine (1946)
Night of the Demon / Curse of the Demon (1957)
Nightmare Alley (1947)
Parallax View, The (1974)
Phantom of the Paradise (1974)
Picnic at Hanging Rock (1975)
Pretty Baby (1978)
Quadrophenia (1979)
Salt of the Earth (1954)
Seventh Seal, The (1956)
Some Like it Hot (1959)
Sullivan’s Travels (1941)
Taxi Driver (1976)
To Be or Not To Be (1942)
Vanishing Point (1971)
White Heat (1949)
Wicker Man, The (1973)
Willy Wonka and the Chocolate Factory (1971)
Wuthering Heights (1939)
Zardoz (1974)

CULT MOVIES 3 (1988)

American Werewolf in London, An (1981)
Annie Hall (1977)
Black Cat, The (1934)
Blade Runner (1982)
Blue Velvet (1986)
Body Heat (1981)
Cabinet of Dr. Caligari, The (1920)
Café Flesh (1982)
Chilly Scenes of Winter (1982)
Choose Me (1984)
Diva (1982)
Dr. Strangelove or How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb (1964)
Easy Rider (1969)
Faster, Pussycat! Kill! Kill! (1966)
Five Million Years to Earth (1968)
Gentlemen Prefer Blondes (1953)
Glen or Glenda / I Led Two Lives / I Changed My Sex / He or She (1953)
Gods Must Be Crazy, The (1980)
Imitation of Life (1959)
In a Lonely Place (1950)
It’s a Mad, Mad, Mad, Mad World (1963)
Liquid Sky (1983)
Martin (1978)
Miracle on 34th Street (1947)
Monsieur Verdoux (1947)
Naked Kiss, The (1964)
Napoleon (1927)
New York, New York (1977)
Night of the Hunter (1955)
Now, Voyager (1942)
Olvidados, Los (1950)
On Her Majesty’s Secret Service (1969)
One-Eyed Jacks (1961)
Over the Edge (1979)
Psycho (1960)
Quiet Man, The (1952)
Ride the High Country (1962)
Road Warrior, The (1981)
Seconds (1966)
Sons of the Desert (1933)
Star is Born, A (1954)
Stunt Man, The (1980)
Terminator, The (1984)
That Hamilton Woman (1941)
Thief of Bagdad, The (1940)
Thing from Another World, The (1951)
Touch of Evil (1958)
Walkabout (1971)
Wanderers, The (1979)
Where the Boys Are (1960)

A la fin du premier volume paru en 1981, Peary, ne sachant pas encore s'il allait en publier un autre, ajouta une liste de titres de films cultes non mentionnés dans le premier volume. Certains de ces titres furent par la suite inclus dans les volumes 2 et 3, mais pas tous. Voici donc d'autres titres de films cultes dignes d'interêt (Les titres en caractere gras sont ceux que je recommande personnellement):

THE ADVENTURES OF ROBIN HOOD (1938), TOMMY (1975), IF (1968), PUTNEY SWOPE (1969), RAW MEAT (1973), IN THE REALM OF THE SENSES (1976), THE LAST WAVE (1977), RICHARD PRYOR LIVE IN CONCERT (1979), STARDUST (1975), PAYDAY (1973), JACKSON COUNTY JAIL (1976), CISKO PIKE (1972), MAD LOVE (1935), SWEET SWEETBACK BAADASSSSSS SONG (1971), GATES OF HEAVEN (1978), FRITZ THE CAT (1972), JOANNA (1968), GANJA AND HESS (??), RUDE BOY (1980), THE KILLING OF A CHINESE BOOKIE (1976), THE LAST WALTZ (1978), RETURN OF THE SECAUCUS SEVEN (1980), THE HIRED HAND (1971), COMMUNION/ALICE SWEET ALICE (1977), FELLINI SATYRICON (1970), THE 5000 FINGERS OF DR.T (1953), MAITRESSE (1976), FOXES (1980), DRIVE HE SAID (1972), OUT OF IT (1969), THE ATTACK OF THE GIANT LEECHES (??), ATTACK OF THE KILLER TOMATOES, SEXTETTE (1978), THE SILENT PARTNER (1978), HEAD (1968), RANCHO DELUXE (1975), WINTER KILLS (1979), UNDERGROUND USA (1980), THE POM POM GIRLS (1976), THE VELVET VAMPIRE (1971), MACON COUNTY LINE (1974), ALIEN (1979), THE DUELLISTS (1977), WRITTEN ON THE WIND (1956), THE TENANT (1976), POINT BLANK (1967).

Le dernier livre (CULT MOVIES 3) etant paru en 1988, Peary a publie plus tard sur l'Internet cette nouvelle liste de films ayant atteint le statut de films cultes :

Akira,
An Affair to Remember
L'Age D'Or
Airplane!
Algiers
All That Jazz
Alphaville
American Graffiti
Badlands
Belle de Jour
The Big Chill
Black Narcissus
Blazing Saddles
The Blob
Blood Simple
Blow-Up
The Blues Brothers
Bonnie and Clyde
Bound
Brazil
Caddyshack
Caligula
Carnival of Souls
Celine and Julie Go Boating
Chasing Amy
Chungking Express
Clerks
Crash (1996)
The Crow
The Day the Earth Stood Still
Death Watch
Deep Red
Deep Throat
Diner
Dirty Dancing
Dirty Harry
D.O.A.
Drugstore Cowboy
Ed Wood
The Enchanted Cottage
The Evil Dead
Exotica
A Face in the Crowd
Fast Times At Ridgemont High
Fellini Satyricon
Femme Fatale
La Femme Nikita
Field of Dreams
A Fistful of Dollars
Five Easy Pieces
The Fly
Foxy Brown
Friday the 13th
The Good, the Bad, and the Ugly
The Graduate
Grease
Heathers
Hellraiser
Henry & June
Henry: Portrait of a Serial Killer
Highlander
Hoop Dreams
The Kentucky Fried Movie
Kiss of Death
Koyaanisqatsi
The Last Seduction
Like Water For Chocolate
Local Hero
Lolita
Lord Love a Duck
Love and Human Remains
Mean Streets
Metropolis
Mildred Pierce
Nashville
National Lampoon's Animal House
Natural Born Killers
Nuightmare on Elm Street
9 1/2 Weeks
Old Yeller
Paths of Glory
The Piano
Pink Floyd - The Wall
The Postman
Psycho Sisters
Pulp Fiction
Putney Swope
Raising Arizona
The Rapture
Red Rock West
Repo Man
Repulsion
Reservoir Dogs
Risky Business
Safe
Salvador
Saturday Night Fever
Scarface
Scream
Seven
sex, lies, and videotape
Shack Out on 101
Shaft
The Shanghai Gesture
She's Gotta Have It
The Shining
Showgirls
Sid and Nancy
Slacker
Smoke
Somewhere in Time
Splendor in the Grass
The Stepfather
Supercop
The Sweet Smell of Success
Sweetie
Swingers
Tampopo
The Tarnished Angels
Thelma & Louise
Them!
The Thin Blue Line
The Third Man
This is Spinal Tap
The Toxic Avenger
Trainspotting
Trust
The Ubearable Lightness of Being
Underground
Videodrome
Viva Las Vegas
The Wedding Banquet
Whatever Happened to Baby Jane?
The Wild Angels
Winchester '73
Wings of Desire
Women on the Verge of a Nervous Breakdown
Woodstock
WR- Mysteries of the Organism
Zentropa

KISS ME DEADLY (1955)

2009-11-06T04:32:00.000-08:00

Vous croyez que la Nouvelle Vague a débuté en France ? C’est certes le nom que l’on donna à ce regroupement de jeunes cinéastes français (Truffaut, Godard, Rohmer, etc.), ex-critiques de la revue Les Cahiers du Cinéma , qui donnerent un souffle nouveau au cinéma français du début des années 60, MAIS eux-mêmes avaient été influencés par l’audace d’une nouvelle génération de cinéastes américains indépendants qui, depuis quelques années, étaient déjà en train de révolutionner la façon de raconter une histoire. On pense à des réalisateurs comme Orson Welles, Nicholas Ray, Samuel Fuller et Robert Aldrich. Ce dernier réalisa en 1955 le classique film noir KISS ME DEADLY, inspiré du roman de Mickey Spillane.

Synopsis : Le détective Mike Hammer (Ralph Meeker) roule seul la nuit au volant de sa décapotable. Soudain, une femme vêtue d’un imperméable (Cloris Leachman) se jette devant sa voiture. Il la fait monter et, à bout de souffle, elle lui avoue qu’elle est poursuivie par de dangereux individus. Hammer la prend pour une cinglée, mais ils sont effectivement rattrapés par un groupe d’hommes qui les kidnappent et les torturent. Hammer en réchappe et commence alors sa propre enquête sur cette histoire aux ramifications insoupçonnables. Le récit, mené en quatrième vitesse, se termine dans une finale apocalyptique (voir extrait ci-dessous) aussi inattendue que spectaculaire !

Points forts : On peut très bien comprendre comment ce film a pu influencer les futurs cinéastes de la Nouvelle Vague (et, plus tard, Tarantino) : Aldrich s’amuse constamment à déjouer le spectateur en faisant éclater la plupart des conventions narratives Hollywoodiennes et ce, dès le générique d’ouverture, qui se déroule À L’ENVERS (!) tandis que l’on entend sur la trame sonore les halètements de Cloris Leachman à bout de souffle. Et ce n’est que le début ! L’intrigue est par la suite rondement menée et Aldrich innove a grands coups de plans sequences, de jump-cuts, de dialogues crus et en mettant en vedette un protagoniste incroyablement sadique et antipathique qui n’hésite pas à avoir recours à la violence gratuite pour obtenir ce qu’il veut (Il faut le voir prendre un plaisir sadique a fermer un tiroir sur les doigts du malheureux Dr Soberin !). Bizarrement, on s’attache quand même à lui, car les individus qu’il violente ne valent guère mieux que lui.

Film culte (pour moi) parce que j’aime un film qui me surprend par son audace, et celui-là réussit à tout coup ! Et comment oublier l’impact de cette délirante finale apocalyptique vue pour la première fois dans un cinéma répertoire de Montréal (l'ancien CINEMA V) ! Les spectateurs, bouche bée, ne s’y attendaient tellement pas (surtout pour un film de cette époque).

Anecdote : Pour des raisons obscures, le film avait fait l’objet de censure à l’époque et la fameuse scène finale avait été remontée pour la raccourcir un peu. Ainsi montée, la scène donne malheureusement l’impression que Hammer meurt dans l’explosion et offre au spectateur une finale extrêmement abrupte (La légende urbaine veut que c’est cette finale remontée que Godard aurait vue en Europe et que cette soudaine compression du temps lui aurait donné l’idée du «Jump Cut» dont il devint un fervent adepte !)Lire autres details ici

Voici la finale originale complète (Remarquez l’idée de la Boîte de Pandore, reprise par Tarantino dans PULP FICTION (i.e. La valise au contenu incandescent de Travolta !)

Et voici la version remontée (plus courte) :

Et la sequence d'ouverture :

Citation : Hammer a la femme qui se jette devant sa voiture :
" You almost wrecked my car ! Well, get in !"

L'ODYSSEE (1968)

2009-10-16T09:16:00.000-07:00

Ce qui est GÉNIAL avec l’Internet et ses sous-produits (Youtube, Google, les Torrents, etc.) c’est qu’ils donnent accès à une mine d’informations auparavant inaccessibles (quel cinéphile n’a pas passé des HEURES sur l’étourdissant site Internet Movie Database www.imbd.com ?) et qu’ils permettent enfin d’avoir accès à des films obscurs qu’on ne trouve pas dans les clubs vidéos (via les torrents). YOUTUBE, entre autres, m’a permis de me taper de méchantes soirées nostalgiques à saveur psychotronique en revoyant des extraits de vieilles séries télé que seuls les gens de ma génération (40 ans et plus) ont pu visionner lors de leur diffusion originale (Ex: LE BARON, AMICALEMENT VOTRE, L'AVENTURIER, etc) Etrange sensation de voyage dans le temps ! Récemment, j’ai eu la curiosité de vérifier si je ne retrouverais pas sur Youtube des extraits de la fabuleuse mini-série L’ODYSSÉE de Franco Rossi que j’avais vue dans ma jeunesse lors de sa présentation à Radio-Canada dans les années 70s. Quelle ne fut pas ma surprise de constater qu'elle s'y trouvait effectivement et ce, non seulement en français, mais également en italien et en allemand (!), ce qui me prouvait que l’ODYSSÉE venait enfin de paraître en DVD en Europe. Après tant d’années, j’allais pouvoir la revoir et l’ajouter à ma collection grace aux torrents.

L’ODYSSÉE (1968) - AVANTURE ODISEJA - LE AVVENTURE DI ULISSE

Synopsis : La série l’ODYSSÉE raconte en huit épisodes les célèbres aventures d’Ulysse, roi d’Ithaque (Bekim Fehmiu), qui quitta sa patrie pour participer à la guerre de Troie (La ruse du cheval de Troie, c’est lui !) et qui mit près de 20 ans à retrouver sa terre natale, où l’attendaient sa femme Pénélope (Irene Papas) et son fils Télémaque. Mais le chemin du retour est parsemé d’obstacles, et Ulysse doit combattre Circé la magicienne, Éol le Dieu du vent et Polyphème le Cyclope avant de retourner chez-lui et d’affronter les nombreux prétendants au trône.

Historique : La série L’ODYSSÉE était une coproduction italienne-française-allemande et yougoslave, ce qui explique sa distribution internationale, parmi laquelle on retrouve une très jeune Barbara Bach (future Bond-Girl de THE SPY WHO LOVED ME) dans le rôle de Nausicaa. La série fut tournée sur les lieux mêmes mentionnés dans l’Odyssée d’Homère (mer méditerranée et côtes de l'ex-Yougoslavie) et ces paysages désertiques et rocailleux donnent à l’ensemble de l’œuvre un aspect austère et dépouillé (a la Pasolini), reflétant très bien ce que devait être la vie à cette époque (on est loin du côté pompeux des productions hollywoodiennes du même genre). La réalisation est constamment captivante et inventive, en particulier dans la façon de faire intervenir les diverses divinités que l’on ne voit jamais mais dont on sent constamment la présence (la Déesse Athéna, par exemple, prend tour à tour la forme humaine d’un berger, ou celle d’une voix éthérée qui envahit les rêves d’Ulysse ou de Nausicaa). On a aussi eu la bonne idée de faire intervenir les chœurs grecs de l’œuvre d’Homère qui, de temps à autres (surtout dans le dernier épisode) apparaissent à l’écran pour commenter l’intrigue, sans que cela ne semble trop incongru. De plus, le Ulysse de cette serie, loin de correspondre au cliché des héros musclés mais pas trop brillants des Peplums de l'époque, est un personnage complexe, tour à tour rusé et impulsif, parfois leader plein d'assurance, parfois complètement paumé et à la merci de la volonté des Dieux, et qui n'est pas sans contradictions (il prétend vouloir rentrer chez-lui, mais s'attarde sept années auprès de la nymphe Calypso !).

L’ensemble de l’œuvre fut réalisée par un certain Franco Rossi, mais l’équipe de production a eu l’idée géniale de recruter les services du célèbre réalisateur Mario Bava, maître du cinéma d’horreur italien, pour réaliser l’épisode où Ulysse et ses hommes se retrouvent prisonniers de Polyphème le cyclope. Cet épisode INOUBLIABLE avait terrifié plus d’un jeune téléspectateur à l’époque (moi y compris !). Il atteint des sommets inégalés de cruauté et comporte des éléments de cinéma “gore” (le cyclope tue et dévore devant nos yeux deux compagnons d’Ulysse !), ce qui, À L'ÉPOQUE, était du jamais vu au petit écran (voir l’extrait ci-dessous), le tout accompagné d’une trame sonore terriblement efficace de Carlo Rustichelli et empreint de la facture visuelle de Mario Bava (i.e. éclairages aux couleurs primaires rouges et bleues, recours au grand angle et à la contre-plongée). Un grand moment de cinéma !

On pourrait dire la même chose du dernier épisode de la série dans lequel Ulysse retrouve Pénélope (superbe Irene Papas) et assouvit sa vengeance en tuant tous les prétendants au trône (voir ci-dessous). La finale de la série atteint des dimensions mythiques inégalées depuis … (et certainement pas par ce Soap Opera Peplum qu’est la série ROME)

Premiere rencontre entre Ulysse et Nausicaa (Barbara Bach) (Version francaise)

Ulysse vs Polypheme le Cyclope (Version italienne)

Choeurs grecs et douze haches ... (v.f.)

Finale de l'ODYSSEE : Ulysse retrouve Penelope

Generique de l'ODYSSEE :

Comment la télécharger : Vous voulez télécharger les épisodes de l’ODYSSÉE en français à partir de l’Internet ? Voici comment :

Procurez vous d’abord le programme de Torrents appelé Emule, à l’adresse ci-dessous :
(http://www.emule-project.net/home/perl/general.cgi?l=1&rm=download)
(Prenez la version 49c, c'est la plus récente).

Une fois ce programme installé, le lien direct vers l’ODYSSÉE en version Torrent est sur le site tv underground, ci-dessous :

(http://tvunderground.org.ru/index.php?show=episodes&sid=21098)

Ce site est une mine d'or pour trouver des séries complètes en plusieurs langues.

Bonne chance et bon visionnement !

INCUBUS (1965)

2009-10-06T09:16:00.000-07:00

Certains films cultes sont tellement obscurs qu'ils sont demeurés introuvables pendant de longues périodes de temps. C’est le cas du film INCUBUS (1965), film d’horreur tourné en esperanto (!) et mettant en vedette William Shatner.

Synopsis : Dans la contrée mystérieuse de Nomen Tuum, peuplée d'esprits maléfiques, la jeune succube Kia (superbe Allyson Ames) en a assez de séduire des hommes corrompus afin de les tuer et d'offrir leurs âmes au diable (Ils iront en enfer de toute façon, alors à quoi bon !). Elle tente donc de relever le défi de corrompre le noble et courageux Marc (William Shatner), mais son âme est tellement pure que c'est finalement lui qui la "corrompt" par la force de l'amour qu'il ressent pour elle et, à sa grande surprise, de l'amour qu'elle en vient à ressentir pour lui (C'est pas ce qui arrivait régulièrement au capitaine Kirk dans plusieurs épisodes de Star Trek ? ;)

Historique : Le film a été écrit et réalisé par Leslie Stevens, créateur de la série culte The Outer Limits (Au-delà du réel) (1963-1965). Il fallait être un peu fou (ou visionnaire ?) pour réaliser un film en Esperanto, langue parlée (ou comprise) par si peu de spectateurs, mais bizarrement, l’utilisation d’une langue “étrangère” donne à ce film américain tourné dans la région de Big Sur (Californie) un cachet “européen” intrigant (En fait, le noir et blanc, les nombreuses scènes tournées près de la mer, la protagoniste blonde aux allures suédoises parlant une langue étrangère, tous ces éléments donnent l’impression de visionner un vieux film de Bergman). L'intrigue, quoiqu'un peu mince, demeure captivante, en grande partie en raison de revirements complètement inattendus.

Leslie Stevens réussit à l’époque à convaincre certains artisans de la série Outer Limits a participé à son projet délirant, dont le légendaire directeur photo Conrad Hall (qui allait plus tard remporter de nombreux oscars pour son travail sur des films comme American Beauty ou Road to perdition et qui crée dans INCUBUS une ambiance onirique particulièrement envoutante) et le compositeur Dominic Frontiere (qui reprend ici les thèmes musicaux familiers de la série, dont ceux de l’épisode Nightmare). L’ensemble donne donc l’impression de regarder un épisode particulièrement tordu de la célèbre série d’anthologie (mais sans les limites imposées par la censure inhérente à la télé américaine des années 60s, ce qui permet à Stevens d’aller jusqu’au bout de son délire : INCUBUS comporte ainsi de nombreuses scènes de meurtres, un peu de nudité, des incantations démoniaques donnant vie à des créatures maléfiques et une séquence finale bizarroide où, trois ans avant Rosemary’s Baby, une femme se fait violer par un démon (prenant ici la forme d’une chèvre !! – voir ci-dessous).

Extraits :

Superbes images de Conrad Hall (en particulier la composition du plan de 0:17 a 0:34 sec)

L'hallucinante finale de INCUBUS (a partir de 2:20)

Le film INCUBUS connut un destin assez particulier : toutes les copies americaines du film furent accidentellement détruites peu de temps après sa sortie et le film fut considéré perdu à jamais, jusqu’à ce qu’on en découvre miraculeusement une copie à la Cinémathèque française de Paris au début des années 90s. Il fut alors remasterisé et est maintenant disponible en DVD (avec en bonus un commentaire de William Shatner et du directeur photo Conrad Hall).

Pour la petite histoire, sachez que le film INCUBUS semble avoir été marqué d’un mauvais sort : outre le fait que le film fut perdu pendant des années, l’acteur interprétant l’incubus (Milos Milos) assassina sa copine et se suicida peu de temps après la sortie du film, tout comme l’actrice jouant le rôle de la sœur de Marc (Ann Artmar) ! (Pour en savoir plus, lire l'excellent article "The curse of the INCUBUS" ici)

Film culte (pour moi) car il fait partie de ces films que j’ai mis des ANNÉES à retracer, pour enfin en trouver une copie dans un obscur club vidéo de Greenwich Village à New York.

Le culte de Ray Harryhausen

2009-09-08T18:32:00.000-07:00

Je me fais plaisir aujourd'hui en parlant d'un génie de la technique d'animation image par image : Ray Harryhausen. A une époque qui pourrait sembler préhistorique pour certains (i.e. pré-Spielberg et pré-Lucas/Industrial Lights and Magic), Ray Harryhausen régnait comme le maître absolu de cette technique d'animation, donnant vie à d'inoubliables créatures mythiques et fantastiques.

Historique

C'est après avoir vu le KING KONG de 1933 que le jeune Harryhausen, ébloui par les effets spéciaux de Willis O'Brien, se mit à construire ses propres modèles de dinosaures miniatures afin de les animer par la technique de l'animation image par image. Il réussit éventuellement à présenter un démo de ses films à Willis O'Brien qui, impressionné, l'engagea comme assistant animateur pour le film MIGHTY JOE YOUNG (1949). Le film fut un succès et la longue et fructueuse carrière de Ray Harryhausen était lancée.

Si, dans les années 80s, l'apparition du nom de Steven Spielberg ou de George Lucas au générique d'un film nous assurait d'un bon divertissement, celui de Ray Harryhausen a été pendant des décennies (années 50, 60 et 70) lui aussi synonyme d'effets spéciaux stupéfiants mis au service de récits d'aventures fantastiques.

Harryhausen avait une prédilection pour les récits inspirés de la mythologie grecque (JASON AND THE ARGONAUTS (1963), CLASH OF THE TITANS (1980)) ou moyen-orientale (THE 7th VOYAGE OF SINBAD (1958), THE GOLDEN VOYAGE OF SINBAD (1974)), genre lui donnant l'occasion de donner vie à toutes sortes de créatures ailées (Pégase, harpies), de squelettes armés, de cyclopes, de dragons et de statues (Talos, Kali) qui, sous l'effet d'un quelconque sortilège, se mettent soudainement à bouger (voir extraits ci-dessous).

Il a su adapter sa technique a des films de science-fiction plus conventionnels (les magnifiques soucoupes volantes de EARTH VS THE FLYING SAUCERS (1956), le dinosaure de THE BEAST FROM 20 000 FATHOMS (1953)) et à des films d'aventures inspirés de Jules Verne (superbe séquence du crabe géant dans MYSTERIOUS ISLAND (1961)) ou de Jonathan Swift (THE THREE WORLDS OF GULLIVER (1960).

Toute une génération de futurs réalisateurs ont grandi en admirant les films de HarryHausen. John Landis a déjà décrit son premier visionnement au cinéma du 7ème VOYAGE DE SINBAD (alors qu'il était enfant) comme une "expérience transcendantale" durant laquelle il avait complètement oublié qu'il regardait un film tellement il se sentait plongé dans l'action (pas surprenant alors de voir Landis interviewer Harryhausen sur les extras du DVD du 7th voyage). En 1991, HarryHausen reçut le Gordon E.S. Award pour sa contribution technologique au cinéma des mains de Tom Hanks, qui lui dit en riant : "Le meilleur film de tous les temps n'est pas Citizen Kane, mais Jason et les Argonautes !"

Bien sûr, pour toute une nouvelle génération de jeunes spectateurs habitués aux spectaculaires effets spéciaux CGI de films comme JURASSIC PARK, les films de Ray Harryhausen sembleront aujourd'hui désuets, voire risibles. Certes, mais il n'en reste pas moins que pendant une trentaine d'années, Ray Harryhausen a à lui seul révolutionné le monde de l'animation tri-dimensionnelle et a créé certaines des séquences les plus memorables du cinéma fantastique. En voici quelques-unes :

Moment de terreur : la statue de Talos se met soudainement a bouger !

Le classique combat de Jason contre une armee de squelettes.

Finale de EARTH VS THE FLYING SAUCERS (avec commentaires de Ray Harryhausen)

GOLDEN VOYAGE OF SINBAD : La danse de kali

Crabe geant de MYSTERIOUS ISLAND

INGLORIOUS BASTERDS (2009)

2009-09-08T18:28:00.001-07:00

Comment passer sous silence la sortie de INGLORIOUS BASTERDS, le dernier film de Quentin Tarantino ? Surtout que ce blogue a jusqu’ici mentionné de nombreux films auxquels Tarantino a déjà emprunté d’importants éléments (CHARLEY VARRICK, KISS ME DEADLY, les films de Samuel Fuller, etc.). Et puis, tout comme le reste de la filmographie Tarantinienne, BASTERDS deviendra probablement un film culte, alors … Allons y gaiement ! (En prévenant les lecteurs qui n’ont pas encore vu le film que ce texte comprend de nombreux SPOILERS !)

Dans l’ensemble, j’ai bien aimé le film, même s’il repose sur une prémisse qui est foncièrement illogique, c’est-à-dire (ATTENTION SPOILERS) : Pourquoi Hans Landa, personnage apparemment si fier de ses talents de détective et de ses nombreuses captures, LAISSE-T-IL S’ÉCHAPPER SHOSANNA au début du film ?? Il (ou ses trois sbires) aurait pu facilement l’abattre, mais il ne le fait pas ? POURQUOI ??

RÉPONSE : Parce que sinon IL N’Y AURAIT PAS DE FILM ! Bon sang mais c’est bien sûr ! ;-)

Non mais sérieusement, je croyais que ce détail nous serait éventuellement expliqué, mais il n’en est rien, et cet “illogisme’’ se révèle donc être une simple manœuvre scénaristique fort utile pour Tarantino mais légèrement agaçante pour tout spectateur soucieux de logique … Il en sera de même pour de nombreux autres points dans le film (ex : la securite plutot laxiste dans un cinema regroupant tout le haut commandement du IIIeme Reich), jusqu’à ce que chacun comprenne que la logique n’est ici pas de mise et qu’il faut accepter de se laisser porter par la magie Tarantinienne, qui fonctionne plus souvent qu’autrement.

Bien sûr, qui dit Tarantino dit nécessairement hommages ou emprunts à d’autres cinéastes, et je ne vois personnellement rien de mal à cela. (Le tout avait déjà été discuté amplement ici). En fait, je suis d’accord avec Jim Jarmusch lorsqu’il dit :

" Rien n'est original. Volez à partir de n'importe où du moment que cela entre en résonance avec votre inspiration et nourrit votre imagination. Dévorez les vieux films, les nouveaux, la musique, les livres, les peintures, les photos, les poèmes, les rêves, les conversations diverses, l'architecture, les ponts, les panneaux de signalisation, les arbres, les nuages, les plans d'eau, la lumière et les ombres. Ne sélectionnez que les choses à voler qui parlent directement à votre âme. Si vous faites cela, votre travail (et larcin) sera authentique.On ne peut pas mettre de prix sur l'authenticité, l'originalité quant a elle n'existe pas.Et ne vous embêtez pas à cacher le résultat de votre vol - Célébrez-le si vous vous le sentez. Dans tous les cas gardez à l'esprit ce que disait Jean-Luc Godard : Ce n'est pas d'où vous prenez les choses - mais où vous les amenez."

Cela dit, les hommages dans le film sont nombreux, alors je ne m’attarderai qu’au plus évident, soit celui du premier chapitre (la rencontre entre Hans Landa et M. Lapadite). Tout cinéphile qui se respecte saura que Tarantino est un grand fan du BON, LA BRUTE ET LE TRUAND de Sergio Leone. On ne sera alors pas surpris de reconnaître dans ce premier chapitre la plupart des éléments qui faisaient la force de la séquence du BON, LA BRUTE où apparaît Lee Van Cleef pour la première fois : même prise de vue éloignée de la menace qui arrive au loin, même réaction du père de famille qui dit aux enfants de sortir et qui invite l’intrus à s’asseoir à sa table, même finale explosive, etc.) (voir extrait ci-dessous). Même la musique (thème au piano ressemblant fortement aux premières notes de la pièce FUR ELISE de Beethoveen) rappelle Ennio Morricone (en particulier le "stinger" musical entendu à la fin de la scène, lorsque Shosanna s'échappe, qui est sensiblement le même que celui de la scène ci-dessous.

Tarantino parsème le film d’une multitude d’autres allusions : le court montage relatant les exploits du Sgt Hugo Stiglitz le montre plaçant une oreiller sur le visage d’une de ses victimes pour ensuite la poignarder à travers l’oreiller, ce que faisait aussi Lee Van Cleef dans LE BON LA BRUTE (mais avec un revolver). Comme le film comporte de nombreux personnages allemands, Tarantino n’a pu s’empêcher d’en appeler un Wilhelm (le cpl Wilhelm Wicki qui fête la naissance de son fils dans la taverne), soit en référence au cinéaste allemand George Wilhelm Pabst, soit en référence au fameux Wilhelm Scream, ce cri utilisé à toutes les sauces dans une myriade de films hollywoodiens depuis les années 50s (et utilisé par Tarantino dans le dernier chapitre des BASTERDS, durant la projection du film NATION’S PRIDE).

Tarantino a encore une fois ici recours à une technique moult fois utilisée par Hitchcock afin de créer le suspense, c’est-à-dire la révélation, par un détail visuel ou sonore, d’un élément d’information qui laisse présager une violence inévitable mais qui tarde à venir (ex : dans le premier chapitre, alors que la conversation semble s’éterniser, on nous montre soudainement la présence de juifs sous le plancher, ce qui sème immédiatement l’émoi chez le spectateur qui pressent avec raison que tout cela va mal se terminer; même chose pour l’arrivée du Jew Bear, annoncée par le son de son bâton de baseball qu’il frappe sur le mur du tunnel alors que la caméra fait un lent zoom vers celui-ci; même chose lorsque Landa revoit Shosanna au restaurant et qu’il lui commande un verre de lait (Ciel ! Il sait qui elle est !) ou dans la scène du bar, lorsque l’officier Nazi regarde les trois doigts du soldat britannique déguisé en officier nazi (Ciel ! Il vient de le démasquer !); bref, technique de suspense efficace, certes, mais rien de bien nouveau …

Ce qui est selon moi TRÈS audacieux de la part de Tarantino, c’est d’avoir délibérément choisi de ne pas axer l’action du film sur les Basterds et ce, MALGRÉ QUE LA BANDE-ANNONCE AIT ÉTÉ PRINCIPALEMENT AXÉE LA-DESSUS (et sur la présence de Brad Pitt) ! Il a pris le risque de décevoir de nombreux spectateurs qui s’attendaient probablement à voir un remake des 12 SALOPARDS à saveur Tarantinesque. On a l’impression qu’il a inséré les quelques scènes des Basterds (qui détonnent un peu avec le reste du film) uniquement pour faire plaisir à ce public, mais qu’en fait il est en train de nous dire : "Oui, j'aurais pu vous faire plaisir et réaliser ce genre de film, et je vous en donne même un aperçu, MAIS je préfère vous raconter l'histoire de la vengeance de Shosanna qui est beaucoup plus intéressante, et si vous me faites confiance, vous resterez jusqu'à la fin et je vous le prouverai !" Et il nous le prouve de façon magistrale !

Saluons aussi l' audace dont il fait preuve en n'hésitant pas à éliminer de façon tout à fait inattendue certains de ses personnages principaux, comme il l'avait déja fait dans PULP FICTION (John Travolta tué par Bruce Willis) et dans RESERVOIR DOGS (tous les DOGS) !

Dialogues favoris :

Shosanna : " En France, nous respectons les réalisateurs."

Bridget Von Hammersmarck : " Est-ce que vous Américains pouvez parler une autre langue que l’anglais ??!!"

Moment qui m’a bien fait rire : Lors de la présentation de Pitt et de ses acolytes déguisés en cinéastes italiens, le geste de la main fait par le soldat (Omar Doom) pour bien montrer qu’il est italien !! Trop drôle !

Moment particulièrement impressionnant : Durant la projection de NATION’S PRIDE, le projectionniste noir entrouvre la porte de la salle de cinéma où l’on voit une scène du film durant laquelle l’héroique soldat Frederick Zoller grave au couteau la croix gammée sur une planche de bois, ce qui provoque une réaction délirante de la part des spectateurs nazis.

Référence psychotronique : le faux nom utilisé par Shosanna est Emmanuelle Mimieux, même nom que l'actrice Hollywoodienne Yvette Mimieux, vedette du film culte grindhouse JACKSON COUNTY JAIL (1976), film faisant partie des films favoris de Tarantino et dans lequel elle interprète une héroine assoiffée de vengeance (à la Kill Bill) suite aux mauvais traitements qu'elle a reçus de la part de policiers Red Neck de Jackson County.

Autre détail amusant : Yvette Mimieux jouait aussi dans le classique de science-fiction THE TIME MACHINE (1960) aux côtés de l'acteur Rod Taylor ... qui joue le vieux Winston Churchill dans INGLORIOUS BASTARDS !!

ERASERHEAD (1977)

2009-09-08T18:26:00.000-07:00

“ Un cauchemar de choses sombres et troublantes …” David lynch

Synopsis : Dans une ville industrielle aux allures post-apocalytiques, Henry Spencer (Jack Nance) doit faire face aux conséquences de ses actes lorsque sa copine (Charlotte Stewart) lui apprend qu’elle est enceinte. Elle donne éventuellement naissance à un bébé mutant qu’elle laisse aux soins d’Henry qui, dépassé par les évènements, se met à faire des cauchemars de plus en plus inquiétants.

Historique : Dans les années 70s, David Lynch était un jeune artiste peintre qui ne voyait dans le cinéma expérimental qu’une façon d’explorer de nouvelles techniques de peinture. Ses premières expériences dans le domaine, effectuées alors qu’il étudiait à la Pennsylvania Academy of Fine Arts de Philadelphie, visaient à créer des toiles animées par le biais de techniques de cinéma d’animation. Ses premiers efforts furent remarqués par un mécène (le peintre millionnaire H. Barton Wasserman) qui finança le prochain court métrage expérimental de Lynch (THE ALPHABET (4 minutes) disponible sur Youtube). Un collègue de Lynch, impressionné par le film, lui conseilla de l’envoyer à l’American Film Institue en vue d’obtenir une bourse pour en faire un autre. “Tout ce que tu as à faire, c’est d’envoyer le scénario d’un film que tu veux faire et une copie d’un film que tu as déjà fait !”. Lynch s’exécute. Quelque temps plus tard, il reçoit un appel de George Stevens Jr de l’AFI qui lui apprend qu’on lui octroie une bourse pour réaliser le film surréaliste THE GRANDMOTHER (34 minutes). Stevens révèlera plus tard que les demandes des candidats avaient été regroupées en diverses catégories, et que celle de Lynch s’était retrouvée seule dans une catégorie “inclassable” …

C’est durant le tournage de THE GRANDMOTHER que Lynch collabore pour la première fois avec l’ingénieur de son Alan Splet, qui allait l’aider toute sa carrière à créer les effets sonores troublants que l’on associe à tous ses films. Le succès de THE GRANDMOTHER (dont les thèmes principaux - la solitude, la peur, le désir de fuir une réalité trop pénible - rappellent ceux de ERASERHEAD) allait permettre à Lynch d’obtenir le financement pour filmer ERASERHEAD, son premier long métrage dont le tournage mouvementé, marqué par toutes sortes d’obstacles (principalement financiers) allait s’étendre sur plusieurs années. Le film une fois fini, Lynch en fit parvenir une copie à Ben barenholtz, propriétaire du cinéma Elgin de New York. Barenholtz avait lancé la mode des films de minuits en présentant dans son cinéma des films cultes comme ROCKY HORROR PICTURE SHOW, PINK FLAMINGOES, EL TOPO, etc. Il ajouta ERASERHEAD au programme, et le film trouva tranquillement un auditoire d'admirateurs. (Voir une très bonne liste descriptive des midnight movies ici).

Extrait du film THE GRANDMOTHER (qui utilise en autre la technique de la pixillation popularisée par le canadien Norman MacLaren dans le film NEIGHBOURS) :

Premières minutes de ERASERHEAD :

Points forts : Par l’utilisation tout à fait originale qu’il fait du son et de l’image, Lynch réussit à créer dans ERASERHEAD un univers glauque, mystérieux et unique, comme on en a rarement vu dans toute l'histoire du cinema. On doit pratiquement remonter à l’époque du cinéma muet et à des films surréalistes comme UN CHIEN ANDALOU (Luis Bunuel, 1929) ou LE CABINET DU DOCTEUR CALIGARI (Robert Wiene, 1920) pour trouver une oeuvre a l'imagerie aussi dérangeante (Stanley Kubrick était un grand admirateur d'ERASERHEAD, tout comme William Friedkin et l'artiste suisse H.R. Giger, createur de la creature de ALIEN). Encore aujourd'hui, Lynch refuse d'expliquer les éléments les plus étranges du film (entre autres, la facon dont il s'y est pris pour créer l'affreux bébé mutant), comparant le film à un test Rorschach pour lequel chaque spectateur aura sa propre interprétation, aussi valable que la sienne. Cela peut expliquer le fait que sur le site IMBD, les cinéphiles ont laissé jusqu’à maintenant plus de 400 commentaires, majoritairement élogieux. Chacun y va de son interprétation personnelle du film, certains y voyant la condamnation d'une sexualité irresponsable, d'autres l'illustration de la peur de la paternité (c'est ainsi que je le vois personnellement), etc ... On ne peut nier que le foetus est un motif dominant du film : un foetus "sort" de la bouche de la tête flottante de Henry au tout début du film, le bébé a des allures de foetus animal, Henry retire des foetus des entrailles de sa copine qui dort près de lui (!) et la "dame du radiateur" en écrase quelques-uns lorsqu'elle exécute sa danse ... Symbolique de tout cela ?? Mystère ...

Destruction du bébé-mutant (SPOILERS)

Film culte (pour moi) parce que … lorsque je l'ai vu pour la première fois en 1981 (dans la jeune vingtaine), le film illustrait parfaitement mes peurs inconscientes face aux conséquences de certains actes (je vous laisse deviner lesquels !).

INGLORIOUS BASTERDS (2009)

2009-08-25T17:02:00.000-07:00

Comment passer sous silence la sortie de INGLORIOUS BASTERDS, le dernier film de Quentin Tarantino ? Surtout que ce blogue a jusqu’ici mentionné de nombreux films auxquels Tarantino a déjà emprunté d’importants éléments (CHARLEY VARRICK, KISS ME DEADLY, les films de Samuel Fuller, etc.). Et puis, tout comme le reste de la filmographie Tarantinienne, BASTERDS deviendra probablement un film culte, alors … Allons y gaiement ! (En prévenant les lecteurs qui n’ont pas encore vu le film que ce texte comprend de nombreux SPOILERS !)

Dans l’ensemble, j’ai bien aimé le film, même s’il repose sur une prémisse qui est foncièrement illogique, c’est-à-dire (ATTENTION SPOILERS) : Pourquoi Hans Landa, personnage apparemment si fier de ses talents de détective et de ses nombreuses captures, LAISSE-T-IL S’ÉCHAPPER SHOSANNA au début du film ?? Il (ou ses trois sbires) aurait pu facilement l’abattre, mais il ne le fait pas ? POURQUOI ??

RÉPONSE : Parce que sinon IL N’Y AURAIT PAS DE FILM ! Bon sang mais c’est bien sûr ! ;-)

Non mais sérieusement, je croyais que ce détail nous serait éventuellement expliqué, mais il n’en est rien, et cet “illogisme’’ se révèle donc être une simple manœuvre scénaristique fort utile pour Tarantino mais légèrement agaçante pour tout spectateur soucieux de logique … Il en sera de même pour de nombreux autres points dans le film (ex : la securite plutot laxiste dans un cinema regroupant tout le haut commandement du IIIeme Reich), jusqu’à ce que chacun comprenne que la logique n’est ici pas de mise et qu’il faut accepter de se laisser porter par la magie Tarantinienne, qui fonctionne plus souvent qu’autrement.

Bien sûr, qui dit Tarantino dit nécessairement hommages ou emprunts à d’autres cinéastes, et je ne vois personnellement rien de mal à cela. (Le tout avait déjà été discuté amplement ici). En fait, je suis d’accord avec Jim Jarmusch lorsqu’il dit :

" Rien n'est original. Volez à partir de n'importe où du moment que cela entre en résonance avec votre inspiration et nourrit votre imagination. Dévorez les vieux films, les nouveaux, la musique, les livres, les peintures, les photos, les poèmes, les rêves, les conversations diverses, l'architecture, les ponts, les panneaux de signalisation, les arbres, les nuages, les plans d'eau, la lumière et les ombres. Ne sélectionnez que les choses à voler qui parlent directement à votre âme. Si vous faites cela, votre travail (et larcin) sera authentique.On ne peut pas mettre de prix sur l'authenticité, l'originalité quant a elle n'existe pas.Et ne vous embêtez pas à cacher le résultat de votre vol - Célébrez-le si vous vous le sentez. Dans tous les cas gardez à l'esprit ce que disait Jean-Luc Godard : Ce n'est pas d'où vous prenez les choses - mais où vous les amenez."

Cela dit, les hommages dans le film sont nombreux, alors je ne m’attarderai qu’au plus évident, soit celui du premier chapitre (la rencontre entre Hans Landa et M. Lapadite). Tout cinéphile qui se respecte saura que Tarantino est un grand fan du BON, LA BRUTE ET LE TRUAND de Sergio Leone. On ne sera alors pas surpris de reconnaître dans ce premier chapitre la plupart des éléments qui faisaient la force de la séquence du BON, LA BRUTE où apparaît Lee Van Cleef pour la première fois : même prise de vue éloignée de la menace qui arrive au loin, même réaction du père de famille qui dit aux enfants de sortir et qui invite l’intrus à s’asseoir à sa table, même finale explosive, etc.) (voir extrait ci-dessous). Même la musique (thème au piano ressemblant fortement aux premières notes de la pièce FUR ELISE de Beethoveen, mais provenant en fait du western spaghetti THE BIG GUNDOWN (1966)) rappelle Ennio Morricone (en particulier le "stinger" musical entendu à la fin de la scène, lorsque Shosanna s'échappe, qui est sensiblement le même que celui de la scène ci-dessous).

Tarantino parsème le film d’une multitude d’autres allusions : le court montage relatant les exploits du Sgt Hugo Stiglitz le montre plaçant une oreiller sur le visage d’une de ses victimes pour ensuite la poignarder à travers l’oreiller, ce que faisait aussi Lee Van Cleef dans LE BON LA BRUTE (mais avec un revolver). Comme le film comporte de nombreux personnages allemands, Tarantino n’a pu s’empêcher d’en appeler un Wilhelm (le cpl Wilhelm Wicki qui fête la naissance de son fils dans la taverne), soit en référence au cinéaste allemand George Wilhelm Pabst, soit en référence au fameux Wilhelm Scream, ce cri utilisé à toutes les sauces dans une myriade de films hollywoodiens depuis les années 50s (et utilisé par Tarantino dans le dernier chapitre des BASTERDS, durant la projection du film NATION’S PRIDE).

Tarantino a encore une fois ici recours à une technique moult fois utilisée par Hitchcock afin de créer le suspense, c’est-à-dire la révélation, par un détail visuel ou sonore, d’un élément d’information qui laisse présager une violence inévitable mais qui tarde à venir (ex : dans le premier chapitre, alors que la conversation semble s’éterniser, on nous montre soudainement la présence de juifs sous le plancher, ce qui sème immédiatement l’émoi chez le spectateur qui pressent avec raison que tout cela va mal se terminer; même chose pour l’arrivée du Jew Bear, annoncée par le son de son bâton de baseball qu’il frappe sur le mur du tunnel alors que la caméra fait un lent zoom vers celui-ci; même chose lorsque Landa revoit Shosanna au restaurant et qu’il lui commande un verre de lait (Ciel ! Il sait qui elle est !) ou dans la scène du bar, lorsque l’officier Nazi regarde les trois doigts du soldat britannique déguisé en officier nazi (Ciel ! Il vient de le démasquer !); bref, technique de suspense efficace, certes, mais rien de bien nouveau …

Ce qui est selon moi TRÈS audacieux de la part de Tarantino, c’est d’avoir délibérément choisi de ne pas axer l’action du film sur les Basterds et ce, MALGRÉ QUE LA BANDE-ANNONCE AIT ÉTÉ PRINCIPALEMENT AXÉE LA-DESSUS (et sur la présence de Brad Pitt) ! Il a pris le risque de décevoir de nombreux spectateurs qui s’attendaient probablement à voir un remake des 12 SALOPARDS à saveur Tarantinesque. On a l’impression qu’il a inséré les quelques scènes des Basterds (qui détonnent un peu avec le reste du film) uniquement pour faire plaisir à ce public, mais qu’en fait il est en train de nous dire : "Oui, j'aurais pu vous faire plaisir et réaliser ce genre de film, et je vous en donne même un aperçu, MAIS je préfère vous raconter l'histoire de la vengeance de Shosanna qui est beaucoup plus intéressante, et si vous me faites confiance, vous resterez jusqu'à la fin et je vous le prouverai !" Et il nous le prouve de façon magistrale !

Saluons aussi l' audace dont il fait preuve en n'hésitant pas à éliminer de façon tout à fait inattendue certains de ses personnages principaux, comme il l'avait déja fait dans PULP FICTION (John Travolta tué par Bruce Willis) et dans RESERVOIR DOGS (tous les DOGS) !

Dialogues favoris :

Shosanna : " En France, nous respectons les réalisateurs."

Bridget Von Hammersmarck : " Est-ce que vous Américains pouvez parler une autre langue que l’anglais ??!!"

Moment qui m’a bien fait rire : Lors de la présentation de Pitt et de ses acolytes déguisés en cinéastes italiens, le geste de la main fait par le soldat (Omar Doom) pour bien montrer qu’il est italien !! Trop drôle !

Moment particulièrement impressionnant : Durant la projection de NATION’S PRIDE, le projectionniste noir entrouvre la porte de la salle de cinéma où l’on voit une scène du film durant laquelle l’héroique soldat Frederick Zoller grave au couteau la croix gammée sur une planche de bois, ce qui provoque une réaction délirante de la part des spectateurs nazis.

Référence psychotronique : le faux nom utilisé par Shosanna est Emmanuelle Mimieux, même nom que l'actrice Hollywoodienne Yvette Mimieux, vedette du film culte grindhouse JACKSON COUNTY JAIL (1976), film faisant partie des films favoris de Tarantino et dans lequel elle interprète une héroine assoiffée de vengeance (à la Kill Bill) suite aux mauvais traitements qu'elle a reçus de la part de policiers Red Neck de Jackson County.

Autre détail amusant : Yvette Mimieux jouait aussi dans le classique de science-fiction THE TIME MACHINE (1960) aux côtés de l'acteur Rod Taylor ... qui joue le vieux Winston Churchill dans INGLORIOUS BASTARDS !!

Le Wilhelm Scream

2009-08-14T06:26:00.001-07:00

NOUVELLE ALERTE !! Dans le film INGLORIOUS BASTERDS de Tarantino : dans le dernier chapitre, durant la projection du film noir et blanc NATION'S PRIDE, pas longtemps après un gros plan montrant un soldat atteint à l'oeil droit (qui saigne abondamment), on voit un autre soldat qui tombe de haut en direction de la caméra en poussant un Wilhelm Scream (qui a été légèrement modifié mais pas assez pour ne pas le reconnaître !)

ALERTE AU WILHELM SCREAM !!! AOUT 2009 !!! LE FILM "KNOWING" avec Nicolas Cage !! vers 1h02min 02 sec, dans la sequence catastrophe du metro, on entend le Wilhelm Scream !!

Le cri de Wilhelm

Il y a des films cultes, il y a des séries cultes, il y a des acteurs/actrices cultes … et il y a même des effets sonores cultes. C’est le cas du célèbre Wilhelm Scream.

Le Wilhelm Scream, dont l’auteur demeure a ce jour inconnu, est un cri particulièrement efficace enregistré en studio au début des années 50 et utilisé pour la première fois dans le film Distant drums (1951). Il était sensé représenter le cri d’un homme se faisant bouffer par un alligator. Le cri était tellement évocateur qu’il fut réutilisé deux ans plus tard dans le film The Charge at Feather River (1953) lorsqu’un personnage secondaire appelé Wilhelm est atteint d’une flèche à la jambe.

Le reste, comme on dit, fait partie de l’histoire … Ce cri si particulier a depuis été utilisé à toutes les sauces, dont TROIS fois dans la finale du film de science-fiction THEM ! (1954) (voir compilation ci-dessous). Dans les années 80s, le monteur de son Ben Burtt, un des nombreux artisans Hollywoodiens vouant un culte au «Wilhelm Scream», le fit connaître à toute une nouvelle génération de spectateurs en l’intégrant à la trame sonore du film Star Wars Episode IV : A New Hope (voir ci-dessous).

Plus récemment, le Wilhelm Scream a été entendu dans le dernier épisode de la trilogie de LORD OF THE RINGS. Depuis, des millions de spectateurs partout dans le monde restent aux aguets et tendent l’oreille, attendant sa prochaine manifestation ! Je sais qu'on l'entend dans le film DEATHPROOF de Tarantino, durant la scène où Stuntman Mike (Kurt Russell) entre en collision avec la voiture des quatre filles qu’il a rencontrées au bar … On l’entendrait aussi lorsque la mascotte prend en feu dans le film BLADES OF GLORY … D’autres l’auraient entendu durant la scène de l’attaque de Darwin dans AUSTRALIA … Et vous ? Vous l’avez entendu récemment ?? EEGHAD !!

Compilation du Wilhelm Scream :

Historique du Wilhelm Scream :

Liste des films comprenant le Wilhelm Scream ici

RESRVOIR DOGS (1992)

2009-08-14T06:24:00.000-07:00

Il faut en général des années avant qu’un film obscur n’atteigne tranquillement le statut de film culte, souvent grâce au bouche à oreille qui permet parfois à un film ignoré lors de sa sortie de rejoindre enfin un public d’inconditionnels (On pense à des titres comme KISS ME DEADLY (1955) ou SECONDS (1966), redécouverts des années après leur apparition originale). Dans le cas du Reservoir Dogs de Tarantino, le culte s’est manifesté presqu’instantanément !

RESERVOIR DOGS (1992)

Certes, le culte s’est probablement d’abord formé autour d’une petite clique de cinéphiles et de critiques ayant su décerner chez ce jeune réalisateur inconnu qu’était alors Tarantino des qualités rares de dialoguiste (la scène d’ouverture dans le resto) et de metteur en scène (scène géniale ou Orange (Tim Roth) raconte sa rencontre fictive avec des policiers dans des toilettes publiques). Cette dernière scène est celle qui, dans mon cas, m'a convaincu que ce réalisateur serait désormais à surveiller. Quelle étonnante virtuosité pour un " débutant " ! Sans parler de l’audace démontrée tant au niveau du contenu (scène de torture d’une violence inouie) que de la forme (récit raconté de façon non-chronologique, utilisation originale de la musique, etc. etc. ) Le bouche-à-oreille a fait le reste et le culte voué à Tarantino n’a cessé de s’accroître depuis ...

Et pourtant, il s’est trouvé à l’époque (et encore aujourd’hui) des détracteurs pour reprocher à Tarantino sa propension à piquer ses meilleures idées dans les films des autres. Accusation fondée ou non ?

Petite anecdote personnelle :

Au début des années 90s, je me passionnais pour le montage de Scratch-Vidéos (Montage ultra-rapide de scènes tirées du cinéma, de la télé et de la pub - Voir les exemples au bas du blogroll de ce blogue) et je pris le risque d'envoyer deux de mes montages les plus violents au comité de sélection du New York Underground Festival (édition 1995), seul festival qui, selon moi, pouvait s'intéresser à un tel produit. (Le directeur du festival était un certain Todd Phillips, alors inconnu mais maintenant connu pour avoir réalisé THE HANGOVER 1 et 2). Ils en choisirent deux (WARM LEATHERETTE et FLASHBACK ... Âmes sensibles s'abstenir !) et j'en profitai donc pour me rendre à New York afin d'assister au Festival.

Une fois sur place, je constatai que le programme du Festival annonçait la projection d'un court film de 10 minutes réalisé par un certain Mike White. Le film, intitulé WHO DO YOU THINK YOU'RE FOOLING, visait à démontrer que le film RESERVOIR DOGS de Tarantino comportait d'énormes emprunts à un film asiatique de Ringo Lam appelé CITY ON FIRE (1987), emprunts qui, selon White, frisaient le plagiat. RESERVOIR DOGS étant encore frais dans la mémoire du public, la présentation du film de White constituait un Scoop suffisant pour attirer l'attention des médias. Bizarrement, la direction du Festival choisit de tuer le Scoop dans l'oeuf en retirant le film de White du programme, jugeant que sa présentation privait le reste du festival de sa juste part de l'attention médiatique ! (Toute la controverse est bien résumée au début de l'extrait ci-dessous). White a récemment mis son film sur YOUTUBE (voir ici), de sorte que vous pouvez juger vous-même de la validité de sa thèse (la démonstration est assez stupéfiante à mon avis !).

Hé bien ! Qu’en dites-vous ?

Personnellement, je ne vois pas là grand mal. Certes, White prouve que Tarantino s’est effectivement approprié des éléments importants du film CITY ON FIRE, mais Tarantino a su (selon moi) transformer cette matière première pour l’améliorer et en faire une œuvre entièrement personnelle. Bref, il a pris un film d’action ordinaire et en a fait un classique ! Comme dirait Godard : " Ce n'est pas d'où vous prenez les choses - mais ou vous les amenez."

Apparemment insatisfait, White a répété l’exercice de dénonciation de façon beaucoup moins concluante avec PULP FICTION (ci-dessous) :

Avis personnel : Et puis après ? Je crois que ce monsieur (et tous les autres détracteurs de Tarantino) devraient lire et relire cette citation de Jim Jarmusch :

regle no. 5 : " Rien n'est Original. Volez à partir de n'importe où du moment que cela entre en résonance avec votre inspiration et nourri votre imagination. Dévorez les vieux films, les nouveaux, la musique, les livres, les peintures, les photos, les poèmes, les rêves, les conversations diverses, l'architecture, les ponts, les panneaux de signalisation, les arbres, les nuages, les plans d'eau, la lumière et les ombres. Ne sélectionnez que les choses à voler qui parlent directement à votre âme. Si vous faîtes cela, votre travail (et larcin) sera authentique.On ne peut pas mettre de prix sur l'authenticité, l'originalité quant a elle n'existe pas.Et ne vous embêtez pas à cacher le résultat de votre vol - Célébrez-le si vous vous le sentez. Dans tous les cas gardez à l'esprit ce que disait Jean-Luc Godard : Ce n'est pas d'où vous prenez les choses - mais ou vous les amenez."

PARLEZ-NOUS D'AMOUR (1976)

2009-07-28T09:42:00.000-07:00

Le cinéma québécois des années soixante dix est tristement célèbre pour ses comédies vulgaires (LES DEUX FEMMES EN OR (1970), LES CHATS BOTTES (1971)) ou pour ces films que l'on appelait les 'Maple Syrup Porn' (VALERIE (1969), L'INITIATION (1970)). Heureusement, il s'est aussi tourné durant cette période des films de qualité (LA VRAIE NATURE DE BERNADETTE (1972), L'EAU CHAUDE, L'EAU FRETTE (1976) qui ont depuis atteint le statut de films cultes. C'est aussi le cas du film PARLEZ-NOUS D'AMOUR de Jean-Claude Lord.

Synopsis : Le film relate les tribulations de Jeannot (Jacques Boulanger jouant un peu son propre rôle), animateur de télé à la barre d'une émission de variétés très populaire auprès des femmes d'un certain âge. En pleine période de remise en question, il doit composer avec ses 'fans' envahissantes (Manda Parent, Rita Lafontaine), un mari jaloux (Jacques Thisdale), une conjointe amère (Monique Mercure), un agent profiteur (Claude Michaud) et un chanteur quétaine (Benoit Girard) envieux de sa popularité.

Points forts : Ce n'est certes pas pour ses qualités esthétiques que l'on se souviendra de ce film (couleurs délavées, montage abrupt de scènes décousues, son pas tres clair, etc) mais pour ses excellents dialogues. Pas surprenant, puisqu'ils sont le fruit du génie de Michel Tremblay, dont ce fut l'une des rares incursions au cinéma (voir aussi, si vous pouvez le trouver, le classique IL ÉTAIT UNE FOIS DANS L'EST (1974)). Tout comme dans ce dernier film, les personnages de PARLEZ-NOUS D'AMOUR s'expriment dans un langage cru, direct et coloré (voir ci-dessous la scène où Benoit Girard et Jacques Boulanger discutent de leurs admiratrices). Le film dans son ensemble trace un portrait plutôt sarcastique et déprimant des coulisses du milieu artistique (TOUS les personnages sont arrivistes et ne pensent qu'à leur profit) et n'évite pas certains clichés (la jeune chanteuse qui se laisse tripoter par son gérant pour obtenir son premier contrat). On se souviendra surtout de l'excellente performance de Benoit Girard en chanteur quétaine qui sacre en coulisses mais adopte un faux accent français devant ses admiratrices, et de la pénible (mais hilarante) séquence où les membres invisibles de la régie réussissent à convaincre une femme passant une audition à se déshabiller complètement (d'autant plus surprenant qu'on nous prévient au début du film que "ce film est inspiré d'évènements réels, ce n'est pas une histoire dûe (sic) à l'imagination débordante d'un auteur").

Film culte (pour moi) ... car j'aime la vision particulièrement cynique du film face au " merveilleux monde du show-biz". Tout cela est raconté avec une audacieuse franchise, et j'aime bien la scène où le patron de Jeannot (Roger Lebel) lui dit à quel point il déteste son émission (extrait ci-dessous). Quand on y pense, ce qu'il dit (en 1976) pourrait s'appliquer encore aujourd'hui à bon nombre d'émissions populaires. Plus ça change ...

Benoit Girard dans le rôle du chanteur Pierre Vignon :

Toute la vérité ...

THE HONEYMOON KILLERS (1969)

2009-06-30T13:26:00.000-07:00

" C’est ce qui est fantastique quand on est un cinéaste amateur : on peut travailler de l’intérieur. Rien ni personne n’est là pour vous dire comment faire un film. On n’a pas de modèle à suivre, on ne fait pas partie de la machine. J’ai fait ce film comme je le voulais … Comme je le voyais ..." Leonard Kastle

THE HONEYMOON KILLERS (1969)

Synopsis : Filmé en noir et blanc dans un style pseudo-documentaire, le film relate l’histoire bien réelle d’un couple que la presse de 1949 avait baptisé les Honeymoon Killers (de leurs vrais noms Martha Beck et Ray Fernandez). Ceux-ci se faisaient passer pour frère et sœur et arnaquaient des femmes seules que Ray rencontrait par le biais des petites annonces dans les journaux, pour ensuite les assassiner.

DVD : Le film a récemment fait l’objet d’une superbe ré-édition grâce à ces découvreurs de chefs-d’œuvre oubliés que sont les cinéphiles de la compagnie Criterion. Le menu du DVD est présenté de façon fort originale, les options apparaissant au sein de reproductions de petites annonces de l’époque. On y retrouve entre autres une courte mais fascinante entrevue avec le réalisateur du film, Leonard Kastle, dont HONEYMOON KILLERS fut le seul et unique film. L’entrevue permet de comprendre un peu pourquoi cet homme talentueux et passionné, qui a réalisé un film louangé par la critique (même François Truffaut en parlait comme un de ses films américains favoris), n’en a pourtant jamais fait d’autres ...

Historique : L’entrevue avec Leonard Kastle constitue un véritable cours de Guerilla filmmaking qui donnerait à tout cinéaste amateur l’envie de prendre une caméra et de tourner son propre film. Kastle est en fait un chef d’orchestre et compositeur d’opéra qui, en 1969, n’avait JAMAIS tourné un film de sa vie ! Un ami à lui (le producteur de TV Warren Steibel) lui demanda de faire de la recherche sur la fameuse histoire des Honeymoon Killers dans l’espoir d'en faire un film qui serait plus réaliste que le récent BONNIE AND CLYDE (film qui, selon lui, glorifiait les criminels de façon beaucoup trop Hollywoodienne). Ne bénéficiant que d’un budget de $150 000 (" des pinottes !" comme le dit Kastle) et ne pouvant donc se payer un vrai scénariste, Steibel demanda à Kastle d’écrire lui-même le scénario du film. " Je n’avais JAMAIS écrit de scénario de ma vie " raconte Kastle en riant. Steibel lui procure alors les scénarios de films bien connus de Fellini et de Truffaut et lui dit : " Tiens ! T’as qu’à faire comme eux !". Kastle s’exécute. Ne reste plus qu’à trouver un réalisateur, qui sera nul autre que le jeune Martin Scorsese ! Celui-ci accepte. Mais dès le début du tournage, la tension monte. Kastle raconte que Scorsese " voulait tout tourner en plans séquences et prenait beaucoup trop de temps (et d’argent !) pour fignoler ses plans ". Résultat : Scorsese est renvoyé et Kastle, qui, je le répète, n’avait jamais tourné un film de sa vie, devient réalisateur ! Kastle en parle aujourd’hui de façon assez philosophe : "Bah ! Mon scénario était très détaillé visuellement, et je savais exactement ce que je voulais ... Et puis, qu’est-ce qu’on s’en fout de la beauté des images ou de la technique, ce qui compte c’est l’histoire et la qualité de l’interprétation !"

Bien sages paroles ...

Points forts : Le miracle du film HONEYMOON KILLERS tient justement du fait que la facture un peu mal foutue de la réalisation (qualité sonore pas toujours optimale, utilisation pas toujours heureuse de la lumière ambiante, mauvais raccords, etc.) AJOUTE au réalisme de l'ensemble et donne vraiment l'impression d'assister à un documentaire au sujet d'événements horribles mais bien réels. Ce climat intimiste (" donnant l'impression de regarder par le trou d'une serrure" comme disait le scénariste Abby Mann, grand admirateur du film), combiné à la qualité de l'interprétation (superbes performances de Shirley Stoler et Tony LoBianco), donne des scènes d'un réalisme à la limite du supportable. La séquence où la victime Janet Fay est assassinée à coup de marteaux est particulièrement pénible à regarder (d'autant plus que la victime devine tranquillement le sort qui lui est réservé et devient de plus en plus hystérique). Je préfère la scène du meurtre de la petite fille (voir extrait ci-dessous) qui, lui, est habilement suggéré plutôt que montré (Kastle devait être un fan de Hitchcock !) grâce à un long plan séquence très efficace. D'autres choix de mise en scène (zoom soudain et un peu maladroit sur les yeux terrifiés d'une victime droguée qui entend les discussions des tueurs hors champ avant d'être abattue) laissent songeur : était-ce voulu, accidentel ou bien imposé par le manque de budget ? N'empêche que l'effet est encore une fois inattendu et efficace, comme l'est également la décision de Kastle de n'utiliser comme accompagnement musical que des extraits de la 6ième symphonie de Mahler.

Autre extrait ici

Film culte (pour moi) ... Parce que HONEYMOON KILLERS est l'exemple parfait de ce que peut accomplir un réalisateur novice mais talentueux qui parvient à transcender un budget famélique pour laisser sa marque en réalisant l'un des grands classiques du cinéma indépendant. On pourrait en dire autant de films comme NIGHT OF THE LIVING DEAD de George Romero, THX-1138 de George Lucas, MULTIPLE MANIACS de John Waters ou RESERVOIR DOGS de Tarantino, à la différence près que ces films ont permis de lancer la carrière prolifique de leurs réalisateurs, ce qui ne fut pas le cas de Leonard Kastle. Il aura été l'homme d'un seul film ... Mais quel film !

Citation (qui aurait certainement plu à John Waters) dite par Martha Beck (Shirley Stoler, dont le physique et le jeu rappellent énormément Divine, l'actrice fétiche de Waters), confrontant une des victimes de Ray qui vient de lui apprendre qu'elle est enceinte :

- Not only are you pregnant, you're disgusting ! You're the hottest bitch I have ever seen!

Merci pour le lien du site foriegnmoviessddl.com, ici.

Les films cultes psychotroniques/Le cinema Bis

2009-06-19T10:40:00.000-07:00

On compte parmi les films cultes de nombreux films dits 'psychotroniques', terme popularisé par l'américain Michael Weldon dans son excellent livre The Psychotronic Encyclopedia of Films (1983) (suivi, en 1996, de son Psychotronic Video Guide to Film).

Si on se fie aux films mentionnés dans ces deux guides, les films dits ' psychotroniques' sont (entre autres) : les films de lutteurs mexicains (ex : la série des films de Santo le lutteur masqué), les films de monstres japonais (Godzilla, Rodan, Mothra et compagnie), les films d'horreur ou de science-fiction de série B (I MARRIED A MONSTER FROM OUTER SPACE - 1958) ou de série Z (le cultissime PLAN 9 FROM OUTER SPACE), les films mettant en vedette des 'Has Been' hollywoodiens déchus (Vic Morrow dans HUMANOIDS FROM THE DEEP, William Shatner dans BIG BAD MAMA, John Saxon, etc.), les films d'exploitation des années 70s (BLACK CEASAR (1973) et FOXY BROWN (1974) mettant en vedette Pam Grier), les films éducatifs des années 30s, 40s et 50s (REEFER MADNESS (1936) expliquant aux jeunes les dangers de la drogue - Offert AU COMPLET sur Youtube !), etc ... Bref, tous les films qui sont injustement cotés (6) (Pauvre) ou (7) (Minable) dans votre TV Hebdo ! (et qui font partie de ce que les francais appellent le CINEMA BIS).

Le Québec possède sa propre culture psychotronique (célébrée lors des fameuses soirées Total Crap au Club Soda à Montréal - Voir extrait ci-dessous) faite de films tristement célèbres comme LA POMME, LA QUEUE ET LES PEPINS (1974) et LES DEUX FEMMES EN OR (1970) de Claude Fournier, LES DANGEREUX (2002), ANGELO, FREDO ET ROMEO (1996), ELVIS GRATTON III , ROMEO ET JULIETTE et, bien sûr, l'affreuse série des CRUISING BAR, dont l'étonnant succès au box-office québécois prouve bien que l'humour facile et le cinéma psychotronique auront toujours une place de choix dans notre culture ! (Quoique cela n'est pas propre au Québec, loin de là, les Français nous ayant donné récemment le navet psychotronique ASTERIX AUX JEUX OLYMPIQUES.

Pour mon (et je l'espère aussi votre) plus grand plaisir, j'ajoute à mon Blog List le lien du site psychotronique de Michael Weldon et celui du très amusant site francais NANARLAND consacré au cinéma Bis. Terminons avec quelques extraits de films qui, selon moi, capturent l'essence même du cinéma 'psychotronique' :

La scène de drum surréaliste du film LES GUERRIERS DU BRONX :

Réal Béland (père) à son meilleur dans LA POMME,LA QUEUE ET LES PEPINS :

SANTO CONTRE LES MOMIES DE GUANAJATO :

La pieuvre à cinq tentacules de IT CAME FROM BENEATH THE SEA (1955):

Extrait de la soiree psychotronique TOTAL CRAP III :

Intermede psychotronique

INTERLUDE

2009-06-02T04:45:00.000-07:00

Petit INTERLUDE en attendant le prochain article sur le film culte RESERVOIR DOGS.

L'extrait qui suit devrait rappeler des souvenirs à tous les cinéphiles qui, dans les années 80s, restaient debout à l'antenne de Radio-Canada afin d'y voir un autre excellent film (débutant souvent entre minuit et une heure du matin !)

Petit Quiz : Combien de films avez-vous pu identifier ??

(à 0:17, rangée du haut = NOSFERATU LE VAMPIRE, juste à côté = Elizabeth Taylor dans CLEOPATRA (je crois ...), et juste en dessous de Nosferatu = Orson Welles dans MR ARKADIN)

Et vous ??

THE INCIDENT (1967)

2009-05-22T10:16:00.000-07:00

Aussi longtemps que nos entendrons parler d'attaques faites dans le métro devant des témoins qui choisissent de ne rien faire (ici), ou que nous verrons des scènes comme celle-ci (fumeur de crack filmé dans le métro de Montréal devant des témoins qui ne font rien), gracieuseté du site la Clique du Plateau, le film culte THE INCIDENT (1967) de Larry Peerce ne perdra rien de sa pertinence.

THE INCIDENT (1967)

Synopsis : Vers deux heures du matin dans le métro de New York, deux voyous (Tony Musante et Martin Sheen) terrorisent les passagers du wagon où ils se trouvent.

Points forts : Voilà le genre de film que le realisateur Samuel Fuller aurait aimé, lui qui conseillait aux jeunes réalisateurs de « take your audience by the balls and don't let go ! » (Prenez les spectateurs par les couilles et ne les lâchez pas jusqu'à la fin !). C'est exactement ce que fait ce film. Une fois la première demi-heure écoulée (durant laquelle on nous présente rapidement les divers personnages en route vers le métro (couple de noirs, deux soldats en permission, couple de jeunes amoureux, couple de vieux, couple dans la quarantaine avec enfant qui dort, couple en crise, quinquagénaire alcoolique et homo introverti), le film nous en met plein la gueule avec l'arrivée dans le wagon de Jos Ferrone (performance EXCEPTIONNELLE et terrifiante de Tony Musante) et de son complice Artie (Martin Sheen dans son premier rôle au cinéma) qui prennent un plaisir sadique à tourmenter à tour de rôle les passagers impuissants qu'ils retiennent prisonniers. Ferrone a une capacité peu commune de trouver rapidement le point faible de ses victimes et de les confronter d'une façon humiliante et complètement dévastatrice. La scène où il s'acharne sur un couple de noirs (ci-dessous) est particulièrement difficile à encaisser de nos jours, même si elle reflète probablement la réalité des années 60s (comme le démontre la scène finale où les policiers qui entrent dans le métro se jettent immédiatement non pas sur les voyous, mais sur LE SEUL PASSAGER NOIR !)

Un peu comme le classique 12 Hommes en colère de Sydney Lumet, le film relève adroitement le défi de faire monter la tension sans l'aide de musique et en respectant l'unité de temps et de lieu. On y parvient grâce au jeu des acteurs (tous excellents), au recours à de nombreuses confrontations filmées en gros plans et au fait que le spectateur témoin de toute cette violence n'a d'autres choix que de s'identifier avec les personnages et de se demander : « Non mais est-ce qu'il y en a un qui va bientôt RÉAGIR dans le groupe ?? » La preuve : si vous consultez la fiche du film sur le site IMDB, vous constaterez que des commentateurs anonymes ont lancé le débat à savoir si, depuis le 11 sept, des gens se laisseraient si facilement rudoyer sans réagir ? Certains arrogants affirment que non, d'autres plus expérimentés relatent des moments de leur vie où ils ont été témoins du même genre d'incident sans que personne ne lève le doigt pour porter secours à la personne attaquée (ex : la femme sauvagement battue dans le métro de Montréal récemment). Le film nous confronte donc à cette inévitable et irritante question : « Et moi, qu'est-ce que j'aurais fait ? »

Film culte pour moi ... car, tout comme 12 hommes en colère ou la colline des hommes perdus, l'Incident est un de ces rares films qui, par ses qualité dramatiques, m'a complètement embarqué et tenu en haleine jusqu'à la dernière image. Bizarrement, c'est un film que j'ai d'abord vu et apprécié dans son excellente version française, pour ensuite le revoir dans sa décevante version originale anglaise (je dis décevante en raison de la piètre qualité sonore de la version originale, comme vous pouvez le constater dans l'extrait ci-dessous). Il faut dire aussi que j'aime bien la VOIX de cet acteur français (Marc de Georgi) qui double Tony Musante dans la version française du film (La même voix qui doublait, entre autres, Robert Redford dans Les trois jours du Condor, Brubaker et Butch Cassidy) Quelle voix fantastique ! Remarquez aussi, dans la confrontation avec le passager noir, comment l'équipe responsable du doublage français a pris d'énormes libertés en traduisant la réplique : «I don't like black ». Ils ont osé utiliser le "N word" (ce que la version originale ne fait pas) et disons que ça fesse pas mal plus en français !

Le film n'est apparemment pas disponible en DVD (en cette époque post-Obama de rectitude politique extrême, aurait-on peur de le rendre accessible (puisqu'il contient une scène de racisme qu'on aimerait croire révolu ?). Toutefois, un bon samaritain qui en possédait probablement une copie personnelle (de mauvaise qualité, malheureusement) vient de l'afficher AU COMPLET sur YOUTUBE en segments de 10 minutes (dans sa version originale anglaise). Amusez-vous bien ...

Extrait de THE INCIDENT (Version originale anglaise) :

Meme extrait en francais (ATTENTION : Contenu non politiquement correct !) :

Fumeur de crack dans le métro de Montréal devant des passagers impassibles (sauf le caméraman, dont on salue le courage et l'intelligence ! Bravo !)

DANGER DIABOLIK (1968)

2009-05-13T09:00:00.000-07:00

Ce n’est pas d’hier que des cinéastes se tournent vers les bandes dessinées et les Comic Books comme source d’inspiration. Des années avant WATCHMEN, SPIDERMAN, HULK, IRON MAN et autres super-héros, le légendaire cinéaste italien Mario Bava adaptait à l’écran les aventures du criminel et anti-héros masqué DIABOLIK, personnage de bandes dessinées italiennes (les fumetti) créé par les sœurs Angela et Luciana Giussani et encore très populaire aujourd’hui en Italie.

Synopsis : Grand luxe, argent volé, jaguars et repaire souterrain ultra-chic, Diabolik (John Philip Law) et sa superbe partenaire Eva (Marisa Mell, dans un rôle prévu pour Catherine Deneuve) ne se privent de rien. Pour son anniversaire, elle lui demande de voler un collier célèbre fait de onze émeraudes et ce, au vu et au su de l’inspecteur Ginko (Michel Piccoli), qui est aux trousses de Diabolik depuis des années. Un défi que saura relever Diabolik, non sans de lourdes conséquences ...

Points forts : Mario Bava s’est surtout fait connaître dans le cinéma d’horreur (les fameux giallo italiens) et plusieurs de ses films ont atteint le statut de films cultes (en tête de liste se trouvent des classiques de l’horreur comme BLACK SUNDAY/THE MASK OF THE DEMON (1960) et LES TROIS VISAGES DE LA PEUR/BLACK SABBATH (1963)). DIABOLIK était donc pour lui un changement de ton inhabituel, mais on y retrouve toutefois les éléments typiques du style visuel de Bava : l’utilisation fort habile de caches (Matte paintings) donnant l’illusion de décors gigantesques (voir les scènes hallucinantes du repaire sous-terrain de Diabolik, ci-dessous), les éclairages faits de couleurs primaires (dominantes de vert et de rouge), les cadrages extrêmes rappelant ceux des bandes dessinées, etc. Le film bénéficie aussi d’une excellente trame sonore d’Ennio Morricone qui, pour une rare fois dans sa carrière, délaisse le style Western pour des airs à gogo typiques de l’époque mais qui, bizarrement, n’ont pas trop mal vieilli et s’écoutent encore très bien aujourd’hui (voir extraits ci-dessous). La trame sonore du film se retrouvait en 3ième position de la liste des ‘ Top Movie Soundtracks of all time ’ dressée par le magazine GQ dans son numéro de mars 2002. Le look du film a inspiré un vidéo clip des Beastie Boys (Body Moving) et le film CQ de Roman Coppola (2001). BONUS : Le DVD du film offre un commentaire amusant et tres interessant du sympathique John Philip Law.

Film culte (pour moi) Pour la scene inoubliable ou Diabolik et sa compagne font l'amour recouverts de billets de banque ... et en grande partie pour la musique de Morricone, qui me trotte dans la tête depuis 40 ans et que j’ai essayé de trouver pendant des ANNÉES. J’ai finalement déniché le CD de la trame sonore presque par hasard, durant un voyage en Italie dans les années 90. Il est introuvable aujourd’hui ... mais on en trouve de nombreux extraits sur YOUTUBE (ci-dessous). " Deep, deep down ... "

Bande annonce de DIABOLIK :

Premières minutes de DIABOLIK (et chanson thème DEEP, DEEP DOWN chantée par Christy (Maria Christina Brancucci) :

Guitare électrique frénétique jouée par Alessandro Alessandroni :

CHARLEY VARRICK (1972)

2009-04-15T09:15:00.000-07:00

CHARLEY VARRICK (1973 – Réalisé par Don Siegel)

Synopsis : Charley Varrick (Walter Matthau) et sa bande volent une petite banque du Nevada (en portant des masques de clowns ! Ça ne vous rappelle pas le début de DARK KNIGHT ça, juste un peu ?). Mais la somme d’argent volée est tellement importante qu’ils doivent se rendre à l’évidence : ils se sont emparés sans le savoir de l’argent de la MAFIA, qui met vite à leurs trousses un tueur à gages psychopathe (et ça, ça ne vous rappelle pas NO COUNTRY FOR OLD MEN rien qu’un peu ?) :-)

Bien sûr que oui, et comme le CHARLEY VARRICK de Don Siegel est un film-culte bourré d’idées originales, il n’est pas pas étonnant de constater à quel point il a influencé de nombreux réalisateurs contemporains. (Quoique l’idée de faire porter des masques de clowns à des voleurs n’était pas nouvelle même en 1973 ! Kubrick lui-même y avait pensé des années plus tôt dans son excellent film noir THE KILLING (1956)). Et puis CHARLEY VARRICK fait partie de la liste des films préférés de Tarantino, c’est tout dire !

Points forts : Parlant de Tarantino, on peut facilement constater que la scène de torture entre le tueur à gages (Joe Don Baker) et le complice de Varrick (Andy Robinson) semble l’avoir grandement marqué … Cette scène se déroule dans la roulotte du Trailer Park où se cachent Varrick et son complice. Telle que mise en scène par Siegel, cette séquence est non seulement d’une grande violence physique, mais aussi psychologique, et c’est surtout la MENACE de plus grandes violences à venir (Baker : «Si tu ne me dis pas ce que j’ai besoin de savoir, je vais devoir te faire très mal !») qui rend le tout presqu’insupportable, de même que le RYTHME de la scène qui commence bien tranquillement (Joe Don Baker se fait passer pour un client sympathique afin d’entrer dans la roulotte de Varrick), puis nous surprend par un moment de violence soudaine (Baker bat Robinson) pour revenir à une pause temporaire (Baker s’assoit tranquillement pendant que Robinson agonise de douleur). Leçon bien apprise par Tarantino : On n’a qu’à penser à la scène de torture de RESERVOIR DOGS : Elle débute elle aussi tranquillement (M. Blonde danse devant le policier attaché), puis violence soudaine (coups de rasoir au visage) et longue pause insoutenable (long plan à l’épaule durant lequel on accompagne Blonde qui va chercher un bidon d’essence … YIKES !!). En fait, la scène de torture de CHARLEY VARRICK a tellement marqué Tarantino que même le film TRUE ROMANCE (qu’il a écrit mais pas réalisé) comporte une scène de torture se déroulant dans une roulotte (i.e. la scène entre Dennis Hopper et Christopher Walken), sans parler du combat entre Uma Thurman et Darryl Hannah dans KILL BILL, qui se deroule aussi dans une roulotte … Bon, bref, vous voyez ce que je veux dire … (Je ne cherche pas à dénoncer le manque d’originalité de Tarantino, ici, puisqu’il est lui-même le premier à avouer qu’il «emprunte» des idées à d’autres cinéastes, en général pour leur rendre hommage …) … Influencé par des films comme CHARLEY VARRICK ou DELIVERANCE, Tarantino aime bien s’attarder longuement sur des moments où un personnage sait qu’il va subir de la violence, mais ne sait pas exactement QUAND où COMMENT (comme dans PULP FICTION, alors que Zed et son complice n’en finissent plus de déterminer lequel, entre Bruce Willis et Ving Rhames, se fera torturer en premier, ou comme dans DEATHPROOF, lorsque Pam (Rose MacGowan) se rend compte trop tard que stuntman Mike (Kurt Russell) est un psychopathe et qu'il va la tuer ) … Parions que son prochain film (INGLORIOUS BASTERDS) comportera aussi une scène où des personnages discutent longuement de la façon dont ils vont torturer ou tuer un autre personnage, tandis que celui-ci attend, terrifié ! :-) MISE A JOUR - AOUT 2009 : J'avais vu juste ! On a qu'a penser a la scene de la premiere apparition du JEW BEAR (Eli Roth), longtemps annoncee a l'avance pour augmenter l'effet de terreur ...

Film culte (pour moi) parce que … J’aime le jeu de chat et de souris qui se joue tout le long de CHARLEY VARRICK entre le tueur à gages et Varrick, criminel inhabituellement INTELLIGENT qui réussit constamment à prévoir le prochain coup de son adversaire et qui n’hésite pas à sacrifier son partenaire pour sauver sa peau … J’aime le rythme plutôt lent du film, typique des années 70s, où le réalisateur prend le temps de bien présenter ses personnages et l’univers dans lequel ils vivent (ex : Amusante séquence du bordel minable où le tueur à gages passe la nuit) … et puis il y a cette scène formidablement bien écrite, jouée (par John Vernon) et filmée (pratiquement un seul plan séquence tourné à la tombée du jour), durant laquelle le membre de la mafia (Vernon) essaie de faire comprendre au directeur de la banque terrifié les conséquences de l’erreur qu’il a commise en laissant Varrick dévaliser le coffre où se trouvait l’argent de la mafia … (Il lui dit entre autres : «They’re going to work on you with pliers and a blow torch …», phrase reprise presque mot pour mot dans PULP FICTION par le personnage de Ving Rhames, après qu’il ait été sauvé de sa «situation fâcheuse» par Bruce Willis (Rhames : «I'm gonna call a couple of hard, pipe-hittin' niggers, who'll go to work on the homes here with a pair of pliers and a blow torch …»

Réplique mémorable : Molly, le tueur à gages, se faisant offrir une fille au bordel :
«Je ne couche pas avec les putes … du moins, pas quand je le sais»
(«I don’t sleep with whores … At least, not knowingly !»)

Extrait : Bande-annonce du film, qui en resume tres bien l'intrigue.

Et voici la FAMEUSE scene de torture dont je parlais plus haut :

Le culte de Samuel Fuller

2009-03-03T13:43:00.000-08:00

« Le cinéma, c’est comme un champ de bataille : l’amour, la haine, la violence, l’action, la mort … En un mot : l’émotion »
Samuel Fuller

Avant la Nouvelle vague, avant Scorsese, Spielberg et Tarantino, un homme a su exploiter la machine Hollywoodienne des années d’après guerre afin d’y imposer son style outrancier et sa vision d’un monde où le chaos peut survenir à tout moment. Cet homme, c’est Samuel Fuller.

Samuel Fuller (1912 – 1997)

On aurait dit que toute sa vie l’avait préparé à jouer ce rôle : journaliste de tabloid New Yorkais spécialisé dans les crimes crapuleux dès l’âge de 17 ans, puis fantassin au sein de la 1ère division d’infanterie américaine au cours de la Seconde Guerre mondiale (il a participé au débarquement de Normandie et a combattu en Italie et en Afrique), Fuller a miraculeusement survécu à tout ce carnage pour pouvoir ensuite nous le raconter à sa façon dans des films qui ne peuvent laisser personne indifférent tellement il sait instinctivement comment capter et maintenir l’attention du spectateur ( Jugez-en vous même en regardant la stupéfiante séquence d'ouverture de son film The Naked Kiss, où une prostituée bat son pimp qui lui doit de l’argent (voir extrait ci-dessous) :

Compte tenu de son experience au front, on ne sera pas surpris de constater que les films de guerre de Fuller sont parmi les plus réalistes jamais tournés (Steel Helmets (1951), Fixed Bayonets (1951), Merrill’s Marauders (1962) mais surtout The Big Red One (1980) relatant son expérience personnelle de fantassin au sein de la 1ère Division d’infanterie et mettant en vedette Lee Marvin qui, comme Fuller, avait aussi combattu durant la 2ème guerre mondiale).

J’ai l’impression que les valeureux états de service de Fuller lui ont ouvert pas mal de portes à Hollywood et que cela lui a même permis d’aborder des thèmes que personne d’autre n’aurait osé toucher à cette époque. En 1963, par exemple, il osait aborder de plein fouet le thème du racisme dans son film culte SHOCK CORRIDOR, véritable descente aux enfers au sein d’un asile d’aliénés où circule un homme noir qui, dans son délire, se croit membre du Klu Klux Klan (voir ci-dessous).

Fuller avait d’ailleurs déjà abordé le thème du racisme en 1951 dans le film Fixed Bayonets, durant une scène clé où un prisonnier coréen discutait avec un soldat noir de l’armée américaine :

Coréen : - Je ne te comprends pas ! Tu peux seulement manger avec les soldats blancs si tu combats avec eux en temps de guerre, mais de retour chez-toi, tu ne peux pas.
Soldat noir : - Oui, en effet.
Coréen : - Et tu paies ton billet d’autobus, mais ils te font t’asseoir à l’arrière.
Soldat noir : - C’est vrai. Il y a 100 ans, je n’avais même pas le droit de prendre le bus. Maintenant, ils me laissent m’asseoir à l’arrière. Un jour, je pourrai peut-être m’asseoir à l’avant. Il y a des choses qui prennent du temps à changer …

Outre son audace au niveau des thèmes (racisme, prostitution et pédophilie dans The Naked Kiss (en 1963 !!), les relations inter-raciales dans Crimson Kimono (1959) et House of Bamboo (1955)), Fuller se démarque aussi par son audace comme réalisateur, faisant surgir la violence dans les moments où l’on s’y attend le moins, histoire de bien secouer le spectateur, comme dans cet étonnant plan-séquence «romantique» entre Barbara Stanwick et Barry Sullivan tiré du film Forty Guns (1957) (voir extrait ci-dessous).

Tarantino et Scorsese, fervents admirateurs de Fuller, ont souvent eu recours dans leurs films à ce même type d’intrusion soudaine de la violence, parfois d’une façon tellement incongrue qu’elle en devient presque comique (ex : Travolta qui tue accidentellement le jeune noir dans la voiture dans Pulp Fiction). Michael Cimino l’avait aussi fait dans Year of the Dragon, alors qu’une discussion de ménage entre Mickey Rourke et sa femme était soudainement interrompue par l’arrivée de membres de gang qui s’empressaient d’égorger celle-ci.

Bref, l’influence de Fuller se fait encore sentir aujourd’hui et ce n’est pas pour rien que de nombreux cinéastes lui ont rendu hommage au fil des années, entre autres en lui demandant de faire des apparitions caméo dans leurs propres films. Fuller a ainsi joué dans Pierrot le fou de Jean-Luc Godard, L’état des choses et l’ami américain de Wim Wenders et 1941 de Steven Spielberg. Il a aussi fait l’objet d’un excellent documentaire intitulé The typewriter, the Rifle and the Movie Camera (1996) dans lequel des cinéastes tels que Jim Jarmusch, Quentin Tarantino et Martin Scorsese lui rendent un vibrant hommage, le tout parsemé d’entrevues avec ce coloré personnage et fascinant conteur qu’était Fuller.

Ses films Shock Corridor, The Naked Kiss , Pickup on South Street et The Big Red One ont atteint aujourd’hui le statut de films cultes.

The Wilhelm Scream

2009-02-24T09:29:00.000-08:00

MISE A JOUR

NOUVELLE ALERTE !! Dans le film INGLORIOUS BASTERDS de Tarantino : dans le dernier chapitre, durant la projection du film noir et blanc NATION'S PRIDE, pas longtemps après un gros plan montrant un soldat atteint à l'oeil droit (qui saigne abondamment), on voit un autre soldat qui tombe de haut en direction de la caméra en poussant un Wilhelm Scream (qui a été légèrement modifié mais pas assez pour ne pas le reconnaître !)

ALERTE AU WILHELM SCREAM !!! AOUT 2009 !!!

DANS LE FILM "KNOWING" avec Nicolas Cage !! vers 1h02min 02 sec, dans la sequence catastrophe du metro, on entend le Wilhelm Scream !!

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Il y a des films cultes, il y a des séries cultes, il y a des acteurs/actrices cultes … et il y a même des effets sonores cultes. C’est le cas du célèbre Wilhelm Scream.

Le cri de Wilhelm

Le Wilhelm Scream, dont l’auteur demeure a ce jour inconnu, est un cri particulièrement efficace enregistré en studio au début des années 50 et utilisé pour la première fois dans le film Distant drums (1951). Il était sensé représenter le cri d’un homme se faisant bouffer par un alligator. Le cri était tellement évocateur qu’il fut réutilisé deux ans plus tard dans le film The Charge at Feather River (1953) lorsqu’un personnage secondaire appelé Wilhelm est atteint d’une flèche à la jambe.

Le reste, comme on dit, fait partie de l’histoire … Ce cri si particulier a depuis été utilisé à toutes les sauces, dont TROIS fois dans la finale du film de science-fiction THEM ! (1954) (voir compilation ci-dessous). Dans les années 80s, le monteur de son Ben Burtt, un des nombreux artisans Hollywoodiens vouant un culte au «Wilhelm Scream», le fit connaître à toute une nouvelle génération de spectateurs en l’intégrant à la trame sonore du film Star Wars Episode IV : A New Hope (voir ci-dessous).

Plus récemment, le Wilhelm Scream a été entendu dans le dernier épisode de la trilogie de LORD OF THE RINGS. Depuis, des millions de spectateurs partout dans le monde restent aux aguets et tendent l’oreille, attendant sa prochaine manifestation ! On l'entend dans le film DEATHPROOF de Tarantino, durant la scène où Stuntman Mike (Kurt Russell) entre en collision avec la voiture des quatre filles qu’il a rencontrées au bar … On l’entendrait aussi lorsque la mascotte prend en feu dans le film BLADES OF GLORY … D’autres l’auraient entendu durant la scène de l’attaque de Darwin dans AUSTRALIA … Et vous ? Vous l’avez entendu récemment ?? aaaAAAAAAHHHaaaa !!

Compilation du Wilhelm Scream :

Historique du Wilhelm Scream :

Liste des films comprenant le Wilhelm Scream ici

BEHIND THE GREEN DOOR (1972)/CAFE FLESH (1982)

2009-02-13T13:38:00.000-08:00

Il n'est pas étonnant de retrouver dans la liste des films cultes des livres CULT MOVIES de Danny Peary quelques titres du cinéma X. Il est encore moins surprenant de constater que ces titres (EMMANUELLE, BEHIND THE GREEN DOOR) sont majoritairement des films des années 70s, époque où le cinéma X est pour la première fois sorti de l'underground pour devenir un phénomène "mainstream", en grande partie grâce à la popularité des films DEEP THROAT (1973) et BEHIND THE GREEN DOOR (1972).

Ce dernier met en vedette l'ex-mannequin Marilyn Chambers, décédée le 12 avril 2009. Son parcours est assez particulier : Après avoir été l'emblême de la pureté pour le savon Ivory (son visage angélique se retrouvait sur la boîte de savon Ivory Snow), Chambers a été engagée par les Mitchell Brothers pour jouer le rôle principal de leur film BEHIND THE GREEN DOOR (1972), film pour adultes qui allait révolutionner le genre et lancer la carrière de Chambers. Jusqu'à cette époque, ce genre de film ne consistait qu'en de courtes bobines dénuées de scénario ou de prétentions artistiques. BEHIND THE GREEN DOOR allait changer tout ça ! (Le génial film BOOGIE NIGHTS (1997) de P.T.Anderson brosse d'ailleurs un tableau très complet de cette période charnière de l'histoire du X). Le film, tourné avec un budget de 60 000 $ (dont 25 000 $ pour Chambers) a rapporté jusqu'à ce jour environ 25 millions de dollars. Son succès à cette époque a permis à d'autres réalisateurs d'exploiter le filon. L'année suivante, un certain Gerard Damiano réalisa le cultissime DEEP THROAT, film tourné en six jours avec un budget de 25 000 $ dollars et qui, à ce jour, aurait récolté près de 600 MILLIONS de dollars, ce qui en ferait le film ayant amassé le plus de profits dans l'histoire du cinéma. (Voir à ce sujet l'EXCELLENT documentaire INSIDE DEEP THROAT réalisé en 2005 et dans lequel on peut voir Damiano tenter d'éviter de répondre aux questions concernant le financement du film, puisque cet argent provenait majoritairement de la pègre ...) Malheureusement, DEEP THROAT est un navet (Damiano lui-même le reconnaît dans le documentaire) qui n'a servi qu'à financer le prochain film X de Damiano, THE DEVIL IN MISS JONES (1973), classique du genre qui, lui, vaut franchement le détour.

BEHIND THE GREEN DOOR demeure celui de ces trois classiques du X qui a le mieux vieilli. Le scénario a probablement quelque peu inspiré Stanley Kubrick pour son EYES WIDE SHUT, puisqu'on y retrouve sensiblement les mêmes éléments : un groupe de personnes masquées se réunissent pour assister à un spectacle érotique durant lequel une jeune femme (Marilyn Chambers) s'exhibe dans diverses situations à caractère sexuel ... Le film se distingue par son absence quasi-totale de dialogue et de musique, le soin évident apporté à la direction photo, l'utilisation (durant la finale psychédélique) d'effets spéciaux inhabituels pour le genre (image polarisée, infra-rouge, exposition multiple, effets de ralenti, etc.) et l'inclusion d'une scène inter-raciale (audacieuse en 1972). Tout cela contribue à créer un climat mystèrieux et envoûtant, le spectateur ayant vraiment l'impression d'assister à un happening privé de plus en plus audacieux, culminant en une apothéose finale aussi délirante qu'inattendue ...

Finale de BEHIND THE GREEN DOOR (1972)

Bande-annonce de INSIDE DEEP THROAT (2005) :

À signaler aussi dans la liste des films cultes X les titres THE FIRST NUDIE MUSICAL (1976) (une comedie musicale a saveur erotique), et surtout l'excellent CAFE FLESH (1982) de Rinse Dream, rare exemple de film X au scénario captivant et original (voir extrait ci-dessous).

CAFE FLESH (1982) : Suite a une guerre nucleaire, 99% de la population est infectee d'un virus qui les rend malades des qu'ils essaient d'avoir des relations sexuelles. Ils sont condamnes a assister aux performances donnees au CAFE FLESH par les gens non-infectes !

POSSESSION (1981)

2009-01-29T09:26:00.000-08:00

Ca vous dirait de louer un film culte sur un couple qui n’en finit plus de se déchirer ? C’est ce que vous offre le film POSSESSION, réalisé en 1981 par Andrzej Zulawski afin d’exorciser quelques démons, lui qui à cette époque venait de vivre un divorce plutôt pénible.

Synopsis : Anna (Isabelle Adjani) quitte son mari Marc (Sam Neill) en lui laissant la garde de leur fils. Anéanti, Marc sombre dans une profonde dépression, puis fait enquête et découvre qu’Anna avait un amant (Heinz Bennent). Mais comme Anna montre des signes d’un déséquilibre grave, Marc poursuit son enquête et découvre que la vérité est beaucoup plus complexe (et horrible) qu’il ne l’avait imaginée …

Points forts : Le film s’illustre entre autres par le remarquable travail du directeur photo Bruno Nuytten qui illustre la folie des personnages par d’impressionnantes acrobaties de caméra. Il a aussi fait un travail magnifique sur la lumière du film qui est faite de différentes teintes de bleu. En fait le bleu est omniprésent dans le film (Yeux et vêtements des acteurs, tapis bleus, rideaux bleus, murs bleus, etc.), au point qu’on est en droit de se demander s’il n’y a pas là une quelconque symbolique ? (Je devrai ré-écouter l’excellent commentaire de Zulawski qui accompagne la version DVD de Anchor Bay pour vérifier !) Le jeu des acteurs est aussi à souligner, Adjani ayant reçu la Palme d’or d’interprétation féminine pour ce rôle double (puisqu’elle joue aussi le rôle d’une institutrice qui devient l’amie et l’amante de Marc), quoiqu’Heinz Bennent ne donne pas sa place non plus en amant arrogant et cocainomane complètement déjanté.

Film culte (pour moi) parce que ce film, dans son excessivité typiquement Zulawskienne, illustre magnifiquement (je dirais même viscéralement) le chaos qu’est devenu la vie d’un couple à la dérive alors qu’explosent toute la tension émotive et le ressentiment accumulés entre eux. La scène où Adjani, hystérique, se met à hurler seule dans le métro (voir ci-dessous) est inoubliable (d’autres diraient interminable !!). Pour ce qui est de l’allégorie du «monstre Lovecraftien» créé par Adjani (existe-t-il vraiment ? N’est-il qu’un symbole de l’état psychique d’Anna ?), je le vois personnellement comme la représentation de ce que j’appellerais la «troisième» entité qui surgit toujours dans un couple, soit celle que constitue leur «dynamique» et qui, dans les pires cas (ex : dynamique de «dominant-dominé») peut amener le moins fort des deux à se croire sous l’emprise de forces qui le/la dépassent (d’où le besoin d’Anna de fuir, de s’isoler et de se débarrasser de ceux qui cherchent à la sortir de son isolement avant qu’elle n’y soit prête elle-même). Point de vue personnel ici, bien sûr, puisque ce film énigmatique est ouvert à toutes sortes d’interprétations, et prend même plaisir à semer plusieurs pistes ambigües : Qui est vraiment Hélène, l’institutrice «parfaite» interprétée aussi par Adjani ? Qui est l’homme aux chaussettes roses ? Quel sens donner à la finale apocalytique ? et à toutes ces références à Dieu ? etc.

Bref, des HEURES de plaisir ! ;-)

Citation : «Si je suis avec toi, c’est parce que tu dis «JE» pour moi !»

Quelques extraits en francais (s'cusez pour la qualite de l'image):

SERIES CULTES - AU-DELA DU REEL

2009-01-23T13:51:00.000-08:00

Il y a des films cultes, il y a aussi des séries cultes (On pense tout de suite à des séries comme LES ROIS MAUDITS, DR WHO, LE PRISONNIER, THE X-FILES, SIX FEET UNDER, etc.).

Au Québec, toute une génération de jeunes téléspectateurs aujourd'hui âgés de plus de 40 ans ont été traumatisés par la présentation, dans les années 60 et 70, de la version française de la série d'anthologie de science-fiction THE OUTER LIMITS (en français AU-DELÀ DU RÉEL). Le passage des années et la révolution DVD permettent aujourd'hui à de nouvelles générations de découvrir cette série exceptionnelle maintenant offerte un peu partout en trois coffrets au prix très abordable.

Format : La série comporte 49 épisodes, rassemblés en trois coffrets distincts, soit 2 coffrets contenant chacun 16 episodes de la première saison (la meilleure, à voir absolument) et le coffret de la seconde saison (horrible, à éviter, à l'exception des épisodes DEMON WITH A GLASS HAND et SOLDIER écrits par Harlan Ellison et ayant inspiré le film THE TERMINATOR !).

Points forts : Ce qui rend la première saison si supérieure à la seconde, c'est la réunion exceptionnelle d'artisans talentueux qui, le temps de 32 épisodes, collaborèrent afin de créer 32 récits distincts partageant toutefois le même style visuel baroque et cauchemardesque. On compte parmi ces artisans le producteur/scénariste Joseph Stefano (qui avait écrit le scénario du PSYCHO de Hitchcock et qui scénarisa les meilleurs épisodes de la série), le compositeur Dominic Frontiere et le directeur photo Conrad Hall, qui en était alors à ses débuts mais qui allait par la suite connaître une brillante carrière moult fois récompensée (Il remporta un oscar pour ROAD TO PERDITION, AMERICAN BEAUTY et BUTCH CASSIDY AND THE SUNDANCE KID). Dans AU-DELA DU RÉEL, Hall exploite avec virtuosité toutes les possibilités du médium noir et blanc dans des compositions expressionnistes des plus évocatrices (voir l'extrait ci-dessous) mises au service de récits fantastiques abordant des thèmes comme l'évolution de l'homme (dans le classique épisode THE SIXTH FINGER que l'on peut voir au complet sur YOUTUBE), la menace nucléaire (dans IT CRAWLED OUT OF THE WOODWORK) et le suicide collectif (dans A FEASIBILITY STUDY), pour ne nommer que ceux-là.

Série culte (pour moi) pour des raisons nostalgiques, bien sûr ! Mais aussi parce que c'est certainement l'une des seules séries de l'époque qui se regarde encore très bien aujourd'hui (même si, bien sûr, certains effets spéciaux ont plutôt mal vieilli). Il est même parfois étonnant de constater à quel point cette série d'anticipation pouvait être perspicace pour l'époque. Par exemple, dans l'épisode O.B.I.T («L'espion robot» en français) tourné en 1963, on nous met en garde contre l'omniprésence des machines dans notre société («Les machines sont un peu partout !») et ce, 40 ans avant l'arrivée des ordinateurs personnels, des téléphones cellulaires et des blackberry ! Ce même épisode raconte comment un ensemble de machines permettant de surveiller qui que ce soit à son insu (à la FACEBOOK !) a vite fait de semer un climat d'angoisse et de paranoia au sein de toute communauté qui en accepte la présence. Dans la superbe scène finale (extrait ci-dessous), véritable orgie de plongées, de contre-plongées et d'éclairages originaux typiques de la série, un extra-terrestre nous révèle que notre «impulsion à vouloir tout connaître des pensées et des désirs de ceux qui nous entourent, de nos familles ou de nos voisins, de tout le monde sauf de nous même» nous rend particulièrement vulnérables à une menace provenant de l'extérieur. Paroles d'une grande pertinence en cette époque post 11 septembre où l'Internet et la télé-réalité semblent constamment occuper nos esprits ...

Séquence finale de O.B.I.T en français (s'cusez pour la qualité sonore):

Citation : «Les machines sont un peu partout ! Vous les trouverez toutes, vous êtes un peuple zélé et vous clamerez à grands cris que vous en avez détruit le plus grand nombre, mais pour une machine que vous détruirez des centaines d'autres seront fabriquées ! Et elles vous démoraliseront ! Elles briseront vos esprits et créeront de la tension dans votre société et des troubles impossibles à réparer ! Vous êtes une planète sauvage, sans histoire ! Et quand nous viendrons y vivre, votre épave démoralisée, abandonnée par vous tombera entre nos mains sans le moindre combat ! ... Vous êtes tous victimes des mêmes impulsions, vous insistez pour tout connaître des pensées et des désirs de ceux qui vous entourent, de vos familles ou de vos voisins, de tout le monde sauf de vous-mêmes ...»

Même séquence, en version originale anglaise (OOPS ! Mise à jour 2011 : La séquence a été retirée par MGM ! ;(

THE HIRED HAND (1971)

2009-01-16T08:26:00.000-08:00

Un Western existentialiste, ça vous dirait ?

Après le succès inattendu du film de la contre-culture EASY RIDER (1969), Universal donna carte blanche (et Final Cut) à Peter Fonda pour son prochain film. Il en surprit plus d’un en choisissant de tourner THE HIRED HAND (1971), un Western au rythme très Zen et magnifiquement filmé par le caméraman Vilmos Zsigmond. Le film n’est pas unique en son genre, toutefois, car plusieurs westerns minimalistes aux thèmes existentialistes avaient déjà été tournés à cette époque, notamment par le légendaire Monte Hellman qui réalisa le très laconique RIDE THE WHIRLWIND en 1965 (écrit et interprété par Jack Nicholson, et figurant parmi les films favoris de Tarantino), de même que l’énigmatique THE SHOOTING (1967). Tous ces westerns sont devenus depuis des films cultes.

Synopsis : Après un long séjour loin de sa femme Hannah (Verna Bloom) et de sa ferme, Harry Collins (Peter Fonda) revient chez-lui accompagné de son ami Arch (Warren Oates), mais pas pour longtemps … Il doit régler une vieille histoire.

Points forts : Le rythme du film est lent et statique, rappelant un peu les films de Terrence Malick (BADLANDS, THIN RED LINE) ou le récent THE ASSASINATION OF JESSE JAMES BY THE COWARD ROBERT FORD (à déconseiller donc aux amateurs de sensations fortes). On pourrait presque parler ici d’un Western naturaliste, filmé comme une suite de tableaux reliés entre eux par de nombreux fondus enchaînés. Fonda a de plus souvent recours à des effets de ralentis un peu démodés qui, à la longue, pourraient facilement venir à bout du spectateur le plus patient. Reste l’intrigue, un peu mince, et la présence du toujours captivant Warren Oates, acteur culte par excellence …

Film culte (pour moi) parce que tout film mettant en vedette Warren Oates ne peut pas être complètement mauvais. Le personnage de la femme délaissée qui n'hésite pas à avouer à son mari qu'elle a eu de nombreux amants durant son absence est assez exceptionnel pour un Western, ce qui a amené Jane Fonda (soeur de Peter) à déclarer à l'époque que son frère avait réalisé le premier "Western féministe". La scène où Hannah discute le soir sur le perron avec l'ami de son mari et laisse ce dernier lui toucher la cheville pendant quelques secondes est ouverte à toutes sortes d'interprétations ... et explique en partie la conclusion du film. J’ai toujours aimé les films à l’atmosphère un peu Zen (à la SOLARIS, 2001 L’ODYSSÉE DE L’ESPACE, ERASERHEAD, TWO-LANE BLACKTOP), en plus que celui-ci est accompagné d’une excellente trame sonore composée par Bruce Langhorne. Jugez-en vous même, en écoutant l'extrait ci-dessous, qui comprend le thème du début et de la fin du film (le deuxième thème débutant à 3:40 ) :

Citation:
Hannah: - Why did he come back ?
Arch: - He just got tired of drifting around
Hannah : - He'll leave again ... It's only a matter of time ...
Arch : - Most things are, M'am

Bande-annonce du western existentialiste THE SHOOTING (1967) de Monte Hellman, dont l'ambiance (et la finale) ne sont pas sans rappeler le film GERRY (2003) de Gus Van Sant.